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Crítica de Upgrade de Leigh Whannell

Gracias a Prime Video pude volver a ver Upgrade, la película australiana de 2018 que asentó la carrera del escritor y director Leigh Whannell previo a su consagración con El Hombre Invisible, y me alegra poder decir que me gustó micho más que la primera vez.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Tras ver cómo su mujer es asesinada tras un accidente que le deja parapléjico, un hombre se somete a una operación que le permite volver a caminar para así poder vengar a su esposa. (FILMAFFINITY)

Leigh Whannell es un director y escritor australiano nacido en 1997. Su carrera profesional está inevitablemente conectada a la de James Wan, ya que entablaron amistad en la facultad en Australia, creando SAW en 2004. Tras una década escribiendo los guiones y actuando de productor de James Wan en la franquicia de Saw y en las dos primeras películas de Insidious, en 2015 dió el salto a la dirección con Insidious 3, película en la que además de dirigir escribe el guión.

Upgrade, estrenada en 2018, supuso su segunda película como director y guionista, y fue producida por el sello de terror Blumhouse con un presupuesto de 5 millones de dólares, que estuvieron super bien aprovechados en pantalla.

La película cuenta con Stefan Duscio como director de fotografía, montaje de Andy Canny y Jed Palmer.

La película está protagonizada por un estupendo Logan Marshall-Green como Grey Trace, marido que queda paralítico tras un robo en el que murió su mujer, Betty Gabriel como la detective de policía Cortez, Melanie Vallejo es Asha, la esposa de Grey, mientras que Harrison Gilbertson es el millonario inventor Eron Keen, creador de la tecnología que permitirá a Grey volver a caminar.

Upgrade es una estupenda serie B que consigue dar un giro muy interesante a las típicas historias de venganza que sirvió para que su director Leigh Whannell saliera definitivamente de la sombra de su amigo James Wan, consiguiendo que a partir de este momento se le valore por méritos propios.

La película me parece modélica en todos los aspectos. Por un lado, el guión de Whannell me parece super interesante, porque partiendo de dos clichés del cine de acción, el de marido que busca venganza por la muerte de su mujer, y el super héroe que tras una tragedia tiene que aprender a utilizar sus recién adquiridos super poderes, consigue crear un giro que rompe con todo esperable en una serie B “standard”.

Si me gusta el Whannell escritor, me gusta mucho más su faceta de director, creando momentazos visualmente chulísimos cuando Grey, el protagonista, emplea su cuerpo recién aumentado / mejorado. Empleando un enfoque en el que la cámara está fija en el protagonista, vemos como todo gira en torno a él, consiguiendo escenas de acción que se salen de lo normal.

Además, como comentaba antes, la película es una producción australiana financiada por Blumhouse con un presupuesto de 5 millones que asombra por lo bien utilizados que están. Que con este presupuesto hayan conseguido rodar escenas nocturnas de persecución en una autopista, por ejemplo, además de multitud de escenas exteriores, me indica que estamos ante una producción que ha sabido optimizar al máximo sus recursos, luciendo mucho mejor de lo que debería.

En lo relativo a las  interpretaciones, dentro que estamos ante una serie B que sabe lo que es y no tiene pretensiones de ser nada más, me ha gustado la interpretación de Logan Marshall-Green como Grey Trace, un hombre que se encuentra en un cuerpo que en algunos momentos se mueve como si otra persona estuviera a los mandos. Marshall-Green crea unos movimientos super chulos que en algunos momentos me recordaron a Peter Weller en Robocop, un cuerpo de carne y huesos que no acaba de ser humano. En este aspecto, me pareció una interpretación super chula.

Upgrade como serie B que busca ofrecer un buen entretenimiento me parece una película llena de carisma y personalidad, y no se me ocurre ningún elemento menos bueno que destacar, hay mucho y bueno que disfrutar en los 95 minutos de metraje.

