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Crítica de Dunkerque, de Christopher Nolan

Christopher Nolan, el afamado director de The Dark Knight, The prestige o Memento, aborda en Dunquerke uno de los momentos claves de la 2ª Guerra Mundial para el Reino Unido, la evacuación de sus soldados de las costas francesas ante el avance alemán, en la que significa su primera aproximación al género bélico.

PUNTUACIÓN: 7/10

Nolan produce, escribe y dirige esta película con la intención de trasladar a la pantalla del cine unos hechos reales acaecidos en la 2ª Guerra Mundial, sin que el espectador piense que está viendo una película bélica tradicional. Unos sucesos de gran transcendencia histórica, como dice el cartel para España de forma un tanto exagerada: “El acontecimiento que marcó nuestro mundo”. Me gusta más otro de los slogans, utilizado para los países de habla inglesa, que creo es más apropiado: “Cuando 400.000 hombres no podían llegar a casa, su hogar fue a buscarles”. Este último creo que refleja mejor los hechos que vemos en la película.

Dunquerke destaca principalmente por su apartado visual. Rodada con cámaras IMAX de 65mm, significa la segunda colaboración de Nolan con el director de fotografía Hoyte van Hoytema, con el que ya colaboró en Interestellar. Nolan planteó la película para ser vista en pantalla grande y lo cierto es que merece la pena. La película fue rodada en los escenarios reales de las playas francesas, utilizando aviones y barcos reales de la época y empleando a multitudes de extras que evitaran al máximo el uso de efectos visuales generados por ordenador. Y la verdad es que consigue algunas imágenes de gran belleza, unidos con interesantes escenas contadas mediante planos con perspectivas alejadas de los habitual, como por ejemplo la escena nocturna del hundimiento de un barco.

Nolan cuenta la historia con las imágenes y la dramática (y excelente) música de Hans Zimmer, que incluye un machacón tick-tack de un reloj que consigue crear en el espectador una creciente sensación de angustia ante la sensación de que el tiempo se les acaba a los soldados británicos. Por cierto, leí que la idea de insertar el reloj en la música fue también idea de Nolan, lo cual no me extraña en absoluto. Esta tensión se ve incrementada además por la narración fragmentada de Nolan, que salta de una situación a otra durante toda la película.

Y es que Dunquerke está contada desde tres puntos de vista, tierra, mar y aire, para ver este momento histórico desde las máximas perspectivas. Nolan forma un tapiz con acciones entrelazadas situadas en momentos temporales diferentes, que cobrarán un significado pleno cuando se conecten al final. Esta obsesión por crear una estructura narrativa compleja y contar la historia a través de los hechos, las imágenes y la música más que por los personajes son elementos característicos de la filmografía de Nolan, y en Dunquerke se elevan a la décima potencia.

En tierra, seguiremos durante una semana a Tommy (Fionn Whitehead), un joven soldado británico que intenta escapar de la playa, intentando cualquier estratagema a su alcance. Mientras, el Comandante Bolton (Kenneth Branagh) supervisa la evacuación desde el único malecón aún operativo para el atraque de barcos, aunque sabe que con los ataques de la aviación alemana y solo un muelle disponible, la evacuación es prácticamente imposible.

En el Mar, seguiremos el viaje de un día del barco del Sr. Dawson (Mark Rylance) hacia Dunquerke. Ante la imposibilidad de realizar una evacuación convencional, la Royal Navy movilizó a cientos (si no miles) de barcos de recreo para que ayudaran, dado que su poco calado les permitía a ellos sí acercarse hasta la costa. El viaje será corto pero muy duro, al ver de primera mano los efectos de los ataques de los submarinos y la aviación alemana a los indefensos barcos.

En el aire, Farrier (Tom Hardy) es uno de los pilotos de una escuadrilla de tres spitfires que intentan proteger a los convoyes de barcos del ataque de los aviones alemanes. No solo tiene que luchar contra fuerzas que les superan en número, sino también contra sus limitadas reservas de gasolina. La historia de Farrier transcurre en tan solo una hora.

Como es habitual en la filmografía de Nolan, los personajes son solo piezas que ayudan a formar el puzzle creado por su guión, pero en Dunkerque esto es llevado al extremo. Nolan no quiere que conozcamos quienes son los personajes ni qué sienten, solo que veamos las situaciones que tienen que sufrir. Por este motivo, los diálogos son mínimos ya que en palabras de Nolan, “…la empatía por los personajes no tiene nada que ver con su historia, por lo que no quería utilizar diálogo para contarla. El problema no está en quienes son, de donde vienes o qué sienten. La única pregunta que me interesaba de ellos era ¿van a sobrevivir? ¿o la próxima bomba les matará?…”.

