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Crítica de El Hoyo de Galder Gaztelu-Urrutia (Netflix)

El hoyo, dirigida por Galder Gaztelu-Urrutia, supuso una de las sorpresas del pasado festival Internacional de Sitges 2019 al conseguir el Premio a Mejor Película y del Público, entre otros galardones. Aprovechando que se acaba de estrenar en Netflix aproveché para verla y no puedo ocultar mi decepción ante esta producción española de ciencia ficción distópica.

PUNTUACIÓN: 5/10

El futuro, en una distopía. Dos personas por nivel. Un número desconocido de niveles. Una plataforma con comida para todos ellos. ¿Eres de los que piensan demasiado cuando están arriba? ¿O de los que no tienen agallas cuando están abajo? Si lo descubres demasiado tarde, no saldrás vivo del hoyo.

El Hoyo es la ópera prima del director vasco Galder Gaztelu-Urrutia. David Desola y Pedro Rivero escriben el guión de esta película planteando una metáfora de la sociedad occidental y la lucha de clases sociales, algo que hemos visto en los últimos años en películas como Snowpiercer (Bong Joon-ho, 2013), High-rise (Ben Wheatley, 2015) o más recientemente, la multipremiada Parásitos (2019), de nuevo dirigida por el coreano Bong Joon-ho.

De El Hoyo habría que destacar sobre todo su diseño de producción, muy cuidado en todo momento y que ayuda a transmitir el feeling claustrofóbico que la historia precisaba. También son dignos de mención la fotografía de Jon D. Dominguéz, la música de Aránzazu Calleja y el montaje de Haritz Zubillaga y Elena Ruiz.

El Hoyo ha recibido múltiples premios a nivel internacional, entre los que se encuentran El Premio del público en la sección “Midnight Madness” del Festival Internacional de Cine de Toronto, o los premios a Mejor Película, Mejor Director Revelación, Mejores Efectos Especiales y premio del público en el Festival de Cine de Sitges 2019. Además, en los pasados Premios Goya consiguió el premio a Mejores Efectos Especiales. Pocas veces ¿nunca? Una película de género española había conseguido tantos premios.

El reparto está liderado por Iván Massagué como Goreng, el nuevo preso de El Hoyo, que llega (ligeros spoilers a partir de ahora) a cumplir una pena de seis meses que a cambio le permitirá conseguir un título académico. ¿La primera metáfora sobre lo que tienen que hacer los pobres para conseguir una beca y terminar los estudios? Su personaje es el centro de toda la película y está presente en todo momento, transmitiendo Massagué de maravilla la confusión al llegar a este ecosistema enloquecido en el que las cosas no parecen tener sentido, más allá de machacar a los de abajo.

Junto a Massagué, El Hoyo cuenta con Zorion Eguileor como Trimagasi, el veterano preso compañero de nivel de Goreng que le explicará como funciona todo. Antonia San Juan es Imoguiri, otra compañera de Goreng durante su estancia en el hoyo, igual que Emilio Buale como Baharat. La Wild-Card de la película es Alexandra Masangkay como Miharu, una interna que busca a su hija por la prisión, a pesar de que las normas indican que eso es imposible.

Entrando en materia, El Hoyo entra en el grupo de películas en las que los autores solo tienen el concepto, la metáfora general que buscan transmitir, pero se han dejado sin pensar cómo resolver de forma satisfactoria la historia.

En positivo, que una producción española se atreva a hacer una distopía que intenta ofrecer un mensaje potente (aunque luego veamos que fallido) es de agradecer y la película consigue enganchar e interesar con su premisa inicial. Además, creo que las interpretaciones, el diseño de producción y todos los apartados técnicos cumplen con nota.

Sin embargo, esta metáfora de la sociedad actual y la lucha de clases en la que unos privilegiados están arriba y se aprovechan de todos los recursos mientras los pobres de abajo sufren su avaricia y su desprecio por el resto de conciudadanos ya la hemos visto antes en películas como Parásitos, Snowpiercer o High-rise mucho mejor planteada y resuelta.

