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Scalped de Jason Aaron y R.M. Guéra, el último gran comic de Vertigo

Es un buen momento para hablar de la última obra maestra que nos ofreció el mítico sello Vertigo de DC Comics: Scalped de Jason Aaron y R.M. Guéra, para mí el mejor cómic del siglo XXI.

PUNTUACIÓN: OBRA MAESTRA, NO TE LA PUEDES PERDER

Scalped es una nueva historia policíaca creada por Jason Aaron y dibujada por R. M. Guéra, que mezcla el crimen organizado con la cultura de los americanos nativos. Hace quince años, Dashiell “Dash” Caballo Terco huyó de una vida de pobreza y desesperación en la reserva india que le vio nacer. Ahora ha vuelto a casa con un secreto oscuro, solo para descubrir que nada ha cambiado… si no fuese porque la reserva se ha convertido ahora en un casino, y el orgulloso pueblo de los indios ha caído en manos de las drogas y el crimen organizado.

Scalped combina magistralmente el drama  y la denuncia social en una historia de género negro que fue publicada en Estados Unidos en 60 números entre 2007 y 2012. En España la serie se publicó originalmente en 10 volúmenes de tapa blanda, los 8 primeros publicados por Planeta y los 2 últimos por ECC ediciones. Más recientemente, ECC ha publicado la serie completa en una edición Deluxe Hardcover de 5 tomos.

(Este análisis  está libre de spoilers)

Jason Aaron es ahora uno de los grandes nombres del comic mainstream americano, habiendo escrito etapas super ventas en Thor o Star Wars, por citar tan solo a un par de trabajos suyos. Pero este “Arquitecto” de Marvel Comics era un recién llegado al mundo del comic en 2007 cuando empezó a publicarse Scalped. Tras ganar un concurso de talentos de Marvel en 2001, publicó una historia corta de Wolverine en 2002, no volviendo a publicar nada hasta 2006, año en el que DC / Vértigo le publicó “The Other Side” miniserie de 5 números ambientada en la guerra de Vietnam realizada junto a Cameron Stewart y con colores de Dave McCaig, que contaba la contienda desde el punto de vista de dos soldados, uno americano y otro del Vietcong. The Other Side significó un éxito de crítica y fue nominada al Premio Eisner a mejor miniserie, lo que le hizo que los editores de pidieran que desarrollara nuevos conceptos, a partir de lo cual nació Scalped.

Es interesante comprobar que al igual que Watchmen de Alan Moore y Dave Gibbons y su inspiración en los personajes de la Charlton, Scalped nació originalmente como un intento de revitalizar a un personaje clásico de la editorial, Scalphunter, un blanco criado entre indios creado en el cómic Weird Western Tales en los años 70. Vértigo se había especializado en dar una nueva vida a personajes clásicos dándoles un tono adulto acorde con los tiempos actuales, como Soldado Desconocido, con una estupenda miniserie de Garth  Ennis y Killian Plunkett, o Blanco Humano, gracias a Peter Milligan, Edvin Biukovic y Javier Pulido entre otros artistas.

Sin embargo, Aaron pronto se dió cuenta que está historia debía ser un drama protagonizado por indios que sirviera para poner de relevancia el drama y el olvido que viven estas comunidades viven actualmente en los Estados Unidos, y decidió abandonar la idea inicial de Scalphunter y ambientarla en el presente en la ficticia reserva india de Praerie Rose en Dakota del Sur, un lugar donde la anteriormente orgullosa nación india se enfrenta a la extinción acosada por el analfabetismo, la pobreza, el alcoholismo y el consumo de drogas.

Will Dennis, el editor de la serie en Vértigo, contrató para esta serie al artista serbio afincado en Barcelona R.M. Guéra, cuyos lápices sucios eran perfectos para trasladar el drama y la crudeza del guión de Aaron a la página impresa. Guéra quizá no tenga un estilo fácil para un lector no acostumbrado, pero realiza un extraordinario estudio de cada personaje y traslada el feeling del western y del mejor noir a esta serie, en colaboración con los coloristas Lee Loughridge, que tan solo trabajó en el primer arco, y Giulia Brusco, que coloreó el resto del cómic.

