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Crítica de The vast of night de Andrew Patterson (Prime Video)

Tras las efusivas alabanzas de Guillermo del Toro en redes sociales hacia The vast of Night, no tuve más remedio que ver esta película dirigida por el debutante Andrew Patterson, aprovechando que está disponible en Prime Video.

PUNTUACIÓN: 7/10

Nuevo México, Estados Unidos. Dos trabajadores de una radio local, un operador de radio y un pinchadiscos, descubren en la década de los años 50 una frecuencia que podría cambiar su vida y la de toda la humanidad para siempre. (FILMAFFINITY)

Andrew Patterson es un cineasta estadounidense nacido en 1982 en Oklahoma. The Vast of night es su primer largometraje y ganó el Premio del Público a la Mejor Narrativa en el pasado Festival de Cine Slamdance de 2019, siendo muy bien valorada en otros festivales en los que participó. Patterson, además de dirigir escribió el guión junto a Craig W. Sanger, bajo el pseudónimo de James Montague (también listado como productor).

Con muy poca formación académica, Patterson optó por empaparse de los maestros para ver qué funcionaba y por qué en sus películas. Según el propio Patterson, “No tenía a nadie a quien preguntar, así que traté de extrapolar todo lo que pude viendo películas de [David] Fincher y estudiando los making-ofs y comentarios de sus películas, para así poder desmenuzarla.” Por ejemplo, Patterson recuerda haber visto The Social Network, preguntándose por qué cada escena se veía de una manera, y con qué objeto.

Patterson financió él mismo la película con las ganancias de su trabajo produciendo comerciales y cortometrajes para el Oklahoma City Thunder y otros. Con un coste de 700.000 dólares, rodó la película durante casi 4 semanas en Whitney, Texas. Esta ciudad fue seleccionada al contar con un gimnasio adecuado para el periodo histórico de la película.

Patterson pasó un año editando la película, que tuvo como director de fotografía a  M.I. Littin-Menz, ¿también un pseudónimo?

La película está interpretada por Sierra McCormick como la joven telefonista aspirante a periodista Fay Crocker, y por Jake Horowitz como Everett, el locutor de la cadena de radio local.

Actualmente los espectadores disponemos que tanta oferta cinematográfica, televisiva o comiquera que es imposible verlo o leerlo todo. Es por esto que muchas veces es muy complicado ver películas “pequeñas” a no ser que alguien conocido te la recomiende. O, en este caso, una fuente autorizada como es el genial Guillermo del Toro, que la alabó efusivamente en redes sociales la semana pasada.

Esto ya por si mismo es algo muy bueno, y de hecho, si vi The vast of night fue precisamente por las palabras de Del Toro. Aunque por otro lado pone las expectativas no se si imposiblemente altas.

De hecho, aunque he empezado la reseña con la ficha técnica y los detalles del interesante director Andrew Patterson, lo cierto es que no conocía nada absolutamente de la película antes de empezar su visionado, ni siquiera la sinopsis. Lo que creo que explica en parte algunas de mis sensaciones sobre la película.

El visionado de la película sin referencias de ningún tipo hizo que me encontrara con una película pequeña que podría haber pasado perfectamente como un episodio de “Twilight Zone”, y no uno de los mejores. De hecho, hay un elemento claro de homenaje de Patterson hacia estas antologías televisivas de ciencia ficción al enmarcar esta historia como un episodio del Paradox Theatre (Teatro de las Paradojas).

The Vast of night dura hasta el inicio de los títulos de crédito unos justitos 85 minutos, de forma que este “homenaje” en parte me dió la sensación de que era una forma imaginativa de ocupar algunos minutos para conseguir una duración de la película suficiente para su estreno en las salas comerciales.

Debo reconocer que este feeling de serial de ciencia ficción le va perfecta a esta película ambientada en los años 50 inspirada en las historias de OVNIs. Aunque tampoco puede evitar transmitir que estamos ante una película de muy bajo presupuesto.

Sí encuentro muy positivo el hecho que para ser la primera película de Patterson realizada sin casi medios, está repleta de estilo. Resulta notable comprobar su control del ritmo y cómo sabe rodar de forma intereante una película que en lo fundamental muestra a pocas personas hablando en un espacio cerrado. Unos diálogos que me parecen super interesantes y que consiguen mantener la atención del espectador y  crear una tensión in-crecendo.