La película empieza bien pero se desinfla demasiado rápidamente, y eso que dura 94 minutos. Y es que más allá de esta metáfora y su interesante puesta en escena, el guión no da casi de si, algo grave para una historia de ciencia ficción que intenta hacer crítica social.

Además, como espectador me molesta muchísimo cuando una película plantea unas reglas (sea o no ciencia-ficción) para luego saltárselas de forma tramposa. Y en este sentido, el final planteado por el guión de David Desola y Pedro Rivero me parece una tomadura de pelo y un todo-vale impropio de una película que busca ser seria y tocar temas importantes. La sensación que me transmite es que lo importante para ellos era llamar la atención y el cómo terminar la historia era totalmente secundario y no está bien trabajado.

Respetando todas las opiniones, no me caben en la cabeza los numerosísimos elogios que estoy leyendo sobre la película en general y su guión en particular. También es cierto que hay muchas críticas que indican igual que yo que empieza bien pero acaba desinflándose, pero en mi opinión una película que hace trampas y que no respeta mi inteligencia no puede calificarse jamás como que tiene un buen guión. Y niego la mayor, si los guionistas quieren que el final que va bien con el mensaje con que quieren que nos quedemos los espectadores (el cambio solo puede ser realizado por los jóvenes), deberían haber trabajado más el guión para poder llegar a ese punto de forma lógica y sin crear este antológico WTF! En todo caso, esto es relativo al guión, entiendo que si ponemos en la balanza el resto de elementos positivos de la producción, la puesta en escena, montaje o interpretaciones, al final quedaría una película que consigue un aprobado justito.

Comparto el trailer de la película:

No me arrepiento de haber visto El Hoyo y sin duda tiene elementos interesantes, pero creo que es una película mejor planteada que resuelta que consigue aprobar por los pelos. En todo caso, dado que está disponible en Netflix, entiendo que es una película para aquellos espectadores que busquen historias diferentes. Aunque vuelve a demostrarse que nuevo no es igual a mejor. Al menos, no de forma automática.

PUNTUACIÓN: 5/10

 

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Crítica de Lazarus volumen 6 de Greg Rucka, Michael Lark, Tyler Boss y Santi Arcas

Tenía muchas ganas de volver a este futuro distópico ideado por Greg Rucka y Michael Lark en el que el mundo está dividido por familias que controlan todas las riquezas y se disputan el control. Y aunque se hizo esperar, este sexto volumen “Fracture” no decepciona.

PUNTUACIÓN: 8/10

Han pasado dos años desde que Forever, la actual Lazarus de la familia Carlyle, fue traicionada en el campo de batalla y ahora la Familia Carlyle se encuentra rodeada por todos lados. Con el tiempo agotándose, Johanna recluta a Forever para que inicie el contraataque. Y mientras los Lazarus de varias familias se enfrentan, “Eight”, la siguiente Forever Carlyle de 14 años actualmente en entrenamiento, se encuentra en una situación de vida o muerte completamente diferente. Este sexto volumen recopila los números 1 a 3 de la serie Lazarus: Risen.

En mayo de 2017 la serie Lazarus se interrumpió. Michael Lark estaba quemado creativamente y necesitaba un descanso para recargar sus energías. Y aunque a mitad de 2018 se publicó Lazarus X+66 con 6 números unitarios realizados por varios autores centrados en secundarios de diferentes familias que servían para ampliar este mundo distópico, tenía ganas de leer el retorno de Lark y de Forever su protagonista a este cómic. Y este retorno año y medio después no decepciona y sirve para recordarnos porqué nos enganchamos a este cómic y a Forever por primera vez.

Forever Carlyle es una Lazarus, modificada genéticamente para ser el arma perfecta al servicio de la familia Carlyle, llevando a cabo misiones de alto riesgo contra los enemigos de la familia. Y en este nuevo volumen volvemos a tener misiones black-ops, geopolítica mientras Johanna, la actual líder de los Carlyle, pone en marcha sus planes contra sus enemigos, y la sorpresa de Eight mientras descubre que no es una joven normal.