Otro hecho unido a los personajes que demuestra como Nolan subvierte las estructuras del género bélico es que la película no muestra a ningún héroe, solo a personas anónimas que intentan sobrevivir frente a una situación límite sobre la que no tienen ningún control. De hecho, el único personaje cuyos actos le calificarían de héroe es el piloto interpretado por Tom Hardy, y no se le ve prácticamente la cara en toda la película. Los personaje por tanto no son personas, sino arquetipos. Y por si fuera poco, no es que no hayan héroes, es que tampoco vemos a los “villanos”, ya que en ningún momento se nos muestra a las tropas alemanas. Como mucho algún avión, pero sin verse su bandera. Una película bélica sin buenos ni malos y con personas que solo buscan sobrevirir. ¡Menudo cambio!

En este sentido, entendiendo las motivaciones de Nolan en lo relativo a historia y personajes solo puedo decir: ¡OBJETIVO CUMPLIDO!

Lo malo es que ahí radica el gran problema para mi de la película. Al no presentar personas sino engranajes de la historia, Nolan rompe mi conexión emocional hacia la historia. Dado que los personajes son intecambiables, me da igual lo que les pase, su vida o su muerte no tienen ningún impacto para mi, lo que convierte el drama en una sucesión de imágenes frías y sin alma. Unas imágenes muy bellas en muchos momentos, pero frías como el hielo. Más si cabe ante un hecho histórico conocido, que es que la evacuación tuvo éxito. Muchos murieron, si, pero más de 400,000 soldados británicos y franceses fueron salvados.

Lo cual me provoca la reflexión que el cine cerebral de Nolan cada vez encaja menos con mis gustos. No es un tema de si la película tiene errores de guión, que no los tiene, sino de las decisiones creativas que toma. Solo el personaje de Mark Rylance, el patrón del barco que acude al rescate me genera algún sentimiento, principalmente por la calidad interpretativa de Rylance, que saca oro de donde no lo había. En el lado opuesto, no es que Nolan tape la cara de Tom Hardy (el piloto), es que ¡en numerosas ocasiones no nos deja ver ni siquiera su mirada! Que es lo único con lo que Hardy cuenta para construir una personaje que se debate entre retornar a casa para repostar, abandonando a su suerte a sus compañeros, o quedarse a sabiendas que eso le condena a muerte.

Por otro lado, Nolan intenta realizar las imágenes de la forma más realista posible, lo que provoca que en la mayoría de situaciones, como por ejemplo los combates aéreos, rodadas en 70mm panorámico deberían ser la bomba y dejarnos a los espectadores sin habla. Cosa que no consigue. Esto ya le pasó a Nolan en Interstellar y en general en toda su filmografía, y reafirma una vez más su punto flaco como director son las escenas de acción.

Además, me llama la atención como algunos críticos que alaban como obra maestra a Dunkerque destacan el tono documental de Dunquerke y como Nolan evita conscientemente el crear sensaciones en el espectador mediante trucos “tramposos” como la conexión emocional con los personajes y una música sensiblera, poniendo el ejemplo de Spielberg con John Williams. Y lo cierto es que me parece que estas opiniones caen en la “trampa” tejida por Nolan, ya que el director británico SI busca provocar sensaciones en el espectador, solo que no con las herramientas de Spielberg. Las suyas son la música apabullante, la narración no lineal fragmentada o la tensión in-crescendo. Todo eso sí busca provocar una reacción de desasosiego y angustia en el espectador, no es para nada una fría narración documental.

Un hecho histórico que la película cuenta al final es que ante el hecho indudable de la humillante derrota que le supuso al ejército británico la retirada de tierras franceses, la sociedad inglesa supo convertir este suceso en una victoria, al entender que en esa situación, sobrevivir era ya un gran logro. Y como esta “victoria” de traer a los soldados a casa sirvió para que Churchill escribiera su histórico discurso de “lucharemos en las calles, lucharemos en las playas,…” que motivó a todo un pais. Pero Nolan no muestra ni a Churchill ni a ningún alto mando, ya que no quiere quitar el foco de las personas anónimas y lo que vivieron.