Comparto el trailer de la película:

Upgrade es una estupenda serie B que consigue dar un giro muy interesante a las típicas historias de venganza y que sirvió para que su director Leigh Whanell saliera definitivamente de la sombra de su amigo James Wan.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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Crítica de Overlord de Julius Avery (Netflix)

Overlord, dirigida por Julius Avery y producida por J.J. Abrams a través de Bad Robot, es una curiosa serie B que mezcla el ciné bélico con el género de terror, y que ofrece un buen entretenimiento para los fans del género, sobre todo aprovechando su estreno en Netflix.

PUNTUACIÓN: 7/10

II Guerra Mundial. Justo antes del Día D, un grupo de paracaidistas estadounidenses cae tras las líneas enemigas para realizar una misión crucial en un pequeño pueblo francés. Pero, a medida que se acercan a su objetivo, empiezan a darse cuenta de que algo más que una simple operación militar está sucediendo en esa aldea ocupada por los nazis. (FILMAFFINITY)

Overlord es una película que mezcla el género bélico con el terror y el gore estrenada en 2018 que fue dirigida por Julius Avery. A partir de una idea inicial de J.J. Abrams y Billy Ray planteada como “soldados en la 2ª Guerra Mundial contra zombies nazis”, El propio Ray junto a Mark L. Smith se encargaron de realizar el guión definitivo. J. J. Abrams, a través de su productora Bad Robot, produce la película junto a Lindsey Weber, que fue distribuida por Paramount, y cuenta con fotografía de Laurie Rose, Fabian Wagner, música de Jed Kurzel y montaje de Matt Evans.

La película está interpretada por Jovan Adepo como el soldado de primera clase Edward Boyce, un paracaidista que descubre unos experimentos nazis debajo de una torre de comunicaciones que debe ser destruida para que el Día D tenga éxito. Wyatt Russell interpreta al cabo Lewis Ford, un paracaidista y experto en explosivos que dirige la misión de destruir la torre de radio. Pilou Asbæk es el Captain Wafner de las SS. Mathilde Ollivier es Chloe Laurent, una joven francesa que vive en el pueblo donde los alemanes están realizando sus experimentos. Por último, John Magaro es el soldado Lyle Tibbet, paracaidista y tirador experto.

Lo primero que merece la pena destacar de Overlord es que a pesar de algún elemento menos bueno que luego comentaré, la película es muy entretenida, y cumple de sobra para los fans del cine de acción / terror. De hecho, teniendo en cuenta que fue rodada con un presupuesto de menos de 40 millones, luce bastante bien en pantalla sobre todo en las localizaciones exteriores rodadas en Reino Unido.

Además de un estupendo diseño de producción que nos traslada hasta la Francia ocupada de 1944, hay que destacar el excelente maquillaje y efectos especiales que consiguen crea un par de momentos gores super chulos e impactantes.

Al tratarse de una serie B, los personajes no tienen demasiada personalidad y no pasan de ser arquetipos necesarios para que la historia suceda: El pardillo soldado protagonista de buen corazón, el cabo duro para el que la misión lo es todo y sacrificará a todos sus hombres para llevarla a cabo, el bully chulito que se mete con el protagonista por su buen corazón, y la chica francesa que les ayudará. No es que el reparto lo haga mal, sino más bien que sus papeles son meramente funcionales, de forma que cumplen razonablemente bien teniendo en cuenta las herramientas de las que disponen.

La película se publicitó como “Soldados americanos contra zombies nazis en la 2ª Guerra Mundial”. Y la verdad es que este pitch funciona de maravilla y al menos a mi me vendió completamente la película e hizo que quisiera verla. Dicho esto, el guión juega a construir un giro que sorprenda al espectador cuando pasamos de una cinta bélica pura a una historia de terror con toques gores.

Creo que el giro está bien construido narrativamente, aunque realmente la sorpresa no funciona porque los espectadores empezamos a ver la película precisamente porque sabemos que ese giro va a tener lugar. Esto no es bueno ni malo, entiendo que es algo inevitable, teniendo en cuenta que el primer objetivo de los productores es hacer que el espectador quiera ver la película en primer lugar.