El marcado tono realista y la descarnada crítica social que Aaron realiza en Scalped bajo el paraguas del género negro no tiene un referente claro dentro del mundo del comic. El sello Vértigo para adultos de DC Comics tiene en su catálogo éxitos principalmente adscritos al género fantástico (Sandman o Fábulas), sobrenatural (Preacher), el terror (Swamp Thing) o la ciencia ficción (Transmetropolitan, Y The last Man). Cierto es que el éxito de 100 Balas de Brian Azzarello y Eduardo Risso años antes pudo abrir la puerta a otros comics de género negro, pero Aaron y Guéra sobrepasaron en todos los aspectos a las andanzas del agente Graves con su maletín de balas irrastreables, que se limitaba a ser un noir más tradicional.

En palabras del propio Aaron, su influencia vino más de los clásicos del género negro en novela y cine, además de westerns crepusculares despojados de todo elemento blanqueador. En mi opinión, Scalped tiene más en común con The Wire que con cualquier otro cómic publicado por DC en los últimos años.

Entrando en materia, el primer giro importante llega en el primer número cuando conocemos que Dash Caballo Terco es realmente un agente encubierto del FBI con la misión de infiltrarse en la reserva para detener a Lincoln Cuervo Rojo, líder de la comunidad que controla el crimen local y que va a abrir un casino en la reserva. En este primer arco, Nación India, conoceremos  a los principales personajes de esta serie: El agente del FBI Baylis Earl Nitz, que persigue a Cuervo Rojo desde hace décadas acusándole del asesinato de dos agentes del FBI en la reserva. También conoceremos a Gina Caballo Terco, madre de Dash, que formó parte en los 70 de un grupo radical indio del que también formaba parte Cuervo Rojo junto a  Lawrence Belcourt, activista que lleva años en la cárcel pagando por el asesinato de los agentes del FBI (que no cometió), y Arthur J. Pendergrass “Catcher”, estudiante modelo que vive en la actualidad aislado y alcoholizado creyendo que escucha las voces de los antiguos dioses. En la actualidad, Gina se opone a Cuervo Rojo y sigue aferrada a sus raíces indias.

El otro gran personaje de Scalped junto a Dash y Cuervo Rojo es Carol Cuervo Rojo Ellroy, hija del señor del crimen y amiga de la infancia de Dash que vive en un camino de autodestrucción al que se unirá Dash cuando comiencen una relación. Otros personajes importantes son Shunka, la mano derecha de Cuervo Rojo que es un brutal asesino y no confía en Dash, el agente Franklin Caído, el único policía honesto de la Reserva, Dino Oso Pobre, un chaval que intenta salir adelante en la reserva en medio de la pobreza y el crimen, Diesel un aspirante blanco a guerrero indio que amenaza el liderazgo de Cuervo Rojo sobre el crimen local,  o el Sheriff Wooster Karnow de la vecina localidad de White Haven (Nebraska), que lleva años acomodado con la delincuencia que crece a su alrededor.

Comenta Ed Brubaker en su introducción del cuarto volumen “la grava en tus tripas” que el buen género negro se caracteriza por ser inevitable, “aunque desearías que el protagonista no durmiera con esa mujer o vendiera droga a esos polis, sabes que lo harán y lo sorprendente es que te preocupes por alguien que se acaba de meter de cabeza en el infierno. Las mejores historias negras hacen que te olvides del argumento al ofrecerte personajes tan bien construidos que no puedes dejar de mirarles mientras caen…” Esta es una gran descripción de lo que veremos en Scalped, unos personajes rotos que deberán decidir si quieren salir del infierno en el que ellos mismos se metieron, incluso aunque parezca que el mundo no deja de golpearles y no les da un segundo de respiro.

Scalped además es una historia de huérfanos, de personas que crecieron sin padres reales y que en muchos casos han visto pisoteada su lengua, cultura, su orientación sexual e incluso su propia nación. Y que sufren y tienen que enfrentarse a los traumas que esta orfandad les ha producido, luchando para evitar que este círculo vicioso se repita. Y ya veremos que no necesariamente esta lucha  acabará con éxito.