Patterson realiza además unos larguísimos travellings durante varios momentos de la película que indican un intento de crear una obra con personalidad. Aunque esto en parte lo veo un elemento positivo, también me pareció durante el visionado una forma elegante aunque algo vacía de alargar una historia que no daba tanto de si,

Dado que vi la película en casa gracias a mi suscripción a Prime Video no me arrepiento de haberla visto y juzgándola con el vaso medio lleno creo que hay suficientes elementos para invitar a la esperanza. Entiendo que si Patterson pudo crear esta película casi de la nada, podrá crear algo realmente interesante con una producción de mayor nivel.

Comparto el trailer de la película:

The vast of night me parece una película interesante como debut cinematográfico pero poco más. En todo caso, teniendo en cuenta que Patterson realizó casi completamente la película con cuatro duros, me parece una fantástica tarjeta de presentación.

PUNTUACIÓN: 7/10

 

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Crítica de Gran Torino de Clint Eastwood (HBO)

Me he dado un homenaje para mi despedida a mi suscripción a HBO del último mes, y he aprovechado para volver a ver Gran torino, el clásico de Clint Eastwood de 2008, aprovechando además que acabamos de celebrar su 90 cumpleaños.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Walt Kowalski (Clint Eastwood), un veterano de la guerra de Corea (1950-1953), es un obrero jubilado del sector del automóvil que ha enviudado recientemente. Su máxima pasión es cuidar de su más preciado tesoro: un coche Gran Torino de 1972. Es un hombre inflexible y cascarrabias, al que le cuesta trabajo asimilar los cambios que se producen a su alrededor, especialmente la llegada de multitud de inmigrantes asiáticos a su barrio. Sin embargo, las circustancias harán que se vea obligado a replantearse sus ideas. (FILMAFFINITY)

En 2008 Gran torino significaba la despedida de la interpretación de un Eastwood que es ese momento tenía 77-78 años, lo que convirtió la película en un autentico acontecimiento para los fans del actor y director. Dicho esto, el año pasado, 11 años después, pudimos volver a disfrutarle en la notable The Mule.  Eastwood dirige, produce, protagoniza y escribe la música junto a Michael Stevens.

Nick Schenk escribe el guión a partir de una historia suya y de Dave Johannson. La película cuenta con Tom Stern como director de fotografía, que contó con el montaje de Joel Cox y Gary D. Roach.

Además de Eastwood como Walt Kowalski, la película está interpretada por Bee Vang como Thao Vang Lor, un joven de la comunidad Hmong de Detroit (Michigan) vecinos de Kowalski. Ahney Her es su hermana Sue Lor, que se harán amigos del anciano de malas pulgas. Por último, Christopher Carley interpreta al Padre Janovich.

¿Quién son los Hmongs? Se trata de una comunidad que vive/vivía en el sudeste asiático, Vietnam, Tailandia y el sur de China entre otros. Durante la guerra de Vietnam esta comunidad se unió con el Vietnam del Sur aliado de los Estados Unidos, y cuando terminó la guerra, ante las inminentes represalias del Vietcong, hubo un importante éxodo de esta comunidad a los Estados Unidos.

Aunque el guión inicial estaba ambientado en Minnesota, finalmente se rodó en Detroit debido a las ayudas fiscales que ofrecía este estado. Para el rodaje de Gran Torino, Eastwood a través de su productora Malpaso contrató a numerosas personas de la comunidad local Hmong para realizar trabajos de producción y asesoramiento para la película. Además, Eastwood contrató a actores Hmong no profesionales para la película, entre los que estaban los propios protagonistas Bee Vang y Ahney Her.  Así que frente a los activistas de salon que se lucen en Instagram, Eastwood optó por ayudar a esta comunidad de la única forma que vale, dándoles trabajo y haciendo esta película que ofrece una visión mayoritariamente positiva de esta comunidad.

Grand Torino del maestro Clint Eastwood es ya un clásico que reúne en esta historia crepuscular muchos de los mitos de la filmografía de Eastwood. Walt Kowalski simboliza a todos los papeles de Eastwood, un tío duro que odia a todo el mundo porque no se ajustan a su inflexible moral y valores. Empezando por su propia familia, que son quizá los que peor parados salen. La mala baba de Eastwood ante la sociedad americana actual que está creando chavales pusilánimes y caprichosos es indudable, y la muestra con unas estupendas dosis de humor negro. En este aspecto, toda la película es oro puro.