Dicho esto, aparte la novedad del argumento y del giro, el guión no se esfuerza por ser demasiado original y se mueve en todo momento por un montón de elementos familiares para el espectador, desde un viaje por los sótanos de una iglesia repletos de sustos como si estuviéramos jugando un video juego, un villano oficial de las SS super over-the-top y una chica con lanzallamas. Para ser una película con una premisa original, el desarrollo de la misma no lo es tanto, aunque, como digo, globalmente la película es muy entretenida.

Sin embargo, a pesar de su aparente falta de pretensiones y que como comentaba antes cumple de sobra con el objetivo de entretenimiento, debo comentar que Overlord para mi se queda a mitad en todo. Ni es una buena cinta bélica, su bajo presupuesto realmente no lo permite, ni me funciona el climax una vez la película se ha transformado en una película de zombies en su  variante de científico loco. De hecho, una vez se produce el giro, se construye una tensión anticipando un ataque zombie que jamás llega a producirse, lo cual para mi fue un bajón.

Por otro lado, otro elemento que no me funcionó es que el guión utiliza el viejo “gente tonta haciendo tonterías” en varias ocasiones para hacer que el guión avance. Algo que vemos personificado en el protagonista, el inocente soldado Edward Boyce (Jovan Adepo), y que me puso muy nervioso en varios momentos.

A partir de un presupuesto de 38 millones de dólares, la película sólo recaudó 41 millones en su paso por las salas cinematográficas. A pesar de este fracaso de recaudación, ha ido adquiriendo la categoría de película de culto entre los fans de la serie B, y con su estreno en Netflix, la película está ahora disponible para millones de espectadores de todo el mundo.

Comparto el trailer de la película:

Overlord es una entretenida serie B que gustara sobre todo a los fans del terror en su vertiente zombie.

PUNTUACIÓN: 7/10

 

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Crítica de The vast of night de Andrew Patterson (Prime Video)

Tras las efusivas alabanzas de Guillermo del Toro en redes sociales hacia The vast of Night, no tuve más remedio que ver esta película dirigida por el debutante Andrew Patterson, aprovechando que está disponible en Prime Video.

PUNTUACIÓN: 7/10

Nuevo México, Estados Unidos. Dos trabajadores de una radio local, un operador de radio y un pinchadiscos, descubren en la década de los años 50 una frecuencia que podría cambiar su vida y la de toda la humanidad para siempre. (FILMAFFINITY)

Andrew Patterson es un cineasta estadounidense nacido en 1982 en Oklahoma. The Vast of night es su primer largometraje y ganó el Premio del Público a la Mejor Narrativa en el pasado Festival de Cine Slamdance de 2019, siendo muy bien valorada en otros festivales en los que participó. Patterson, además de dirigir escribió el guión junto a Craig W. Sanger, bajo el pseudónimo de James Montague (también listado como productor).

Con muy poca formación académica, Patterson optó por empaparse de los maestros para ver qué funcionaba y por qué en sus películas. Según el propio Patterson, “No tenía a nadie a quien preguntar, así que traté de extrapolar todo lo que pude viendo películas de [David] Fincher y estudiando los making-ofs y comentarios de sus películas, para así poder desmenuzarla.” Por ejemplo, Patterson recuerda haber visto The Social Network, preguntándose por qué cada escena se veía de una manera, y con qué objeto.

Patterson financió él mismo la película con las ganancias de su trabajo produciendo comerciales y cortometrajes para el Oklahoma City Thunder y otros. Con un coste de 700.000 dólares, rodó la película durante casi 4 semanas en Whitney, Texas. Esta ciudad fue seleccionada al contar con un gimnasio adecuado para el periodo histórico de la película.

Patterson pasó un año editando la película, que tuvo como director de fotografía a  M.I. Littin-Menz, ¿también un pseudónimo?

La película está interpretada por Sierra McCormick como la joven telefonista aspirante a periodista Fay Crocker, y por Jake Horowitz como Everett, el locutor de la cadena de radio local.