Además de ser una gran historia de género negro, Scalped tiene una elevada carga de crítica social al destacar el sufrimiento de los nativos americanos a los largo de la historia, siendo masacrados, despojados de sus tierras y enviados a unas tierras baldías para que murieran olvidados. En este terreno hostil, siguen subsistiendo e intentan mantener vivas su cultura y sus tradiciones. Jason Aaron realiza una dura radiografía de la terrible situación que se vive en las reservas en la actualidad, consiguiendo un retrato crudo que transmite verdad y realismo por los cuatro costados.

Para crear este tapiz, narra numerosos números desde el punto de vista de varios personajes, de forma que consigue construir personajes maravillosos llenos de defectos que luchan por salir adelante y que, si bien no aportan nada a la trama principal policiaca, si ayudan a crear la sensación de que Praerie Rose es un universo vivo en el que vive gente a la que afectan las acciones de los protagonistas.

En este sentido, merece la pena comentar que para vender la serie al editor Will Dennis, Aaron escribió una “biblia” que definía a los personajes y abarcaba más o menos 30 episodios, la mitad de la serie. Y que aunque sabía desde casi el principio como iba a terminar la historia para cada personaje y tenía muy clara cual sería la última página, fue añadiendo elementos y ampliando líneas argumentales sobre la marcha, en función de lo que sentía que le demandaba la historia, hasta el punto de que “No deseados” para mí uno de los puntos álgidos de este cómic, no estaba incluido en el esquema inicial de la serie. Esto es algo que creo que solo se da (o al menos principalmente) en el mundo del comic, fruto de la narración periódica de las historias durante meses, que provoca una evolución y aprendizaje por parte de los autores para llevar la historia por caminos que nunca hubieran imaginado en un principio.

Aaron realiza un tour-de-force narrativo en estos 60 números. No sólo juega con el narrador de muchos de sus cómics, sino que en numerosos arcos juega con la línea temporal, creando saltos atrás y adelante que aumentan la tensión mientras conocemos lo que va pasando y dejándonos super enganchados con la lectura y consiguiendo un mayor impacto emocional ante los giros que se suceden.

Y vaya si hay impacto emocional. Algunas de las páginas más duras que he leído en un comic se encuentran en “No deseados”, historia recogida en el séptimo volumen que trata el drama del aborto, algo totalmente inesperado en una serie a priori de corte criminal. Al igual que el dolor ante la incomunicación de personas que deberían estar juntas si hubiera justicia en el mundo, pero a los que la vida ha golpeado tanto y tan fuerte que no saben cómo arriesgarse para pedir ayuda, algo que vemos en “La grava en tus tripas”, el cuarto volumen.

Dash Caballo Terco me parece un personaje maravilloso que luchará durante toda la serie contra sus demonios internos para intentar estar en paz consigo mismo. Pero incluso mejor es Lincoln Cuervo Rojo, el “villano” de la función que es una persona compleja que aunque sabe que no es bueno, no tiene miedo de tomar las decisiones difíciles y matar a quien sea necesario con tal de salvar a su pueblo frente a las agresiones constantes del hombre blanco. Un buen personaje es aquel con el que empatizas y entiendes sus acciones, y en este sentido Cuervo Rojo es un triunfo total que cree en todo momento que hace lo que hay que hacer. Pero esta complejidad la vemos en todos, incluso en secundarios como Dino Oso Pobre o el Sheriff Karnow, consiguiendo Aaron que todo transmita humanidad y verosimilitud.

Artísticamente, R.M. Guéra con colores de Giulia Brusco es una maravilla. No se concibe que nadie hubiera podido transmitir la crudeza de este mundo mejor que él. Sus lápices son oscuros y consiguen transmitir perfectamente el dolor con el que viven los personajes, además de contar de manera seca y cortante las escenas de acción, sin esconderse a la hora de mostrar escenas de gran violencia. Gracias a él, las páginas transmiten que estamos ante una historia oscura pero honesta que nos pone delante de los defectos de la sociedad americana.

