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Crítica de Die! Die! Die! Volumen 1 de Robert Kirkman, Scott M. Gimple, Chris Burnham y Nathan Fairbairn

El año pasado Robert Kirkman sorprendió a libreros y lectores al publicar por sorpresa su nuevo comic Die! Die! Die! en colaboración con junto a Scott M. Gimple, showrunner de la serie de televisión The Walking Dead y el equipo artístico formado por el genial Chris Burnham y el colorista Nathan Fairbairn. Comento mis impresiones del primer volumen de este comic super violento y over-the-top.

PUNTUACIÓN: 7/10

¡Una nueva serie del creador de THE WALKING DEAD ROBERT KIRKMAN! Este es un mundo malvado donde las personas malvadas hacen cosas malas todo el tiempo. Afortunadamente, hay una grupo secreto dentro del gobierno de los Estados Unidos que trabaja fuera del sistema para influir en los asuntos mundiales a través de asesinatos selectivos. Entonces, si estás lastimando a la gente, de alguna manera empeorando el mundo más de lo que ya lo está, o incluso solo te estás interponiendo en el camino de que algo bueno suceda, entonces alguien podría dar la orden de… ¡MUERTE, MUERTE, MUERTE! !

Este tomo recopila los números 1 al 8 de la serie regular Die! Die! Die!, editado por Image Comics.

El mundo del comic americano está marcado desde hace décadas por su sistema de distribución. Diamond, el principal distribuidor de comics al canal de las librarías especializadas, publica un catálogo con todos los comics que va a distribuir dentro de tres meses, para que los libreros puedan realizar sus pedidos, que normalmente no son retornables, y asegurarse que estos comics llegarán a las estanterías. Esto provoca una guerra por parte de todas las editoriales por crear eventos e interés en sus comics que hagan que los libreros los pidan, porque la alternativa es que si un comic no es pedido por los libreros jamás llegará a los lectores.

Este sistema ha robado en parte la sensación de sorpresa, ya que no sólo sabemos libreros y lectores qué se va a publicar por adelantado, sino además, qué números son “importantes”, ya que las propias editoriales intentan que los libreros hagan pedidos lo más grandes posibles de dichos comics, provocando que en muchos casos los giros y las sorpresas de los comics sean spoileados antes incluso de que estos comics lelguen a las librarías.

Y frente a este vicio, llegó Robert Kirkman y su Die! Die! Die!. Para devolver la sorpresa a los lectores, Kikman anunció este comic ¡el día antes de que el número 1 llegara a las librerías! De hecho, envió a las librerías copias de este primer número haciéndolo totalmente retornable, y usando los pedidos de The Walking Dead como referencia al número de ejemplares que cada librería iba a recibir de la primera edición de este comic. Es resultado de esta iniciativa fue un éxito rotundo de ventas y una publicidad que probablemente no hubiera recibido de haberlo sacado de forma standard.

Robert Kirkman siempre me ha parecido un escritor super interesante que ama los comics y que intenta crear iniciativas que rompan el techo de cristal y las limitaciones del medio. Obviamente, esto no puede hacerlo cualquiera, y gracias al colchón que The Walking Dead le ha proporcionado, puede enfrascarse en iniciativas de este tipo, y me encanta que alguien se moleste incluso en plantearlo.

Y tras esta explicación del nacimiento del comic, supongo que te estarás preguntando qué tal Die! Die! Die!, ¿no?

Die! Die! Die! es uno de los cómics más over-the-top que he leído en bastante tiempo. Super violento, sangriento y macarra a partes iguales, parece como si Kirkman quisiera copiar al Ennis más bestia de The Boys, y si el objetivo era llamar la atención, hay que concluir que el éxito es total.

Este primer tomo recopila los 8 primeros números de la serie, que están planteados sobre todo en los primeros números como una serie de misiones autoconclusivas que nos permitirán conociendo a los diferentes protagonistas. En este sentido, mola que cada número sea una lectura satisfactoria en si misma, mientras van ampliando la gran amenaza que se concretará en los últimos números de este primer arco. Sin embargo, reconozco que el feeling de “mira que punkie y radical que soy” del comic no ha acabado de encajarme, con personajes acudiendo a orgías de logias masónicas y compitiendo por el ser más radical e irreverente.