Actualmente los espectadores disponemos que tanta oferta cinematográfica, televisiva o comiquera que es imposible verlo o leerlo todo. Es por esto que muchas veces es muy complicado ver películas “pequeñas” a no ser que alguien conocido te la recomiende. O, en este caso, una fuente autorizada como es el genial Guillermo del Toro, que la alabó efusivamente en redes sociales la semana pasada.

Esto ya por si mismo es algo muy bueno, y de hecho, si vi The vast of night fue precisamente por las palabras de Del Toro. Aunque por otro lado pone las expectativas no se si imposiblemente altas.

De hecho, aunque he empezado la reseña con la ficha técnica y los detalles del interesante director Andrew Patterson, lo cierto es que no conocía nada absolutamente de la película antes de empezar su visionado, ni siquiera la sinopsis. Lo que creo que explica en parte algunas de mis sensaciones sobre la película.

El visionado de la película sin referencias de ningún tipo hizo que me encontrara con una película pequeña que podría haber pasado perfectamente como un episodio de “Twilight Zone”, y no uno de los mejores. De hecho, hay un elemento claro de homenaje de Patterson hacia estas antologías televisivas de ciencia ficción al enmarcar esta historia como un episodio del Paradox Theatre (Teatro de las Paradojas).

The Vast of night dura hasta el inicio de los títulos de crédito unos justitos 85 minutos, de forma que este “homenaje” en parte me dió la sensación de que era una forma imaginativa de ocupar algunos minutos para conseguir una duración de la película suficiente para su estreno en las salas comerciales.

Debo reconocer que este feeling de serial de ciencia ficción le va perfecta a esta película ambientada en los años 50 inspirada en las historias de OVNIs. Aunque tampoco puede evitar transmitir que estamos ante una película de muy bajo presupuesto.

Sí encuentro muy positivo el hecho que para ser la primera película de Patterson realizada sin casi medios, está repleta de estilo. Resulta notable comprobar su control del ritmo y cómo sabe rodar de forma intereante una película que en lo fundamental muestra a pocas personas hablando en un espacio cerrado. Unos diálogos que me parecen super interesantes y que consiguen mantener la atención del espectador y  crear una tensión in-crecendo.

Patterson realiza además unos larguísimos travellings durante varios momentos de la película que indican un intento de crear una obra con personalidad. Aunque esto en parte lo veo un elemento positivo, también me pareció durante el visionado una forma elegante aunque algo vacía de alargar una historia que no daba tanto de si,

Dado que vi la película en casa gracias a mi suscripción a Prime Video no me arrepiento de haberla visto y juzgándola con el vaso medio lleno creo que hay suficientes elementos para invitar a la esperanza. Entiendo que si Patterson pudo crear esta película casi de la nada, podrá crear algo realmente interesante con una producción de mayor nivel.

Comparto el trailer de la película:

The vast of night me parece una película interesante como debut cinematográfico pero poco más. En todo caso, teniendo en cuenta que Patterson realizó casi completamente la película con cuatro duros, me parece una fantástica tarjeta de presentación.

PUNTUACIÓN: 7/10

 

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Crítica de Gran Torino de Clint Eastwood (HBO)

Me he dado un homenaje para mi despedida a mi suscripción a HBO del último mes, y he aprovechado para volver a ver Gran torino, el clásico de Clint Eastwood de 2008, aprovechando además que acabamos de celebrar su 90 cumpleaños.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Walt Kowalski (Clint Eastwood), un veterano de la guerra de Corea (1950-1953), es un obrero jubilado del sector del automóvil que ha enviudado recientemente. Su máxima pasión es cuidar de su más preciado tesoro: un coche Gran Torino de 1972. Es un hombre inflexible y cascarrabias, al que le cuesta trabajo asimilar los cambios que se producen a su alrededor, especialmente la llegada de multitud de inmigrantes asiáticos a su barrio. Sin embargo, las circustancias harán que se vea obligado a replantearse sus ideas. (FILMAFFINITY)

En 2008 Gran torino significaba la despedida de la interpretación de un Eastwood que es ese momento tenía 77-78 años, lo que convirtió la película en un autentico acontecimiento para los fans del actor y director. Dicho esto, el año pasado, 11 años después, pudimos volver a disfrutarle en la notable The Mule.  Eastwood dirige, produce, protagoniza y escribe la música junto a Michael Stevens.