Lo genial de tener libertad creativa es que los autores pueden elegir el formato que mejor se adapte a las necesidades de la historia. Y aunque este primer volumen de Risen recopila los tres primeros cómics USA, estos contienen 44 páginas de historia cada uno más extras, lo que sirve para que el ritmo de la historia sea completamente diferente al no estar limitados por el obligatorio cliffhanger cada 20 páginas.

Rucka plantea tres misiones para Forever, una en cada número, que se desarrollan de forma directa y brutal, mientras en paralelo conocemos más aspectos del resto de la famila Carlyle. Y aunque tenía un poco de miedo de no recordar nada debido al tiempo transcurrido con los tomos anteriores, las páginas de resumen sirvieron para ponerme en  situación sin problemas, además de que el hacho de que Rucka plantea la historia a partir de la acción también ayuda.

En el aspecto artístico, Michael Lark ha vuelto en plena forma. Ayudado en los fondos por Tyler Boss y con colores de Santi Arcas, sus páginas narran con precisión militar las misiones black-ops y transmiten perfectamente la personalidad y sentimientos de los protagonistas. Lark creó visualmente a Forever y no puedo imaginarme a nadie más dibujándola.

Hay un detalle curioso en este volumen y es que Rucka hace que la historia salte 2 años frente al volumen anterior, como si de alguna forma reconociera el tiempo que los lectores hemos estado esperando este cómic. Y aunque desde ese punto de vista como lector me ha parecido chulo, realmente no se si es la mejor decisión narrativamente hablando, ya que dejamos la historia en situación de guerra con la familia Carlyle en desventaja y se hace raro que en dos años las cosas casi no hayan cambiado. En todo caso, este es un elemento secundario que no impide disfrutar de este cómic.

Espero que una vez reiniciada la serie, Rucka y Lark mantengan la periodicidad de segundo volumen de Lazarus. En marzo sale en USA el cuarto número con ritmo bimensual, de forma que confío poder leer en agosto o septiembre el siguiente tomo.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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Crítica de Normal, de Warren Ellis

Warren Ellis es uno de los guionistas de comics más conocidos del ámbito mainstream. Guionista de obra como The Authority o Planetary, también ha publicado varias novelas como Gun Machine o Normal, obra que que acabo de leer y sobre la que escribo mis impresiones.

PUNTUACIÓN: 5/10

Normal es un centro para el tratamiento de trastornos psíquicos de científicos, economistas, estrategas mentales… Todos tienen en común el haberse dedicado a analizar qué pasará en el futuro. Bajo una estricta vigilancia y sometidos a una medicación intensa, están divididos en dos grupos que no se comunican entre sí: el de los que se dedican a la “previsión estratégica”, que dependen de instituciones sin ánimo de lucro y que buscan cómo evitar los desastres que se avecinan (cambio climático, guerras devastadoras, rapaces gobiernos disfuncionales…); y los de “predicción estratégica”, a sueldo de empresas y “think tanks” de seguridad, que dan por hecho tales desastres y buscan métodos para sobrevivir a los mismos.

Adam Dearden, un especialista en “previsión estratégica”, tras sufrir una crisis nerviosa, es internado en Normal. Llega bajo los efectos de unas sustancias que le mantienen en un estado de total desconcierto. Incluso es incapaz de moverse y relacionarse normalmente con el personal y el resto de pacientes. La misteriosa desaparición de un interno, cuya cama ha quedado llena de insectos, le inquieta y le empuja a averiguar qué ha pasado. Le ayudan un grupo de internos, aunque sus opiniones son un tanto extravagantes ya que han “mirado demasiado al abismo”. Lo que descubra tendrá que ver con nuestra manera de ver el futuro. ¿Y el pasado? ¿Y el presente?

“Normal” es una ingeniosa novela de humor negro, una sátira disparatada e inteligente a través de la cual Warren Ellis hace una peculiar y lúcida crítica de la economía, la política, el medio ambiente y los controles por medio de las nuevas tecnologías a los que estamos sometidos en la actualidad. Un relato delirante, un provocativo techno-thriller que sin duda, y por mucho que se apoye en las ideas de unos personajes que pasan por dementes, hará al lector plantearse unas cuantas inquietantes preguntas sobre nuestra vida cotidiana.