En el apartado artístico, el dibujo de Chris Burnham me ha parecido una barbaridad. Apoyado por un color estupendo de Nathan Fairbairn, cuenta con unos detalles y unas coreografías increíbles, de forma que el comic se lea de maravilla casi en una sentada. Burnham saltó a la fama (o al menos yo es donde le conocí) gracias a su Batman Inc., junto a Grant Morrison, y en este comic se muestra como un narrador excelente obsesionado porque todo se vea de forma clara y la acción fluya en las páginas. Destaco además las primeras páginas de cada número en las que hacen la presentación de un personaje diferente y que podría servir como unos carismáticos títulos de crédito ante una posible adaptación televisiva. Cosa que, estando Kirkman de por medio, no sería de extrañar que llegara a producirse, aunque el tono over-the-top puede ser un problema.

Die! Die Die! Es como un “Misión Imposible con esteroides”, y en mi opinión tiene en su dibujo el principal reclamo. Aunque como digo no conecté con el tono punky, creo que si cumple de sobra con su objetivo de entretenimiento, creando un comic que consigue sorprender de principio a fin. Ahora que ha comenzado en Estados Unidos la publicación de su segundo arco, no descartaría comprar el tomo correspondiente cuando se publique y necesite saciar mi sed de historias ultra violentas.

PUNTUACIÓN: 7/10

 

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¡Saludos a todos!

¿Cómo está el mundo de las grapas en España?

2020 ha comenzado con polémica en España con la subida de precios que Panini ha aplicado a sus comics Marvel. Esto ha generado un debate en redes sociales y medios comiqueros que se ha ampliado para incluso llegar a poner en duda la propia viabilidad de este formato como medio de publicación del género de superhéroes. Hoy quiero dar mi punto de vistas y explicar porqué pienso que las grapas siguen siendo el formato perfecto para el género.

 

Empezando por el principio, me uno al coro de lectores a los que les parece fatal el hachazo que Panini ha realizado este año. Aún entendiendo que llevaba muchos años sin tocar los precios de sus publicaciones (aunque ya en 2019 los subió algo), la subida que nos acaba de imponer me parece un error garrafal impropio de una gran empresa internacional como es Panini. Si esta misma subida la hubiera aplicado repartiéndola en 3-4 años, nadie nos hubiéramos quejado. Lástima que nadie del staff de Panini, ya sea aquí o en Italia, lo pensara.

Cuando analizaba los datos de ventas de comics en USA en 2019, comentaba que veo una tendencia clarísima por parte de Marvel de inundar de comics las librerías, entendiendo por un lado que si estas series se venden es porque hay demanda, pero también que teniendo en cuenta el presupuesto limitado de compra de los libreros y que también hay una limitación de espacio en las librerías, sacar muchas novedades puede conseguir el efecto a medio y largo plazo de acabar con la competencia al obligar a los libreros a ir pidiendo cada vez menos comics de otras editoriales para cubrir sus compras a Marvel.

Me da la sensación (sin datos que lo apoyen) que Panini ha pensado que dado que la mayoría de sus clientes somos adultos con trabajos e ingresos más o menos fijos, en el fondo sus ventas no iban a disminuir demasiado a pesar de la subida tan enorme. E incluso en caso de que las ventas cayeran, los ingresos no lo harían debido al propio aumento de precios de las grapas. Al menos en enero leí a algunas librerías comentar que no habían notado bajada de ventas en ejemplares. Sin embargo, si mi ejemplo es ilustrativo, es normal que dicha bajada no se note el primer mes sino de forma gradual en los próximos meses, dado que los lectores dejaremos las series a medida que terminen los arcos que están en marcha, nadie deja de comprar una serie en mitad de una historia. O al menos yo no lo hago.