Sobre las crítica de racismo de gente que claramente no entendió la película, no hay duda que para Eastwood los personajes buenos y positivos de la película son los 2 hermanos de la comunidad Hmong vecinos de Kowalski. Hermanos que además consiguen que Walt acabe mejorando como persona al conocerles, evolucionando más allá de los estereotipos creados a lo largo de toda una vida.
El final es triste pero lógico, ya que si el viejo luchador no tiene sitio en este mundo políticamente correcto, al menos que su muerte sirva para algo. Entiendo que este final es una metáfora sobre la visión que Eastwood tenía de si mismo en el negocio del cine. Eastwood es un autor con una voz propia diferente a todos, y cada vez más se ha convertido en un director que parece sacado de otro tiempo.
Gran Torino está contada desde el clasicismo más absoluto. Todos los planos y las escenas están planteados para contar la película de la forma clara y fluida. La música ayuda también a dotar a Gran Torino de una cualidad atemporal que la hace perfectamente actual y a la vez sientes que podría haberse rodado perfectamente en los años setenta u ochenta. Eastwood consigue expresar muchísimo con su personaje a partir de una interpretación super minimalista en la que los tics de su cara y sus gruñidos cuentan más que cualquier línea de diálogo. Eastwood nunca  fue un actor de gran expresividad, pero sí creo que es un estupendo actor que consigue maximizar la potencia de su interpretación, lanzando su carisma hasta la estratosfera.

A partir de un presupuesto de 30-35 millones de dólares, la película recaudó 270 millones, lo que significó un enorme éxito de taquilla y mostró que sigue existiendo público para sus películas, como hemos seguido viendo con otros peliculones suyos posteriores, como Richard Jewell este mismo año.

Comparto el trailer de la película:

Gran Torino es un clásico dentro de la excelente filmografía de Eastwood, un maestro del cine del siglo XX y XXI que ningún fan del autor debería perderse.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

 

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Crítica de Oculus: El espejo del mal de Mike Flanagan (Prime Video)

Aprovechando mi suscripción a Prime Video he visto una de las primera películas del genial director Mike Flanagan, Oculus: El espejo del mal de 2013, que muestra algunas de las claves de su excelente futura filmografía.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Hace tiempo que un asesinato dejó huérfanos a dos niños. Las autoridades culparon al hermano, pero la hermana creció creyendo que el verdadero culpable había sido un antiguo espejo maldito. Ahora, completamente rehabilitado y con veinte años cumplidos, el hermano está listo para empezar de nuevo, pero la hermana está decidida a demostrar que fue el espejo lo que destrozó a su familia. (FILMAFFINITY)

MIke Flanagan dirige, monta y escribe el guión, junto a Jeff Howard, de esta película, que cuenta con fotografía de Michael Fimognari y música de The Newton Brothers. La película fue producida por Blumhouse por tan solo 5 millones de dólares, consiguiendo una recaudación de 40, lo que indica que fue muy rentable para los productores.

La película está protagonizada por Karen Gillan, Brenton Thwaites, Katee Sackhoff, Rory Cochrane, Annalise Basso y Garrett Ryan.

Oculus: El espejo del mal es un triunfo total para Mike Flanagan en lo referido a narrativa, ambientación y ritmo, a la vez que da muchas claves de su filmografía posterior, como El juego de Gerald, The Haunting of Hill House o Doctor Sueño.

La historia de unos hermanos que sufren un trauma en su niñez que les marca en su vida adulta nos recuerda a numerosas historias de Stephen King, del que Flanagan es fan absoluto. Kaylie Russell, interpretada por Karen Gillan de mayor y por Annalise Basso como niña de 12 años, es la hermana mayor de la familia, mientras que Brenton Thwaites es su hermano pequeño Tim, que en su versión infantil de 10 años está interpretada por Garrett Ryan. Los padres de Kaylei y Tim están interpretados por Katee Sackhoff y Rory Cochrane.

Está claro que este argumento de un objeto oscuro que trae la desgracia a un hogar y unos niños cuyo trauma sufren durante años no son nada novedosos dentro del género de terror. Sin embargo, la ejecución de Flanagan me parece modélica, construyendo una tensión creciente mientras vamos conociendo la historia de Kaylie y Tim en el presente y en el pasado. Los adultos son geniales, pero los niños me han encantado, y creo que todo el casting es un gran éxito.