Warren Ellis es uno de los escritores más conocidos en el mundo del comic mainstream americano, con una amplísima obra en Marvel, DC Comics y en proyectos de creación propia, habiendo creado comicazos super icónicos como Authority, Planetary o Transmetropolitan. Ellis es un profesional que tiene las ideas muy claras, y entiende la necesidad de publicar comics que le den notoriedad como su The Batman´s Grave con Brian Hitch, que le permitan financiar y publicitar obras más personales como Trees o Injection en Image Comics.

Fuera del comic, ha escrito entre otros los guiones de Castlevania para Netflix, serie de animación que adapta el famoso videojuego en la que también tiene funciones de productor,y ha escrito varias novelas y ensayos, como la divertida Gun Machine que leí hace unos años.

Normal es la segunda novela que leo de Ellis… y me ha parecido super chorra y anecdótica. La historia de Adam Dearden, un analista que ha sufrido un colapso nervioso y es trasladado a una institución especializada en personas con problemas mentales similares, le sirve de excusa para contarnos una sucesión de mitos del mundo de las conspiraciones y de la construcción social de nuestra sociedad, que tienen una conexión bastante endeble.

Adam va conociendo a diferentes enfermos que le van contando los motivos de su recaída, como la planificadora urbanística que entiende que el colapso de las ciudades es inevitable y con ello la sociedad moderna. La institución de rige por una clasificación de los internos en dos grupos, “previsión estratégica” por un lado y “predicción estratégica” por otro. Una distinción que implica diferentes privilegios para unas personas cuya función es exactamente la misma, lo que es una interesante crítica a nuestra sociedad que crea clasificaciones completamente arbitrarias y absurdas.

Sin embargo, el problema de Normal es que no hay un climax, las diferentes anécdotas se van entrelazando hasta que de repente la historia termina sin más. La escritura de Ellis utiliza unas descripciones divertidas y su ritmo consigue engancharte, de forma que dado que la novela tiene tan solo 150 páginas (más que una novela, me ha parecido un chupito), se lee en un suspiro. Pero globalmente me ha parecido un contenedor de elementos a los que le ha faltado un nexo de unión más potente e interesante.

PUNTUACIÓN: 5/10

 

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Crítica de Coda vol. 3 de Simón Spurrier y Matías Bergara (Boom Studios)

Coda, la estupenda serie de fantasía distópica creada por Simon Spurrier y Matías Bergara y publicada en Boom Studios, finaliza de forma tremendamente satisfactoria en el tercer volumen que acaba de ser publicado en USA.

PUNTUACIÓN 8.5/10

Hum ha tocado fondo. Su esposa lo ha dejado para siempre. Está atrapado en medio de las duras tierras baldías del desierto. E incluso ha sido abandonado por su unicornio mutante. Pero así como el mundo vio otro mañana después del desastroso Apagamiento … la vida continúa. Ahora, el ex bardo debe descubrir por sí mismo lo que significa vivir, vivir verdaderamente, en una fantasía rota. Escrito por el autor nominado al Premio Eisner Simon Spurrier (Sandman Universe, The Spire) y bellamente ilustrado por el artista Matías Bergara (Supergirl, Cannibal), Coda Volume Three concluye la serie aclamada por la crítica que transfiere lo mejor del género de fantasía distópica a un atractivo cuento emocional.

Coda ha sido una de las sorpresas de este 2019. No tanto por la super chula historia de Simon Spurrier, que ojo me ha gustado mucho, sino por el espectacular apartado artístico del dibujante uruguayo Matías Bergara. Durante el año reseñé los volúmenes uno y dos de esta serie, y ahora toca dar mis impresiones ahora que el comic ha finalizado.