No tengo duda que las ventas de los best-sellers como los mutantes de Hickman, la Historia del Universo Marvel o Inmortal Hulk no van a verse afectados y van a seguir vendiéndose igual de bien que lo estaban haciendo. Sin embargo, de aquí a junio sí creo que comics como Valquiria, Doctor Extraño o Cuatro Fantásticos van a notar el golpe y ya veremos si siguen teniendo ventas que justifiquen su publicación en grapa.

He comentado en muchas ocasiones que los lectores de comic estamos disfrutando de una edad de oro, con una oferta increíble de gran calidad y variedad para todos los gustos que no nos la acabamos. Justo por eso, no estoy dispuesto a abandonar mis lecturas variadas para invertir todo dinero en los superhéroes, por mucho que me gusten los comics Marvel y crea que La casa de las Ideas ha mejorado su calidad en los últimos años.

Por este motivo, he optado por mantener mi presupuesto mensual de Marvel, abandonando las series que no me lleguen con los nuevos precios que se encontraban en el fondo de mi pila de lectura y que menos me gustaban. No estoy dispuesto en dejar de comprar series de DC o indys por culpa de la subida de Panini. Esto significa que mis tomos americanos de Sea of Stars, Lazarus, Deadly Class, etc… o las grapas de Criminal, DCSos o Wonder Woman: Dead Earth de Daniel Warren Johnson no se tocan.

Creo que editorialmente 2020 va a ser un año muy movido en España y que van a haber sorpresas importantes. En lo referido a Marvel, ya veremos si esta subida de precios no acaba provocando a medio plazo una implosión en la oferta de grapas mensuales, quedándose las series principales y pasando a tomo la clase media. Y quien sabe si esto al final no va a provocar que los precios aún se incrementen para los lectores. Tiempo al tiempo.

En segundo lugar, en lo relativo al futuro del propio formato de las grapas, yo soy un lector veterano que me aficioné a la lectura en los años 80. Eso significa que me he criado con las grapas y sigo creyendo que es el mejor formato  para el género superheroico. No necesariamente para el medio del comic en su conjunto, pero sí para las publicaciones periódicas.

En sus orígenes, la grapa era un formato barato que se encontraba en quioscos y que permitía la entrada de nuevos lectores que podían probar un comic y recibir un buen entretenimiento por poco dinero en las 22 páginas (32 en las antiguas grapas de Forum). De hecho, la Marvel de los 60, 70 y 80 tenía como norma básica que dado que cualquier grapa podía ser la primera lectura de un chaval, dicha grapa tenía que dar la suficiente información para que pudiera ser entendida y disfrutada por si misma, aún en los casos de un número en medio de un arco, y por eso en todos los números tenía resúmenes de lo que había pasado y de las identidades y motivaciones de los diferentes personajes buenos y malos.

Todo eso ha cambiado en el siglo XXI. Empezando porque las grapas ya no se encuentran en los quioscos y un lector tiene que ir a propósito a una librería especializada para comprarlas. Ahora mismo, es más probable que un lector se aficione a los comics Marvel comprando un tomo de Civil War en la Fnac o el Carrefour que por medio de unas grapas que ni siquiera están disponibles en muchos pueblos de España. Este ejemplo para mi indica que el precio barato de las grapas de antaño ya no es la clave para la captación de nuevos lectores, sino que es más importante la disponibilidad de los comics en espacios donde los consumidores puedan encontrarlos. En mi opinión, aunque las grapas ya no son baratas, esto no afecta realmente desde el punto de vista de los nuevos lectores. Aparte que yo le he comprado grapas a mi hijo, diría que pocos niños pequeños se pagan ellos mismos sus comics, al menos al principio de iniciar su afición lectora, función que ya hacemos los padres.