Comparto a continuación el trailer de la película:

Dunquerke es una buena película que merece ser vista en la pantalla más grande posible. Pero no es ni mucho menos la obra maestra que muchos dices que es, e incluso creo que puede decepcionar a los espectadores que vayan buscando una película bélica convencional. En mi caso, lo mejor que puedo decir de Chistopher Nolan es que se ha convertido en un género en si mismo, y que volveré al cine a ver su próxima película. No se me ocurre mejor elogio hoy en día.

PUNTUACIÓN: 7/10

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El renacido, la pasión de Leonardo DiCaprio

El renacido es el nuevo tour-de-force visual y narrativo del aclamado director Alejandro G. Iñárritu (Birdman) , con una extraordinaria actuación Leonardo DiCaprio que probablemente signifique su primer Oscar.

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La película ha conseguido 12 merecidas nominaciones a los Oscars, entre ellas: Mejor Película, Mejor Director Alejandro G. Iñárritu, Mejor Actor Principal Leonardo DiCaprio, Mejor Actor de Reparto Tom Hardy, Mejor Montaje Stephen Mirrione, Mejor fotografía Emmanual Lubezki, Mejor Diseño de Producción, Mejor Vestuario, Mejor Maquillaje, Mejor Sonido, Mejores Efectos Sonoros y Mejores Efectos Visuales. ¡Una barbaridad!!

Y no dudo que se llevará varias estatuillas, dado los premios que ha conseguido en los Globos de Oro, o hace unos días en los BAFTA británicos.

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El argumento es muy sencillo. Corre el año 1823 y estamos en el Salvaje Oeste en pleno invierno. Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) es el guía de un grupo de tramperos que recoge pieles y que han sufrido ataques de las tribus indias de la zona. Tras ser gravemente herido por el ataque de un oso durante la huida, es abandonado y dado por muerto por John Fitzgerald (Tom Hardy), uno de los miembros del grupo. Glass deberá enfrentarse a sus heridas y al brutal invierno mientras escapa de los indios que les persiguen para conseguir su venganza.

El guión está basado en la serie de novelas de Michael Punke y fue escrito por Mark L. Smith y el propio  Alejandro González Iñárritu. Aunque lo importante no es la historia en sí, una historia de venganza bastante genérica, sino el cómo nos lo cuentan.

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Creo necesario comentar que quizá por la propia sencillez de la historia, aunque la película me gustó bastante no la considero tan buena como Birdman, esta si una verdadera obra maestra, que no solo sorprende visualmente, sino que tiene una muy interesante meta-historia y reflexión sobre la profesión del actor y el show-business.

En El Renacido, Iñárritu intenta revestir a la historia de un cierto lirismo gracias a la belleza visual de cada uno de sus planos, aunque el resultado final no deja de ser una historia simple y en cierta manera vacía de venganza dominada por el sufrimiento (casi a niveles  de torture-porn) por el que pasa el personaje de Leonardo DiCaprio.

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La fotografía del maestro Emmanuel Lubezki es alucinante, empleando solo luz natural y consiguiendo una sensación totalmente natural. Aunque lo que gana la película en belleza cruda y salvaje con cada plano, pierde en fluidez narrativa. Quizá sabiendo la sencillez de la historia, Iñárritu utiliza a Lubezki para transmitirnos sensaciones puras. Y lo hacen muy bien.

Los trabajos sobresalientes de Iñárritu y Lubezki no creo que vayan a ser recompensados con el Oscar, que sería el segundo y tercero consecutivos para los artistas mexicanos, tras los galardones conseguidos en 2015 con Birdman y en 2014 Lubezki con Gravity. Dada la naturaleza política de estos premios, creo imposible que los académicos les vayan a premiar de nuevo, lo que sería algo inédito que yo no recuerdo que se haya dado antes.

Y por la misma razón, no tengo dudas que Leo ganará su primer Oscar. Por un lado por su excelente interpretación, pero en parte también porque creo totalmente imposible que Eddie Redmayne pueda ganar su segundo Oscar de forma consecutiva por “La chica danesa”, película que aún no vi, pero de la que todo el mundo destaca la extraordinaria interpretación del actor inglés.

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El Renacido no es ni mucho menos la mejor interpretación de DiCaprio, ni siquiera estaría en su top-3, teniendo numerosos papeles mucho mejores y con más matices. Y aunque Leo lo borda, su interpretación es de una persona herida que sufre físicamente un dolor extremo, sin demasiados matices al respecto. Leo sufre, y sufre mucho durante mucho tiempo. Y luego se venga. Fin.