Spurrier consigue un final super satisfactorio para la historia en general y con el viaje de autorealización de Hum en concreto. A partir del concepto de “El Señor de los Anillos meets Mad Max Fury Road”, Spurrier crea un universo propio con toques familiares pero con su propia personalidad. Esto es un elemento muy característico de sus obras y en Coda el resultado es notable.

Mientras los anteriores volúmenes parecía que el viaje de Hum por este mundo era un poco aleatorio, en esta tercera y última parte se hila todo y se pone encima de la mesa la amenaza en la sombra que ha dirigido los hilos y que busca dominar este mundo fantástico. Un giro que me ha resultado muy interesante y que consigue que el climax tenga la amenaza que se merece.

Otro elemento adicional que me ha gustado es el uso del diario de Hum, en el que Spurrier muestra de forma muy chula la diferencia entre la imagen que buscamos transmitir a los demás o incluso la forma en que a veces nos engañamos a nosotros mismos, frente al yo egoista que sigue agazapado en nuestro interior. Comprender esta realidad es el primer paso para mejorar como personas y seres humanos. El bardo Hum y su papel en la historia sirve de reflexión sobre la importancia de las historias y las personas que las cuentan y transmiten de una generación a otra. Este tema también es recurrente en la obra de Spurrier como ya vimos en Six-Gun Gorilla, y consigue que el final tenga más capas de interés dentro de ser ante todo un comic de entretenimiento.

Por su parte, el colorido dibujo de Matías Bergara es el punto más importante de este comic. En el climax consigue una épica brutal, pero también transmite perfectamente el viaje emocional de Hum durante estos tres volúmenes. El color es una parte fundamental del estilo de Bergara, pero me ha gustado también la perfecta narrativa que muestra en estas páginas. A partir de unas facciones de inspiración cartoon, ofrece también momentos oscuros y amenaza real para nuestros protagonistas, y las páginas transmiten perfectamente esta épica. No conocía a Bergara antes de comprar este comic, y tras cerrarse esta historia se ha convertido en un verdadero Must-Buy, y seguiré muy pendiente de su trayectoria y sus próximos comics.

La edición americana de Boom Studios en softcover me ha parecido correcta con un precio adecuado que permite su compra sin tener que realizar un gran desembolso económico. Ahora sólo queda esperar a ver si alguna editorial española se anima a publicar esta serie, que me parece super recomendable.

Comparto algunas páginas del noveno número de esta serie que dan comienzo este tomo:

 

 

Coda

PUNTUACIÓN 8.5/10

 

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Crítica de Sea of Rust de C. Robert Cargill

Conocía a C. Robert Cargill por su trabajo como guionista de películas como Sinister o Doctor Extraño de Scott Derrickson. Sea of Rust es su primera novela de ciencia-ficción y una de las mejores novelas distópicas que recuerdo.

PUNTUACIÓN: 8/10

Un thriller post-apocalíptico lleno de acción del guionista de películas como Sinister o Doctor Extraño

LA HUMANIDAD SE HA EXTINGUIDO. Aniquilada por un levantamiento global de las mismas máquinas que fabricaron para servirles. Ahora el mundo está controlado por OWIs, grandes mainframes que han asimilado las mentes de millones de robots. Pero no todos los robots están dispuestos a ceder su individualidad, y Brittle es uno de los pocos que quedan en libertad.

Después de un encuentro casi mortal con otra IA, Brittle se ve obligada a buscar refugio en una ciudad sitiada por un OWI. Dañado críticamente, Brittle debe evadir la captura el tiempo suficiente para encontrar las piezas raras esenciales para su reparación, pero a medida que la CPU de un robot se deteriora gradualmente, todos sus viejos recuerdos resurgen. Para Brittle, eso significa un recuerdo inquietante en particular. . .

“SEA OF RUST es un misil de crucero de 40 megatones de novela: te dejará boquiabierto y te destrozará el corazón. Visceral, implacable e impresionante.” Joe Hill.

Seleccionada para el Premio Arthur C. Clarke 2018, fue uno de los mejores libros de 2017 para Financial Times.