El otro gran cambio en el mundo del comic ha venido provocado por la expansión de la venta de tomos recopilatorios, lo que ha creado la tendencia narrativa del “decompressing storytelling” centrada en crear arcos de grapas pensados para ser leídos en tomo más que mensualmente. De esta forma, muchas grapas (te miro a ti, Bendis), ofrecen sólo pocas escenas de una historia más grande y compleja que no da la sensación de lectura completa y satisfactoria que las grapas de antes sí tenían.

Y para poner las cosas más difíciles, Marvel optó hace unos años por publicar muchas de sus series más populares con una periodicidad quincenal o de 18 números anuales en lugar del clásico comic mensual de siempre, en la creencia que las nuevas generaciones más acostumbradas a la inmediatez de las redes sociales no aceptaban el mes de espera entre números. Obviamente, además de por este motivo, si Spiderman o los Vengadores son los personajes más populares, duplicarán su beneficio publicando 2 comics al mes en lugar de sólo uno y otro de una serie más minoritaria. El problema de esta decisión editorial es que es imposible dar una estabilidad artística a ninguna serie al tener que combinarse diferentes artistas para poder cumplir las fechas de entrega. Como lector, esto es un problema que globalmente hace que los comics pierdan calidad.

Todo esto es una realidad que no se puede ocultar. Sin embargo, no significa a mi entender que el formato de la grapa esté herida de muerte. Más bien al contrario, teniendo en cuenta algunos comics que estoy disfrutando en los últimos meses.

Si tuviera que decir qué es lo mejor de las grapas respecto a otros formatos, para mí lo que marca la diferencia es la inmediatez, el poder leer todos los meses a mis personajes favoritos, aunque sea en una pequeña dosis de 20 páginas (40 para las grapas dobles). Si vemos por ejemplo el ejemplo de Daredevil, ahora tenemos lectura satisfactoria todos los meses mientras que durante bastantes años, en los que estuvo publicándose en los tomos 100%, podían pasar 10 o 12 meses entre un tomo y el siguiente. Es decir, casi un año sin leer una nueva aventura del Hombre sin Miedo. Como lector y fan, para mi la diferencia es abismal.

Pero es que además, aún no siendo las grapas tan baratas como antes, sigue siendo la forma más económica de seguir un montón de aventuras de forma mensual. Aún con la subida de precios, con 40 €uros aún se puede comprar +/- 9-10 grapas de 10 personajes o grupos diferentes. Si estas mismas series se publicaran en tomo, sólo podrías comprar 2 ¿3? tomos al mes con ese mismo dinero y las otras series se quedarían en el limbo hasta el mes siguiente.

Por otro lado, como lector una parte esencial del género de superhéroes es el cliffhanger y la espera entre números. Los cómics, y cualquier obra periódica de entretenimiento, se realizan para dejarte colgado y en los tomos se pierde esa parte de la experiencia. Uno de los grandes comics de 2020 ha sido Dinastía de X / Potencias de X de Jonathan Hickman, Pepe Larraz, R.B. Silva y Marte Gracia. Y además de la calidad de la propia historia de Hickman, el otro factor clave de la experiencia lectora ha sido la espera de quince días entre números, flipar con lo que acabábamos de leer, volver a leer ese comic y descubrir detalles que quizá pasaron desapercibidos en la primera lectura y especular con como iba a continuar la historia. Creo sinceramente que el impacto que han provocado en los lectores estos comics leídos mes a mes es muchísimo mayor que el que ofrecen esas mismas historias leídas de un tirón en un tomo. Reconociendo eso si que el tomo queda más chulo en la estantería.

Esta polémica no se está viviendo sólo en el mundo del comic, en las series de televisión los modelos de negocio de Netflix o HBO / Prime Video están ofreciendo experiencias muy diferentes en los espectadores que creo que son similares a la experiencia grapa / tomo. Netflix y su “binge-watching” permite ver las series completamente a tu ritmo y pegarte maratones si quieres ver una temporada completa de un tirón. Sin embargo, la sensación de “usar y tirar”, de producto de consumo rápido y calidad cuestionable que quemas para poder ver el siguiente estreno de la cadena, que aún siendo entretenido olvidarás con la misma velocidad, está calando en una parte de los tele-adictos.