Y nos venden que cuando come carne cruda o se come un pez crudo que pesca con sus propias manos, Leo realmente lo hizo, no hay artificios. Es decir, no actuó, sino que estaba sufriendo realmente los rigores de este rodaje infernal.

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Quiero destacar también el trabajo de Tom Hardy como el “malo” de la  película. Aunque no es realmente un villano, simplemente una persona egoista que solo piensa en si mismo, algo en parte comprensible daba la dureza de este mundo. Aunque quizá Hardy esté quedando algo encasillado en papeles de hombre duro de pocas palabras, lo cierto es que borda este tipo de papeles. Y casi sin quererlo ha trabajado en las dos películas más importantes del año, Mad Max y El Renacido.

Y también la música de Carsten Nicolai y Ryuichi Sakamoto es perfecta, dura en los momentos que tiene que serla, y bella en los momentos más íntimos y poéticos.

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He elegido no hablar demasiado del rodaje porque creo que una película debe juzgarse por su propia calidad y no por que tenga un making-of super entretenido.

Pero lo cierto es que fue un verdadero infierno para todo el equipo al tener que rodar en condiciones extremas.  Debido a las altas temperaturas y al alargarse el rodaje debido al perfeccionismo del director se quedaron sin nieve en Canadá y tuvieron que parar el rodaje para trasladarse a Argentina a terminar la película.

Lo que hubiera podido  significar el desastre para la producción al final salió bien gracias a la visión y la determinación de Iñárritu. Espero por su bien que su próxima película sea más sencilla…

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Os enseño a continuación el trailer de la película, que muestra muy bien el tono que vais a disfrutar si os animais a verla:

 

 

El renacido es una gran película, que recomiendo que se vea en pantalla grande para poder disfrutar en toda su espectacularidad pero que no es una obra maestra ni lo mejor de la filmografía de Iñárritu.

Puntuación: 8.5/10

Mad Max: Fury Road – Sinfonía de destrucción

la nueva obra del director australiano George Miller, Mad Max: Fury Road, es una obra maestra del cine de acción, una propuesta directa y honesta que encantará a cualquier aficionado de este género y que seguro estará entre mis 5 películas favoritas de este año.

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¿Te gustan las películas ambientadas en un futuro apocalíptico? ¿Las persecuciones de coches? ¿Te parece que muchas veces, la saturación de efectos especiales resta encanto a una película? No hay duda, tienes que verla, y en una sala lo más ruidosa posible con la mayor pantalla que encuentres.

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Imperator Furiosa huye de la Ciudadela llevándose el tesoro más precioso para Inmortal Joe, el Señor de la ciudad que controla la única fuente de agua. Inmortal Joe lanzará a sus guerreros suicidas tras ella y hará lo que sea para que no escape. Max, como siempre, se verá involuntariamente envuelto en la persecución y tendrá que decidir a qué bando ayudar.

Como veis, no es necesario un argumento sesudo ni una gran evolución de personajes, solo 2 horas visualmente brutales que no te dejarán respirar.

Tom Hardy es Max, un antihéroe de pocas palabras, que prefiere que sus acciones hablen por él. Charlize Theron es Imperator Furiosa, la rebelde frente al imperio nihilista de Inmortal Joe, que será el ancla emocional de la historia.

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Esta película NO hay que explicarla, sino sentirla. Déjate llevar, abre tus oídos al sonido ensordecedor de la música y los motores,  permite que tus retinas queden fijas en la pantalla, emborrachadas del increíble despliegue visual que el director George Miller nos ofrece.

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George Miller dirige con la precisión de un relojero un obra en la que el 95% de todo lo que vemos en pantalla ha sido rodado realmente con vehículos de verdad conducidos por especialistas expertos, y cada tuerca, clavo y hierro transmiten un peso, un volumen y una “verdad” que no puede ser igualado por los actuales efectos digitales. La película es cruda, violenta y frenética, pero real a la vez. Un ejemplo de gran cine, realizado por un artesano con un estilo que aparentemente ya no se lleva.

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Dentro de 15 o 20 años, creo que seguiremos viendo esta película y asombrándonos de la visión de este creador australiano. Si sus primeras películas de Mad Max en los primeros años 80 marcaron a toda una generación e influyeron enormemente a numerosas obras de la época, creo que 30 años después ha vuelto a lograr un impacto similar en una nueva generación de aficionados al género de las películas de acción. A sus 70 años, da una autentica lección de buen cine a la actual hornada de directores “hot”, que tendrían que tomar nota de lo que puede alcanzarse sin necesidad de emplear la pantalla verde.