Debido al ritmo de publicación mensual del cómic americano, Guéra no pudo dibujar el total de páginas, pero Aaron planteó la historia de forma muy hábil, empleando a dibujantes de apoyo para narrar números sueltos centrados en diferentes personajes de la reserva, de forma que tuvo siempre el descanso que necesitaba. De estos dibujantes de apoyo destaca Davide Furnò, que dibujó 7 números,  y además encontramos a John Paul Leon, Francesco Francavilla, Daniel Zezelj y Jason Latour.

Gracias a estos descansos, Guéra SI dibujó todos los números de los arcos con la trama principal, además de los 11 primeros números y los 10 últimos de forma ininterrumpida, ya que el número 50 que fue especial contó con 4 páginas (maravillosas) de Igor Kordey, además de varias ilustraciones modo de pin-ups de autores como Tim Truman, Jordi Bernet o Steve Dillon.

Además del arte interior, merece la pena destacar las potentes portadas de Jock, algunas de las cuales acompañan este artículo, que dotaron al cómic de aún más fuerza y personalidad.

Comentaba antes que Aaron tenía el final pensado desde casi el principio y que para Brubaker el buen noir se caracteriza por su inevitabilidad. Que el final fuera casi el único posible no quita que sea perfecto,  con un clímax bestial digno del mejor clásico cinematográfico y con un montón de emociones ante el viaje que estos maravillosos personajes han recorrido durante estos números.

Podría seguir hablando durante horas de esta maravilla que es Scalped, pero si a estas alturas aún no te he convencido para que leas esta obra que para mí es el mejor cómic publicado en el siglo XXI, creo que he realizado muy mal mi trabajo… En serio, hazte un favor a ti mismo y compra Scalped, estoy seguro que me lo agradecerás.

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Sandman Obertura, de Neil Gaiman y J.H. Williams III #Reseñoviembre día 30

¡Prueba superada! Llego al último día del #Reseñoviembre con la satisfacción de haber publicado 30 reseñas de comics durante todo el mes de noviembre. Y he dejado para el último día una de las obras fantásticas más importantes del mundo del comic americano: Sandman, eligiendo la última historia de Neil Gaiman dibujada por el artista definitivo de Morfeo: el excepcional J.H. Williams III junto al colorista Dave Stewart.

#Reseñoviembre día 30 Sandman Obertura, de Neil Gaiman y J.H. Williams III

Guión: Neil Gaiman

Dibujo: J.H. Williams III

Color: Dave Stewart

Fecha publicación USA: DC Comics – Vertigo (2013-15)

Edición española: Edición de lujo, ECC Ediciones (2017)

Resumen: El último episodio de Sandman escrito por Neil Gaiman se publicó en marzo de 1996. Después, durante diecisiete años, el personaje durmió en el limbo de los seres imaginarios hasta que el guionista de Porchester decidió despertarlo para ofrecer una única función antes de devolverlo a su lecho mágico y silencioso. El resultado es Sandman: Obertura, la serie limitada que desvela los sucesos previos a la captura de Morfeo por parte del ocultista Roderick Burguess (tal como estableció el episodio inaugural de la serie). Esta nueva obra portentosamente dibujada por J. H. Williams III nos devuelve al Rey del Sueño en todo su pálido y altivo esplendor. También a los miembros más populares de su peculiar familia, como Muerte o Destino. Y sobre todo, nos restituye uno de los universos narrativos más imaginativos, poderosos y atemporales de las últimas décadas. Evidentemente, el sueño terminó hace diecisiete años. Pero Sandman: Obertura contiene todos los ingredientes que hicieron del original un clásico contemporáneo.