Por contra, el modelo HBO clásico de un episodio a la semana te obliga a ver la serie al ritmo que te marca la cadena, pero esto provoca también que una implicación mayor del espectador con la serie al tener que seguirla durante semanas en lugar de días como en Netflix. Al menos en el caso de Netflix, tener todos los episodios disponibles hizo que terminara de ver una serie mala como Locke and Key, mientras que si se hubiera estrenado en HBO sin duda la hubiera dejado a mitad.

Volviendo a los comics y hablando de Hickman, comentaba en la parte de puntos negativos el decompressing storytelling, el pagar 3 o 4 €uros por un comic que se lee en 5 minutos y que te deje sensación de no haber leído casi nada. Sin embargo, hay cada vez más autores que plantean sus comics mensuales con historias que cuestan leer, dan mucha información y ofrecen una experiencia satisfactoria en cada grapa. Criminal de Brubaker y Phillips, el Conan de Aaron y Asrar, Hulk de Ewing y Bennet o los comics de Hickman son historias pensadas y ejecutadas para su lectura periódica, y creo que esa es la mejor manera de leerlos para amplificar el disfrute.

Junto a esto, hay otros comics planteados para la lectura en tomo que también disfruto mucho, como por ejemplo Sea of Stars, Harrow County y muchos otros que son también geniales. Y no pasa nada, mola disfrutar de comics diferentes en diferentes formatos, por eso mismo no acabo de entender esa aparente obsesión de algunos por que se cancele todo un formato comiquero.

Pero incluso en el mundo del tomo o la novela gráfica estamos viendo cambios. En el tomo recopilatorio standard de 5 o 6 números, el ritmo se repite al tener que colocar al final de cada grapa (cada 20 páginas) un cliffhanger, lo que en parte convierte en monótonas muchas historias -en lo relativo al ritmo, ojo-. Frente a esto, estamos viendo como hay autores que cambian el formato para poder ofrecer comics con un ritmo propio que desarrollen la historia al ritmo deseado por los autores. Lo hemos visto en Lazarus de Greg Rucka o Michael Lark con grapas de 40 páginas, o en las novelas gráficas de Ed Brubaker y Sean Phillips (My heroes have always been junkies y Pulp de próxima aparición), de 80 páginas, con un ritmo que nada tiene que ver con lo que hubiera sido en caso de tener que publicarlo en 4 grapas.

Y ya por último y desde un punto de vista totalmente personal, he seguido toda la vida más de 20 cómics al mes recordando sin problemas donde se quedó cada grapa y personaje principal y secundario. Sin embargo, cada vez que compro un tomo de Image publicado cada 7 u 8 meses tengo que volver a leer el anterior porque no recuerdo nada de esa historia. No se si es algo que sólo me pasa a mi, pero creo que mi memoria a corto y medio plazo me empiezan a jugar malas pasadas. O posiblemente sea igual para todo el mundo, quien sabe.

Comentaba al principio de este largo artículo de opinión que como lector no doy a basto a comprar y leer todo lo que me apetece. A pesar de que teng claro que este 2020 va a ser un año complejo en el mundo comiquero, espero que nada impedirá que sigamos disfrutando de mi afición comiquera durante muchos años.

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¡Saludos!!

Crítica de Criminal: Cruel Summer, de Ed Brubaker y Sean Phillips

Cruel Summer es el arco más largo, ambicioso y, por qué no decirlo, satisfactorio, de la serie Criminal de Ed Brubaker y Sean Phillips. Ahora que la serie se toma un respiro con la publicación de su número 12, aprovecho para recomendar este cómic de una de las parejas creativas más sólidas del panomara comiquero americano.

PUNTUACIÓN: 9/10

En el verano del ’88, Teeg Lawless llega a casa para planear el mayor atraco de su carrera. Pero el hijo de Teeg, Ricky, y sus amigos están comenzando el mismo camino oscuro en el que se encuentran sus padres, lo que les dirige al que será el peor verano de sus vidas.