Flanagan no es de crear sustos fáciles, aunque alguno hay, ni presentar escenas gores, confiando todo a la construcción de la tensión. Y aunque el ritmo es pausado mientras descubrimos si el espejo es realmente malvado o si todo son problemas mentales de los niños, crea momentos super chulos mientras elementos del pasado se ven reflejados en el presente y viceversa. De hecho, este elemento circular me parece otro de los elementos brillantes del guión, que coloca los diferentes giros y sorpresas milimétricamente.

Oculus me parece una película modesta que sin embargo acierta en prácticamente todo lo que plantea. Suelo indicar en todos los artículos alguna cosa que no me ha gustado demasiado de cada película, pero en este caso el visionado me ha dejado totalmente satisfecho.

Comparto el trailer de la película:

Oculus: El espejo del mal es una notable película que encantará a todos los fans del género de terror y que me ha gustado mucho.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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Crítica de Artemis Fowl de Kenneth Branagh (Disney+)

Desde el estreno del canal online Disney+, una queja recurrente ha sido la poca cantidad de novedades de nivel que ha ofrecido en los últimos meses. El estreno de Artemis Fowl, dirigida por el director Kenneth Branagh adaptando los libros de Eoin Colfer, es la primera sorpresa positiva de las últimas semanas y casi meses. Ahora bien, ¿estará a la altura de las expectativas ante la falta de estrenos? Vamos a verlo.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

Artemis Fowl, un joven criminal irlandés, rapta a Holly Short, un hada, con la intención de pedir un rescate que le permita salvar a su padre. Una vez logra cumplir sus intenciones, se embarca en una aventura que le llevará a luchar contra la maléfica hada Opal Koboi. Adaptación del libro de Eoin Colfer. (FILMAFFINITY)

Kenneth Branagh es un director todo terreno que tan pronto brilla con su formación Shakespeariana como nos ofrece un espectáculo palomitero de primer nivel con Thor (2011). En todo caso, dado la dureza del mundo de Hollywood en que vales tanto como el resultado de tu última película, habrá que ver en qué estado queda su reputación tras esta película, sobre todo teniendo en cuenta que también dirigió el decepcionante reboot Jack Ryan: Operación Sombra (2014), que fue un sonoro fracaso comercial.

A partir de los libros juveniles bestsellers de Eoin Colfer, Michael Goldenberg, Conor McPherson y Adam Kline escriben el guión de esta adaptación, que cuenta con fotografía de Haris Zambarloukos. Patrick Doyle escribe la partitura.

El reparto cuenta con actores muy conocidos como la gran Judy Dench, Colin Farrell o el humorista Josh Gad que acompañan a los novatos protagonistas Ferdia Shaw y Lara McDonnell.

La película tenía prevista su estreno el mes de abril en todo el mundo, pero el cierre provocado por el COVID-19 provocó que Disney cancelara su estreno, para decidir semanas más tarde su estreno en Disney+. Esto hizo que salieran todo tipo de especulaciones al respecto sobre la calidad de la película, acentuado por un presupuesto superior a los 125 millones de dólares que algunos analistas dudaban que pudieran rentabilizarse en su estreno en salas de cine.

Además, merece destacarse que frente a las exitosas franquicias de Marvel, Star Wars y Pixar, las últimas películas de imagen real de Disney han sido bastante mediocres, teniendo en cuenta los sonoros fracasos de Tomorrowland o A Winkle in Time.  Y lamentablemente, debo decir que Artemis Fowl  es un nuevo fail que incluso me hace preguntarme si este guión debió rodarse en primer lugar.

Otro aspecto que quiero comentar es que NO he leído los libros, y aunque ya he visto en varios sitios que como adaptación deja bastante que desear, este aspecto no entra en mi valoración. Si la película fracasa en mi opinión es por si misma y por las decisiones que toman.

Si tengo que empezar por lo positivo, a mi hijo de 12 años (tiene la misma edad que el protagonista), le ha gustado. Supongo que solo por eso la película ya cumplió su objetivo, porque claramente yo no soy el público que Disney buscaba al hacer la película.

También la interpretación de Lara McDonnell como la hada Holly Short, que acabará siendo amiga de Artemis, que me parece transmite el optimismo juvenil y una mirada inocente y pura al mundo de los humanos. Lástima que sea la única interpretación salvable en mi opinion, lo que ya indica un problema grave.