Nick Schenk escribe el guión a partir de una historia suya y de Dave Johannson. La película cuenta con Tom Stern como director de fotografía, que contó con el montaje de Joel Cox y Gary D. Roach.

Además de Eastwood como Walt Kowalski, la película está interpretada por Bee Vang como Thao Vang Lor, un joven de la comunidad Hmong de Detroit (Michigan) vecinos de Kowalski. Ahney Her es su hermana Sue Lor, que se harán amigos del anciano de malas pulgas. Por último, Christopher Carley interpreta al Padre Janovich.

¿Quién son los Hmongs? Se trata de una comunidad que vive/vivía en el sudeste asiático, Vietnam, Tailandia y el sur de China entre otros. Durante la guerra de Vietnam esta comunidad se unió con el Vietnam del Sur aliado de los Estados Unidos, y cuando terminó la guerra, ante las inminentes represalias del Vietcong, hubo un importante éxodo de esta comunidad a los Estados Unidos.

Aunque el guión inicial estaba ambientado en Minnesota, finalmente se rodó en Detroit debido a las ayudas fiscales que ofrecía este estado. Para el rodaje de Gran Torino, Eastwood a través de su productora Malpaso contrató a numerosas personas de la comunidad local Hmong para realizar trabajos de producción y asesoramiento para la película. Además, Eastwood contrató a actores Hmong no profesionales para la película, entre los que estaban los propios protagonistas Bee Vang y Ahney Her.  Así que frente a los activistas de salon que se lucen en Instagram, Eastwood optó por ayudar a esta comunidad de la única forma que vale, dándoles trabajo y haciendo esta película que ofrece una visión mayoritariamente positiva de esta comunidad.

Grand Torino del maestro Clint Eastwood es ya un clásico que reúne en esta historia crepuscular muchos de los mitos de la filmografía de Eastwood. Walt Kowalski simboliza a todos los papeles de Eastwood, un tío duro que odia a todo el mundo porque no se ajustan a su inflexible moral y valores. Empezando por su propia familia, que son quizá los que peor parados salen. La mala baba de Eastwood ante la sociedad americana actual que está creando chavales pusilánimes y caprichosos es indudable, y la muestra con unas estupendas dosis de humor negro. En este aspecto, toda la película es oro puro.

Sobre las crítica de racismo de gente que claramente no entendió la película, no hay duda que para Eastwood los personajes buenos y positivos de la película son los 2 hermanos de la comunidad Hmong vecinos de Kowalski. Hermanos que además consiguen que Walt acabe mejorando como persona al conocerles, evolucionando más allá de los estereotipos creados a lo largo de toda una vida.
El final es triste pero lógico, ya que si el viejo luchador no tiene sitio en este mundo políticamente correcto, al menos que su muerte sirva para algo. Entiendo que este final es una metáfora sobre la visión que Eastwood tenía de si mismo en el negocio del cine. Eastwood es un autor con una voz propia diferente a todos, y cada vez más se ha convertido en un director que parece sacado de otro tiempo.
Gran Torino está contada desde el clasicismo más absoluto. Todos los planos y las escenas están planteados para contar la película de la forma clara y fluida. La música ayuda también a dotar a Gran Torino de una cualidad atemporal que la hace perfectamente actual y a la vez sientes que podría haberse rodado perfectamente en los años setenta u ochenta. Eastwood consigue expresar muchísimo con su personaje a partir de una interpretación super minimalista en la que los tics de su cara y sus gruñidos cuentan más que cualquier línea de diálogo. Eastwood nunca  fue un actor de gran expresividad, pero sí creo que es un estupendo actor que consigue maximizar la potencia de su interpretación, lanzando su carisma hasta la estratosfera.