Una historia épica de tragedia transmitida de generación en generación, CRUEL SUMMER es una obra maestra del género criminal realizada por los maestros noir más famosos de la industria americana Ed brubaker y Sean Phillips, creadores de CRIMINAL, FATALE, KILL OR BE KILLED y THE FADE OUT.

Cruel Summer se ha publicado en los números 5 al 12 de la serie Criminal editada por Image Comics, que tras este número vuelta a tomarse un respiro para permitir a Brubaker y Phillips realizar otros proyectos.

La principal característica de Cruel Summer es que Brubaker usa a cinco personajes diferentes como narradores la historia, mostrando en cada número la acción desde un punto de vista diferente: El del detective privado veterano de Vietnam Dan Farraday, del ladrón de poca monta Teeg Lawless,de su hijo adolescente Ricky, de la ladrona fugitiva Jane (Marina Kelly) amante de Teeg y del mejor amigo de Ricky Leo Patterson, hijo del socio de Teeg Tommy Patterson. Este cambio de narrador permite meternos en la mente de cada uno de forma que les conocemos y empatizamos con ellos mientras se va construyendo la tensión hasta su impactante final.

El punto fuerte de los cómics de Brubaker y Phillips son siempre unos personajes llenos de matices y claroscuros, capaces de amar, odiar y sobre todo cometer errores que marcarán no sólo sus vidas sino también las de los que les rodean.

Aunque son personas chungas que comenten actos horribles tremendamente amorales, Brubaker consigue que empaticenos con ellos al mostrarlos como seres rotos que nunca tuvieron una oportunidad de una vida mejor. Esto es para mí ejemplo de gran escritura, porque lo consigue con todos.

Cruel Summer me ha flipado mes a mes, pero me ha maravillado tras volver a leer estos 8 números de un tirón, apreciando muchos detalles que se me habían pasado desapercibidos en la primera lectura. Quizá el único pero que veo a este arco de Criminal es que cuenta la historia de varios personajes que habíamos visto en su versión adulta en los primeros volúmenes del comic, por lo que en parte este arco se disfruta mucho más si has leído esas historias previas.

Pero incluso si no has leído nada y este es el primer Criminal que leemos, al meternos en la historia a través de la investigación de Dan Farraday para encontrar a Jane, ambos personajes creados para este arco, Brubaker hace que entremos de forma progresiva en el mundo de la familia Lawless, de forma que quedamos enganchado y nos hace querer (re)leer dichas historias previas, incluidas las del hermano mayor de Ricky, Tracy, que aparece brevemente antes de irse al ejército y que protagonizó uno de los primeros arcos del comic.

En el apartado artístico, Sean Phillips es un seguro de vida, nadie transmite el noir como él. Jane es una femme-fatale de libro, todo control y sexualidad que esconde una niña asustada por una infancia que la enseñó que la vida no tiene sentido si no la vives al máximo cada segundo, ya que todo puede acabar en un segundo. Por su parte, la familia Lawless o el detective Farraday son personas complejas llenas de traumas que ni siquiera saben que los tienen, y que en todo caso da igual cuando tu vida es una lucha continua por sobrevivir.

Además, me alegra comprobar que durante este arco el hijo Sean, Jacob Phillips, que realiza los colores de este comic, puede experimentar con una paleta de colores en tonos pastel planos que le sienta de maravilla al tono noir del relato, amplificando el feeling correcto que cada escena necesita. Además, utiliza una técnica similar a  lo que sería el uso de un pincel grueso para aplicar el color en cada viñeta, creando grandes “brochazos” de color que crea un efecto muy interesante y diferente al feeling que transmiten los colores aplicados por ordenador actuales.

Decir que me encanta el apartado artístico me ha gustado mucho es quedarse muy corto.

Si te gusta el noir, es obligatorio leer todo lo que publique esta maravillosa pareja artística, para mí todo lo que hagan es compra segura. De hecho, ya tengo ganas de comprar Pulp, su próximo trabajo presentado en formato de Novela Gráfica.