El guión de Neil Gaiman transita por muchos terrenos comunes. Los personajes no son buenos ni malos, sino que simplemente son y actúan según su naturaleza. Y hay una evidente sensación de inevitabilidad, dado que esta serie nos cuenta una historia cronológicamente situada antes del inicio de la serie original, con lo que a priori conocemos en final de la historia, pero no el camino para llegar a él. Y es el camino, como en tantas otras de sus obras, lo realmente importante. Lo que aprendemos, con quién nos cruzamos y como este viaje nos marca.
Para ello, Gaiman cuenta con unos colaboradores autentico lujo: El dibujante superstar J.H. Williams III unido al colorista Dave Stewart. Un equipo creativo de All-Star que realizan un trabajo para el que solo se me ocurre un calificativo: Mágico.
Cada número hay un despliegue increíble a nivel narrativo. Williams y Stewart entienden que lo principal es contar una historia, y aunque cada página por separado tiene un valor artístico innegable, en ningún caso dificultan la lectura. Más bien al contrario, el dibujo actúa como un hechizo que nos atrapa y nos “obliga”  a entrar en este mundo más allá del nuestro.
Otro de los alicientes de esta obra es, además de saber como pudo caer Morfeo prisionero al principio de su serie,  poder descubrir por primera vez a los padres de los Eternos. Ya conocíamos a los hermanos Eternos: Muerte, Destino, Destrucción, Delirio, Deseo, Desespero y Sueño.  Y ahora por fín conoceremos a sus padres, que prefiero ni nombrar para no chafaros el descubrimiento. Aunque como en todo lo relacionado con los Eternos,  no está claro que vayan a ayudar a Morfeo en su búsqueda, ni siquiera ante la posibilidad de la destrucción de Universo.

Sandman: Obertura sirve no solo para conocer una historia perdida del personaje, sino como forma de volver a generar interés por la serie original. En mi caso, tengo muchas ganas de volver a leer esta serie, y ver como los matices aquí mostrados pueden aportar una mayor luz a algunos personajes, ya sea el Corintio, o las hermanas de Sueño Deseo o Delirio.

Est obra fue galardonada por Amazon como la Mejor Novela Gráfica de 2015, y significó un clásico instantáneo además de un complemento perfecto para la serie original que ninguno de sus millones de lectores pueden dejar de leer. Una pequeña gran obra maestra del género del comic, una obra que no te puedes perder.

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Soldado desconocido, de Garth Ennis y Kilian Plunkett #Reseñoviembre día 23

El nombre de Garth Ennis está ligado en el imaginario colectivo comiquero a obras como Preacher o su Punisher Max. Sin embargo, en el #reseñoviembre de hoy quiero recomendar una miniserie que trasmite su amor por el género bélico, además de ser un poderoso alegato contra la política exterior de los Estados Unidos de la segunda mitad de siglo XX.

#RESEÑOVIEMBRE Día 23: Soldado desconocido, de Garth Ennis y Kilian Plunkett

Guión: Garth Ennis

Dibujo: Kilian Plunkett

Color: James Sinclair

Primera publicación: Unknown Soldier 1-4 (Vertigo 1997)

Edición Española: EEC Ediciones 2016

Resumen: El Soldado Desconocido es una historia de honor y espionaje escrita por Garth Ennis (Predicador), que ofrece un análisis de la moralidad en el campo de batalla, de la compleja naturaleza del patriotismo y de las consecuencias de comprometerse con el deber a cualquier precio. Inevitablemente asociado a Predicador, su gran obra maestra, Garth Ennis también firmó otras historias publicadas por el sello Vertigo como este El Soldado Desconocido.

“Un hombre, en el sitio correcto en el momento adecuado puede marcar la diferencia.”

“Y ganar una guerra”

El personaje de Soldado Desconocido fue creado por Robert Kanigher y Joe Kubert, apareciendo por primera vez en Our Army At War #168 (junio de 1966). El personaje lleva el nombre de La Tumba del Soldado Desconocido en el Cementerio Nacional de Arlington, Virginia y simbolizaba a todos los soldados sin nombre que lucharon y murieron durante las guerras de Estados Unidos.

Su primero serie tuvo lugar durante la Segunda Guerra Mundial, y se centra en las misiones de un agente de inteligencia de los Estados Unidos cuya cabeza y cara están tan severamente desfiguradas que va envuelto en vendajes. A pesar de esto, es un maestro del disfraz que puede asumir la identidad de casi cualquier hombre usando máscaras y maquillaje de látex. Su aventuras se englobaban en las típicas historias bélicas y sus comic fueron publicados hasta 1982.