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Con todo, reconozco que su NO es una película para todo el mundo, pero me alegro de formar parte del selecto grupo a los que esta película ha dejado impresionado y con ganas de más.

En serio, si eres fan de las películas de acción estamos ante una obra de obligado visionado en cine. Hazme caso, no la veas en casa, levántate de la silla y ves ya al cine. Confía en mi consejo, estoy seguro que me lo agradecerás.

¡Saludos a todos!!!

Redescubriendo la trilogía original de Mad Max

Antes del estreno hoy viernes 15 de Mayo de la nueva película de Mad Max: Furia en la carretera, dirigida por el director australiano George Miller, creador de la trilogía original, decidí volver a ver las tres películas clásicas a ver qué sensaciones me producían.

Ví hace un montón de años estas películas y lo cierto es que apenas las recordaba, no se si es una buena o una mala noticia. ¿Merecen la categoría de películas de culto que tienen para mucha gente? ¿O habrán envejecido mal y mejor olvidarse de ellas? La respuesta, a continuación:

MAD MAX (1979)

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Argumento: En un futuro preapocalíptico la escasez de combustible y el desorden social están a la orden del día. Las pandillas de motociclistas dominan las carreteras de Australia. Mientras la sociedad se desmorona, una patrulla de policías conocidos como la Patrulla de Fuerza Central se encarga de mantener la seguridad vial. En ella se encuentra Max Rockatansky (Mel Gibson), considerado como el mejor patrullero de su división. Tras la muerte de su mujer e hijo a manos de la banda de Toecutter (cortadedos) , buscara justicia.

Qué recordaba: A medida que veía la película, me sorprendió la cantidad de escenas que recordaba. Más que escenas, imágenes clavadas en mi memoria. La muerte de la Jessie, la mujer de Max, y su hijo. El atropello de Max. Varios de los espectaculares choques.

¿Qué tal?: Esta primera película ha envejecido realmente mal. Los pandilleros motociclistas parecen sacados de “Loca academia de Policia”, de hecho creo que se inspiraron en ellos para realizar esta parodia. Y las actuaciones de los protagonistas tampoco son para tirar cohetes. Sin embargo, a pesar del bajo presupuesto con el que rodaron y de los más de 35 años transcurridos, la sensación de velocidad y la espectacularidad de las persecuciones está bien conseguida. Como primera toma de contacto en el género, Miller demuestra tener una habilidad muy especial es rodar estas escenas de acción.

 

MAD MAX 2: El guerrero de la carretera (1981)

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Argumento: La civilización es historia. La desaparición casi total del petróleo provocó un violento y sangriento final al mundo civilizado. Max sobrevive como puede en el desierto australiano, intentando evitar a las bandas que dominan las carreteras y matan por conseguir una gota extra de gasolina. Al descubrir que la última refinería del desierto está siendo asediada por la banda del brutal Humungus, Max deberá decidir si ayudar a esa gente o seguir su camino sin mirar atrás. Aunque él también necesita la gasolina…

Qué recordaba: A priori, nada de nada. Y eso que seguro la había visto… A medida que la veía, si recordé alguna escena, como la del Boomerang, el avión o la refinería.

¿Qué tal?: Tras ver esta película, no hay duda que la primera película le sirvió al director George Miller como banco de pruebas, consiguiendo en esta segunda un trabajo mucho más redondo, con brillantes escenas en la carretera. Max (de nuevo interpretado por Mel Gibson), es un hombre de pocas palabras, en la tradición de los antihéroes creados por Clint Eastwood en los spaguetti westerns de Sergio Leone. Miller deja ambigua la respuesta sobre si realmente es un héroe que busca ayudar, o solo un hombre que persigue su propio interés. Ambas respuestas pueden ser correctas, dependen de cada uno.

Visualmente, la película tiene muchas escenas muy potentes, como la llegada a la refinería de Max, divisando lo que pasa desde su atalaya en la montaña, o la escena nocturna de Humungus arengando a sus tropas. Todas las persecuciones y choques se salen y son contundentes, sobre todo teniendo en cuenta que fueron rodados realmente, y destaca sobre todo la persecución final, en la que las tropas de Humungus persiguen el camión cisterna pilotado por Max. En los casi 15 minutos de persecución no hay casi diálogos, no son necesarios, y las tomas aéreas y la planificación de todos los choques y ataques son impresionantes.