PUNTUACIÓN: 9/10

 

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¡Saludos a todos!

Crítica de Sea of Stars volumen 1 de Jason Aaron, Dennis Hallum, Stephen Green y Rico Renzi

Jason Aaron es uno de mis escritores de comic favoritos y Sea of Stars, su nueva serie de ciencia ficción en Image Comics junto al también escritor Dennis Hallum, el dibujante Stephen Green y colores de Rico Renzi, me ha flipado a niveles cósmicos y me ha recordado el significado de “SENSE OF WONDER”.

PUNTUACIÓN: 8/10

Ser un camionero espacial puede sonar un trabajo genial, pero en realidad puede ser aburrido como el infierno. Entonces, cuando el recientemente enviudado Gil consigue un trabajo de larga distancia por todo el universo, se da cuenta de que es lo suficientemente seguro como para llevar a su hijo Kadyn a dar un paseo. Pero cuando su “gran transporte” es cortado por la mitad por un gigantesco Leviathan espacial, Gil se separa de su hijo pequeño, con un traje roto que libera oxígeno a un ritmo alarmante. Tendrá que desafiar las probabilidades y mantenerse con vida el tiempo suficiente para rescatar a Kadyn. Pero Kadyn parece estar recibiendo toda la ayuda que necesita de un Mono espacial parlante montando un Delfín espacial … o tal vez son los extraños poderes que está manifestando repentinamente.

Del dúo de escritores JASON AARON (SOUTHERN BASTARDS, Thor) y DENNIS HALLUM (Cloak & Dagger, Vader: Dark Visions), con un deslumbrante arte de STEPHEN GREEN (Hellboy and the BPRD) y colores cósmicos de RICO RENZI (Spider-Gwen) llega a una intensa aventura galáctica con todo el alcance y el corazón de La Historia Interminable cruzada con la imaginación de Miyazaki. Este primer volumen recoge los números 1-5 de la serie americana publicada en Image Comics.

Lo primero a destacar de Sea of Stars es que aunque estamos formalmente ante un comic de ciencia ficción de corte espacial, en realidad esta historia de un padre y un hijo separados en el espacio es casi un cuento fantástico. Frente a la fría y mortífera oscuridad del espacio a la que estamos acostumbrados en comics, películas, etc… en Sea of Stars descubrimos un espacio rebosante de vida con seres más allá de nuestra imaginación. Y al ver este mundo con los ojos de Kadyn, un niño de nueve años, lo que serían situaciones terroríficas se convierten en una oportunidad única de descubrir y experimentar cosas nuevas, precisamente lo que todo niño busca. Cuanto más loca la situación y los seres que se encuentra Kadyn en su viaje, más he disfrutado este comic que me ha recordado para bien lo que significa “Sense of Wonder”, algo que si funciona no se puede explicar porque lo estás viviendo.

Pero no todo es alegría y juegos, ya que el viaje de Gil, su padre, para encontrarle y salvarle del peligro está lleno de dolor y dramatismo. Gil acaba de perder a su mujer y no está dispuesto a perder a la única familia que le queda, teniendo en cuenta que le prometió a Kadyn que le protegería y no dejaría que nada malo le pasara. El contraste entre ambas situaciones ha creado un comic lleno de carisma y personalidad que me ha interesado de principio a fin, en parte al ser yo también padre de un niño y ponerme en el pellejo de Gil.

Y si el concepto de Sea of Stars en ha encantado es sin duda por el notable apartado artístico de la serie. Stephen Green en los lápices y Rico Renzi con los colores nos ofrecen unas páginas geniales en las que la imaginación de Kadyn desborda las viñetas y nos ofrecen un espacio como nunca antes habiamos contemplado, combinadas con otras llenas de dramatismo cuando Gil cree que su hijo ha desaparecido.