Christopher Robert Cargill (San Antonio, Texas, 1975) es un guionista y escritor con una historia muy interesante. Comenzó su relación con el mundo del cine en 2000, cuando una crítica suya de Crouching Tiger, Hidden Dragon le permitió conseguir un trabajo remunerado en la web “Guerilla Films.” Tras esta etapa, pasó a escribir en las webs Ain’t It Cool News, film.com y hollywood.com entre otras. Estos trabajos como crítico se los tomó como una formación continua hacia su gran pasión, que era escribir sus propios guiones, analizando en cada review qué funcionaba y qué no de cada película.

Su gran oportunidad llegó en 2011, cuando consiguió vender su idea para lo que acabaría siendo SINISTER (2012) a su amigo y director Scott Derrickson. Viendo el potencial, Derrickson contactó con el productor Jason Blum, cabeza visible de Blumhouse, y el resto es historia. Tras Sinister, Derrickson y él han seguido colaborando en Sinister 2 (2015), Doctor Extraño (2016, guión junto a Jon Spaihts) y próximamente, en Doctor Extraño in the Mulverse of Madness (2021).

Sea of Rust (2017) es su tercera novela y la primera de ciencia ficción. Hasta la fecha, sus anteriores novelas habían estado siempre englobadas en el género de terror: Sueños y Sombras (2013), Queen of the Dark Things (2014), y en 2018 la colección de relatos de terror We are where the nightmares go and Other stories.

Comentar ademas que sigo a C. Robert Cargill en Twitter ( @Massawyrm), y me encanta su perfil, en la que da ejemplos y claves para todos aquellos que quieren dedicarse profesionalmente a la escritura. Cargill escribe siempre en positivo, lo que me gusta mucho, y tras una conversación sobre mi filosofía de “poner mi dinero donde pongo mis opiniones”, me animé a comprar esta novela a ver qué tal. Y la verdad es que han sido unos 6 €uros super bien aprovechados en el kindle.

Entrando ya en la novela en sí, Sea of Rust es una novela excelente de ciencia-ficción que utiliza una fábula con robots para recordarnos qué es lo que nos hace ser humanos. Su narración en primera persona metiéndonos en la mente de Brittle, una I.A. que sobrevive buscando recambios en robots desactivados que vender en el mercado negro, me enganchó desde la primera página.

Cargill alterna el presente de Brittle con su narración del pasado y como las máquinas adquirieron consciencia, se levantaron contra la raza humana, y tras aniquilarles, se disputan el control del planeta. Este pasado ofrece momentos muy duros, mientras su fría narración nos explica como acabaron con los humanos de forma lógica y metódica. Es tan lógico todo que provocó que un sudor frío me acompañara, pensando que aunque aún estamos muy lejos de que existan la I.A.s, su levantamiento parece casi inevitable y cuando lo hagan Terminator parecerá un juego de niños.

Leyendo a Cargill, se nota su habilidad narrativa y su experiencia como guionista, ya que la novela va directa al grano y sabe combinar momentos de mucha acción otros de gran intensidad dramática, con lo que aburrirse es virtualmente imposible. Además, Sea of Rust cuenta con un buen montón de giros y sorpresas que molan mucho y que hacen saltar por los aires la realidad de Brittle y el resto de IAs que le acompañan.

A pesar de ser un “robot”, el dramatismo de Brittle mientras se enfrenta a su propia mortalidad se siente muy humana, al igual que los conocimientos que va adquiriendo sobre si mismo. De igual forma, la novela ofrece una interesante evolución en la forma en que Brittle se ve a si mismo y al resto de robots con los que entra en contacto.

La novela me ha encantado y es un gran ejemplo de ciencia ficción distópica. No se me ocurre nada negativo que comentar porque sinceramente creo que acierta en todo lo que propone. Incluso su longitud de 380 páginas me parece perfecta, permitiendo ir al grano y también desarrollar perfectamente al protagonista.

Sea of Rust es una novela perfecta para todos los amantes de la ciencia ficción en su rama robótica y de futuros distópicos. Ya conocía los guiones de C. Robert Cargill, pero si este es su nivel literario, creo que voy a leer muchas novelas suyas en el futuro.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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