Aunque en alguna cosilla sí se aprecian los más de 30 años transcurridos desde su estreno, sigue siendo una película que se puede ver a día de hoy, lo que indica el porqué de su categoría de película de culto entre los aficionados al género.

 

MAD MAX: MÁS ALLÁ DE LA CÚPULA DEL TRUENO (1985)

 

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Argumento: Max sobrevive como puede en el mundo desértico. Tras ser desterrado al desierto por la reina de Negociudad (Tina Turner), es rescatado por una tribu de niños perdidos que esperan la llegada del que está predestinado a ser su salvador.

Qué recordaba: Bastante. Casi todo, de hecho. Esta es la única película de la saga que ví en cine, con 11 ó 12 años, y recuerdo que el principio y el final me gustaron, aunque toda la parte central del oasis y los niños perdidos me rompió el ritmo de la película.

¿Qué tal?: La primera sorpresa fue ver en los títulos de crédito que George Miller NO dirigió la película en solitario, estando acompañado por George Ogilvie. Leyendo sobre el tema, parece que para conseguir financiación para una nueva película de Mad Max, tuvo que “compartir” su película con el argumento de los niños perdidos, que no le interesaba nada y que dirigió Ogilvie. Este detalle, unido a la muerte antes del inicio del rodaje del productor de las dos películas anteriores, Byron Kennedy (a quién va dedicada la película), amigo personal de Miller, sumió a Miller en una depresión, que le hizo que rodar solo “sus” escenas.

A pesar de este detalle, la película me gustó bastante, aportando una mayor dimensión al personaje y su mundo, habiendo envejecido bastante bien.

15 años han pasado desde Mad Max 2, detalle que nota, entre otros detalles, por no haber ya ninguna carretera, al haber quedado barridas por el desierto. Pero ni el tiempo ni el páramo han conseguido acabar con la humanidad, que a pesar de todo sobrevive y está saliendo adelante.

Resulta especialmente interesante la primera parte de la película en la que nos presentan Negociudad, primer bastión de civilización surgido en el desierto. La ciudad se encuentra convulsa por la pugna entre la Tía Ama (Tina Turner), que domina la superficie con sus guerreros, y el subsuelo donde se procesa el gas metano que sirve de fuente de energía de la ciudad, y que está controlado por el Maestro-Golpeador (Master Blaster), un binomio formado por un enano, el “Maestro”, que controla al Golpeador, un gigante de fuerza descomunal. Esta lucha de poder llevará a Max al interior de la Cúpula del Trueno para enfrentarse al Golpeador, una escena de acción original y memorable, que culmina con una desagradable sorpresa para Max.

La parte de los niños perdidos recuerda en parte a Peter Pan, y proyecta un interesante contraste. Por un lado, aún en medio del desierto y la desolación queda un oasis de paz donde niños pueden ser niños y vivir felices. Pero por otro, la triste realidad de como viven, engañados esperando a un salvador que les lleve a una tierra prometida que no existe.

El climax de la película, con la persecución de Max y los niños por parte de los guerreros de la Tía Ama está bien realizada, pero no llega al nivel de la película previa.

Frente a la ambigüedad de la película anterior, en esta película SI queda claro que Max es un héroe muy a su pesar, que hará lo que sea necesario por proteger a los niños, aunque le cueste la vida.

Y aunque Mad Max 2 ofrece sin duda un mayor espectáculo, esta tercera película quizá ofrece una mayor profundidad y desarrollo del páramo australiano.

CONCLUSIÓN: Excepto la primera película, que realmente ha envejecido muy mal, creo que ver de nuevo estas películas ha sido una experiencia muy positiva. Mad Max 2 y Thunderdome siguen siendo muy buenas películas de género que han aguantado bien el paso del tiempo, y me han permitido redescubrir  la obra de George Miller, con elementos que han sido utilizados hasta la saciedad en multitud de películas posteriores.

Sin duda, un perfecto previo para el peliculón que se estrena hoy:

MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA (2015)

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La película promete un argumento simple pero visualmente alucinante. Tom Hardy retoma el papel de Max, compartiendo protagonismo con Charlize Theron. Os enseño el trailer, que hizo que flipara y que tenga muchas ganas de ver esta película apocalíptica:

 

Ya os contaré mis impresiones en cuanto pueda verla. ¡Saludos a todos!