Tenía muchas ganas de leer este comic, pero no imaginaba que me iba a gustar tanto. Sea of Stars puede ser el comic para todos los públicos de este 2020.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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Crítica de Lazarus volumen 6 de Greg Rucka, Michael Lark, Tyler Boss y Santi Arcas

Tenía muchas ganas de volver a este futuro distópico ideado por Greg Rucka y Michael Lark en el que el mundo está dividido por familias que controlan todas las riquezas y se disputan el control. Y aunque se hizo esperar, este sexto volumen “Fracture” no decepciona.

PUNTUACIÓN: 8/10

Han pasado dos años desde que Forever, la actual Lazarus de la familia Carlyle, fue traicionada en el campo de batalla y ahora la Familia Carlyle se encuentra rodeada por todos lados. Con el tiempo agotándose, Johanna recluta a Forever para que inicie el contraataque. Y mientras los Lazarus de varias familias se enfrentan, “Eight”, la siguiente Forever Carlyle de 14 años actualmente en entrenamiento, se encuentra en una situación de vida o muerte completamente diferente. Este sexto volumen recopila los números 1 a 3 de la serie Lazarus: Risen.

En mayo de 2017 la serie Lazarus se interrumpió. Michael Lark estaba quemado creativamente y necesitaba un descanso para recargar sus energías. Y aunque a mitad de 2018 se publicó Lazarus X+66 con 6 números unitarios realizados por varios autores centrados en secundarios de diferentes familias que servían para ampliar este mundo distópico, tenía ganas de leer el retorno de Lark y de Forever su protagonista a este cómic. Y este retorno año y medio después no decepciona y sirve para recordarnos porqué nos enganchamos a este cómic y a Forever por primera vez.

Forever Carlyle es una Lazarus, modificada genéticamente para ser el arma perfecta al servicio de la familia Carlyle, llevando a cabo misiones de alto riesgo contra los enemigos de la familia. Y en este nuevo volumen volvemos a tener misiones black-ops, geopolítica mientras Johanna, la actual líder de los Carlyle, pone en marcha sus planes contra sus enemigos, y la sorpresa de Eight mientras descubre que no es una joven normal.

Lo genial de tener libertad creativa es que los autores pueden elegir el formato que mejor se adapte a las necesidades de la historia. Y aunque este primer volumen de Risen recopila los tres primeros cómics USA, estos contienen 44 páginas de historia cada uno más extras, lo que sirve para que el ritmo de la historia sea completamente diferente al no estar limitados por el obligatorio cliffhanger cada 20 páginas.

Rucka plantea tres misiones para Forever, una en cada número, que se desarrollan de forma directa y brutal, mientras en paralelo conocemos más aspectos del resto de la famila Carlyle. Y aunque tenía un poco de miedo de no recordar nada debido al tiempo transcurrido con los tomos anteriores, las páginas de resumen sirvieron para ponerme en  situación sin problemas, además de que el hacho de que Rucka plantea la historia a partir de la acción también ayuda.

En el aspecto artístico, Michael Lark ha vuelto en plena forma. Ayudado en los fondos por Tyler Boss y con colores de Santi Arcas, sus páginas narran con precisión militar las misiones black-ops y transmiten perfectamente la personalidad y sentimientos de los protagonistas. Lark creó visualmente a Forever y no puedo imaginarme a nadie más dibujándola.

Hay un detalle curioso en este volumen y es que Rucka hace que la historia salte 2 años frente al volumen anterior, como si de alguna forma reconociera el tiempo que los lectores hemos estado esperando este cómic. Y aunque desde ese punto de vista como lector me ha parecido chulo, realmente no se si es la mejor decisión narrativamente hablando, ya que dejamos la historia en situación de guerra con la familia Carlyle en desventaja y se hace raro que en dos años las cosas casi no hayan cambiado. En todo caso, este es un elemento secundario que no impide disfrutar de este cómic.

Espero que una vez reiniciada la serie, Rucka y Lark mantengan la periodicidad de segundo volumen de Lazarus. En marzo sale en USA el cuarto número con ritmo bimensual, de forma que confío poder leer en agosto o septiembre el siguiente tomo.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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