A finales de los años 80 y los 90 y en medio de la explosión creativa de la línea Vertigo de DC Comics, se planteó la actualización de muchos personajes clásicos de la editorial. Entra Garth Ennis que por esa época había causado sensación en Hellblazer y ya rompía moldes con Preacher. Ennis aprovecha Soldado Desconocido para dar rienda suelta a su amor por el género bélico, pero desde un tono marcadamente más oscuro y realista que significa una enmienda a la totalidad contra la pretendida superioridad moral de los Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial, y nos muestra un mundo real en el que la CIA cometió más atrocidades que los enemigos que supuestamente intentaba combatir. Irán, Cuba, Vietnam y Laos o Nicaragua son algunos de los territorios marcados a fuego y sangre por el Soldado Desconocido, y los héroes carismáticos del comic se convierten en el mundo real en un sanguinario asesino para el que el fin desde luego justica los medios.

Esta miniserie de cuatro números va directa al grano y no deja títere con cabeza. En el apartado artístico, Kilian Plunkett y James Sinclair crean una páginas oscuras como la historia de Ennis, creando a personajes claramente reconocibles y una acción super fluida sin evitar los momentos sangrientos. Soldado Desconocido es el perfecto comic para los amantes del género bélico con una sensibilidad actual.

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Human Target de Peter Milligan y Edvin Biukovic, #Reseñoviembre día 22

¿Qué es lo que define nuestro yo? Hoy en mi #reseñoviembre tengo una propuesta que une a la perfección el thriller con el retrato psicológico: Human Target, miniserie de Peter Milligan y Edvin Biukovic.

#RESEÑOVIEMBRE Día 22: Human Target de Peter Milligan y Edvin Biukovic

Guión Peter Milligan

Dibujo Edvin Biukovic

Color Lee Loughridge

Primera publicación: Human Target 1-4 (Vertigo, 1999)

Edición Española: ECC Ediciones 2015

RESUMEN: Uno de los personajes clásicos de DC de la década de 1970 se reinventa con un giro de vértigo en esta miniserie de 4 números escrita por Peter Milligan con dibujo de Edvin Biukovic y portadas de Tim Bradstreet. Christopher Chance se gana la vida convirtiéndose en un blanco humano. Maestro del disfraz, asume la apariencia y la personalidad de hombres y mujeres con problemas. Pero cuando un encargo rutinario para hacerse pasar por un sacerdote afroamericano enfrentado a las bandas que trafican con drogas en Los Angeles se complican, Chance se encuentra atrapado entre un asesino letal y una guerra de pandillas.

 

Peter Milligan firmó con Blanco Humano una de sus mejores obras, un comic que funciona como thriller de acción con comentario social, y como estudio psicológico que un protagonista que debe recordar quién es él en realidad. ¿Qué hace que yo sea yo? Si nosotros somos la suma de nuestros actos, recuerdos y sentimientos, ¿qué pasaría si alguien pudiera puediera imitarte hasta el punto de no recordar su yo pasado? ¿No se convertiría en mi más que yo mismo?

En este sentido, que la historia tenga lugar en Los Angeles, meca del cine y de la superficialidad en los Estados Unidos no es casual, ya que la profesión de actor hace que la identidad personal quede en muchos momento difuminada entre los diferentes papeles que interpretan y lo que el público espera de estas figuras públicas. Además, es muy interesante como, al igual que sucede en la vida real, todos los personajes tienen una imagen que muestran al público y otro yo que queremos que se mantenga en privado, generándose el conflicto siempre que ambas facetas salen a la luz.

Junto a un excelente Milligan, esta miniserie cuenta con unas super portadas de Tim Bradstreet repletas de personalidad, y un dibujo interior del artista croata tristemente fallecido Edvin Biukovic, que ofrece una excelente narrativa planteada en contar la historia de la forma más precisa y clara posible. Su lápiz permite identificar perfectamente a cada personaje sin necesidad de recargarlos, y plantea las páginas con numerosas viñetas panorámicas que dan un feeling cinematográfico genial. Además, sus encuadres son siempre super dinámicos y ayudan a que la acción fluya de forma excelente.

El éxito de esta miniserie de Blanco humano invitó a que Milligan continuara las aventuras de Christopher Chance en una novela gráfica también excelente, Blanco Humano: Montaje Final dibujada por el artista español Javier Pulido, y una serie regular dibujada por Cliff Chiang de 21 números. Blanco humano es un nuevo ejemplo de que no hay malos personajes sino artistas mediocres que no saben qué hacer con ellos.