A partir de un presupuesto de 30-35 millones de dólares, la película recaudó 270 millones, lo que significó un enorme éxito de taquilla y mostró que sigue existiendo público para sus películas, como hemos seguido viendo con otros peliculones suyos posteriores, como Richard Jewell este mismo año.

Comparto el trailer de la película:

Gran Torino es un clásico dentro de la excelente filmografía de Eastwood, un maestro del cine del siglo XX y XXI que ningún fan del autor debería perderse.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

 

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Crítica de Oculus: El espejo del mal de Mike Flanagan (Prime Video)

Aprovechando mi suscripción a Prime Video he visto una de las primera películas del genial director Mike Flanagan, Oculus: El espejo del mal de 2013, que muestra algunas de las claves de su excelente futura filmografía.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Hace tiempo que un asesinato dejó huérfanos a dos niños. Las autoridades culparon al hermano, pero la hermana creció creyendo que el verdadero culpable había sido un antiguo espejo maldito. Ahora, completamente rehabilitado y con veinte años cumplidos, el hermano está listo para empezar de nuevo, pero la hermana está decidida a demostrar que fue el espejo lo que destrozó a su familia. (FILMAFFINITY)

MIke Flanagan dirige, monta y escribe el guión, junto a Jeff Howard, de esta película, que cuenta con fotografía de Michael Fimognari y música de The Newton Brothers. La película fue producida por Blumhouse por tan solo 5 millones de dólares, consiguiendo una recaudación de 40, lo que indica que fue muy rentable para los productores.

La película está protagonizada por Karen Gillan, Brenton Thwaites, Katee Sackhoff, Rory Cochrane, Annalise Basso y Garrett Ryan.

Oculus: El espejo del mal es un triunfo total para Mike Flanagan en lo referido a narrativa, ambientación y ritmo, a la vez que da muchas claves de su filmografía posterior, como El juego de Gerald, The Haunting of Hill House o Doctor Sueño.

La historia de unos hermanos que sufren un trauma en su niñez que les marca en su vida adulta nos recuerda a numerosas historias de Stephen King, del que Flanagan es fan absoluto. Kaylie Russell, interpretada por Karen Gillan de mayor y por Annalise Basso como niña de 12 años, es la hermana mayor de la familia, mientras que Brenton Thwaites es su hermano pequeño Tim, que en su versión infantil de 10 años está interpretada por Garrett Ryan. Los padres de Kaylei y Tim están interpretados por Katee Sackhoff y Rory Cochrane.

Está claro que este argumento de un objeto oscuro que trae la desgracia a un hogar y unos niños cuyo trauma sufren durante años no son nada novedosos dentro del género de terror. Sin embargo, la ejecución de Flanagan me parece modélica, construyendo una tensión creciente mientras vamos conociendo la historia de Kaylie y Tim en el presente y en el pasado. Los adultos son geniales, pero los niños me han encantado, y creo que todo el casting es un gran éxito.

Flanagan no es de crear sustos fáciles, aunque alguno hay, ni presentar escenas gores, confiando todo a la construcción de la tensión. Y aunque el ritmo es pausado mientras descubrimos si el espejo es realmente malvado o si todo son problemas mentales de los niños, crea momentos super chulos mientras elementos del pasado se ven reflejados en el presente y viceversa. De hecho, este elemento circular me parece otro de los elementos brillantes del guión, que coloca los diferentes giros y sorpresas milimétricamente.

Oculus me parece una película modesta que sin embargo acierta en prácticamente todo lo que plantea. Suelo indicar en todos los artículos alguna cosa que no me ha gustado demasiado de cada película, pero en este caso el visionado me ha dejado totalmente satisfecho.

Comparto el trailer de la película:

Oculus: El espejo del mal es una notable película que encantará a todos los fans del género de terror y que me ha gustado mucho.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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