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Sandman Mystery Theatre volumen 1, La Tarántula de Matt Wagner y Guy Davis #Reseñoviembre Día 3

Soy un gran fan de las historias de género negro, así en el tercer día de la inicitiva #reseñoviembre viajamos en el tiempo hasta el Nueva York de 1938, para acompañar a Sandman en la resolución de su primer caso.

#RESEÑOVIEMBRE Día 3: Sandman Mystery Theatre volumen 1, La Tarántula de Matt Wagner y Guy Davis

Guión: Matt Wagner

Dibujo: Guy Davis

Color: David Hornung

Primera publicación: Sandman Mystery Theatre 1-4 (1993)

Edición Española: Norma Editorial 1998

Resumen: SANDMAN MYSTERY THEATRE es la aclamada reinvención de las aventuras del Sandman original de la Golden Age del guionista Matt Wagner y el artista Guy Davis. En este comic de género negro, el millonario Wesley Dodds adopta la identidad de Sandman para poner fin al crimen y la corrupción en Nueva York en la década de 1930. Con una máscara y pistola de gas, un sombrero de fieltro, traje y gabardina, Dodds persigue a los peores criminales que la ciudad tiene para ofrecer, incluida la Tarántula, un brutal secuestrador que ataca a mujeres jóvenes de la alta sociedad.

La década de los años 30 es un momento mítico para el género negro. Una época en la que la ley seca acababa de ser derogada y los gangsters se juntaban con la alta sociedad, los políticos y los empresarios en clubes nocturnos de Nueva York o Chicago. En este momento previo al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, el cambio se notaba en el ambiente y jóvenes adinerados que salían para divertirse con el mundo del crimen agazapado en callejones oscuros.

Es por esto que Sandman Mystery Theatre sólo podía estar ambientado en la Nueva York de 1938. Este comic fue publicado dentro del sello para adultos Vertigo de DC Comics entre 1993 y 1999, en total 70 números más algún especial. La serie se agrupó en arcos de 4 números que investigaban casos diferentes, tocando además de crímenes especialmente violentos, temas como el racismo, la lucha de clases, la homosexualidad, el ascenso del nazismo o incluso el incesto.

Los principales protagonistas son Wesley Dodds como Sandman, un detective con una pistola de gas que duerme a sus víctimas y les obliga a decir la verdad, y Dian Belmont, la hija del Fiscal de Nueva York que se convertirá en compañera de aventuras e interés romántico. Lo principal del personaje de Dian es que frente a las típicas damas en peligro que necesitaban ser salvadas, en el comic original de 1941 Dian es socia de Wesley por méritos propios, lo que significó un salto exponencial en la representación de la mujer en los comics de la época.

Como fan del género negro, me encanta este comic y creo que funciona como historia de detectives, pero también como crónica de esta época. El principal artífice es este éxito fue el artista Guy Davis, que realizó un enorme esfuerzo de documentación para que todo, (trajes, coches, etc…) fueran correctos para la época. Además, creó a Wesley Doods como una persona increíblemente normal no demasiado alto ni fuerte que necesita gafas para ver y que es superado físicamente en numerosas ocasiones. Su estilo “sucio” con lápices de grandes manchas transmiten perfectamente la violencia de los casos y el tono escabroso y sexual de las investigaciones. Aunque no fue el artista en todos los arcos, esta serie no se entiende sin su dibujo.

Por su parte, Matt Wagner, que en tomos posteriores contó con la colaboración de Steven T. Seagle, presenta historias repletas de elementos escabrosos y violencia brutal, algo básico en el género negro, y utiliza cada arco para hacer un comentario sobre algún aspecto concreto de la sociedad de la época. Sus arcos están planteados principalmente como casos a investigar y puzzles que resolver, pero es el carisma y la profundidad de los protagonistas lo que consigue enganchar al lector, haciendo de Sandman Mystery Theatre un comic que ningún fan del género negro o las historias de gangster ambientadas en los años 30 puede perderse.

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