También pondría en lo positivo que al menos los 125 millones de presupuesto se ven en pantalla, y hay momentos visualmente chulos como los dos pliegues temporales que molan. Lástima que estas escenas sean lo único destacable de una película muy pobre y gris que parece una mala copia de muchas otras películas previas. Y aquí acaba lo bueno. En serio.

Y es que pasando a lo que no me ha gustado, el casting de Ferdia Shawn como protagonista me parece un error de proporciones colosales. Shaw hace que un enorme esfuerzo en conseguir que Artemis Fowl sea otra película de niño repelente. Además, no es sólo que no transmita la más mínima empatía para que los espectadores conectemos con él, es que Fowl piensa el plan, pero realmente él no hace nada realmente importante en pantalla, son los demás los que actúan por él.

Fruto de un guión terrible, la película nos cuenta según la publicidad la historia del mejor ladrón del mundo… que sin embargo no roba nada durante los 90 minutos de película. Pero es más, la idea central de la película es tan ridícula, no teniendo en cuenta además los cambios frente a los libros, que me asombra que nadie en Disney se diera cuenta que la película no tenía ni pies ni cabeza. O tal vez si se dieron cuenta y por eso la pasaron a Disney Plus ahorrándose el más que probable descalabro en las salas de cine.

Para hacer las cosas peores, no hay un villano al que enfrentarse, ya que a la maléfica Opal Koboi no se la ve en pantalla y utiliza a esbirros interpuestos, lo que quita toda sensación de peligro real.

Diría que Artemis Fowl sufre además el problema de algunas franquicias corporativas. Tan empeñados estaban en crear esta franquicia pensando lo buenas que serán las próximas películas, que se olvidaron completamente en crear un mundo al que los espectadores queramos volver en primer lugar. Y esta película ha matado cualquier intento de crear una franquicia, la nacido muerta.

Hay además una sensación en todo el visionado de “esto ya lo he visto antes” brutal, con el añadido que Artemis Fowl siempre sale perdiendo. La película a ratos recuerda a Harry Potter, en otro momento a Percy Jackson, e incluso a un Wakanda de mercadillo chino. Nunca consiguen crear una sensación de que la película tenga o busque su propia personalidad, sino de crear un greatest hits de cosas populares que si las ponen juntas en una película deberían funcionar y hacer que la película molara. Y obviamente esto no es tan sencillo. De hecho, lo único que transmite esta mezcla es que la película nació vieja y pasada de moda, o que estando recién estrenada, no ha envejecido nada bien.

Otro hecho que me deja perplejo es que la película dura 90 minutos justitos. No sé si han cortado mucho en la sala de montaje y quitaron todo el world-building que hubiera hecho este mundo más interesante, pero esta duración me dice que una vez estrenaban en Disney+, mejor hacerla con una duración televisiva estandard. Aunque por otro lado, la idea principal es tan tonta y el personaje de Fowl tan repelente que no tengo claro que una mayor duración hubiera mejorado la película.

Comparto el trailer de esta película:

Artemis Fowl es un fracaso total que solo recomiendo para los más pequeños de la casa, avisándoos a los padres por adelantado, para que os arméis de paciencia si es que al final la tenéis que ver.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

 

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Crítica de Da 5 Bloods de Spike Lee (Netflix)

Netflix ha estrenado la última película de Spike Lee, Da 5 Bloods, una relectura desde su particular punto de vista de lo que supuso para la comunidad afroamericana la guerra de Vietnam. Una película con elementos muy interesantes pero también otros fallidos.

PUNTUACIÓN: 6/10

Cuatro excombatientes afroamericanos -Paul (Delroy Lindo), Otis (Clarke Peters), Eddie (Norm Lewis) y Melvin (Isiah Whitlock, Jr.)- regresan a Vietnam en busca de los restos del jefe de su escuadrón, caído en combate (Chadwick Boseman), y la promesa de un tesoro escondido. Junto al hijo de Paul (Jonathan Majors), se enfrentarán a obstáculos naturales y humanos, y constatarán los estragos causados por la inmoralidad de la guerra de Vietnam.

El génesis de esta película nace en 2013 cuando Danny Bilson y Paul De Meo escribieron el guión The Last Tour, con la esperanza que Oliver Stone lo dirigiera. Tras abandonar el proyecto, el proyecto cayó en las manos de Spike Lee y Kevin Willmott, que reescribieron el guión añadiendo el punto de vista afroamericano a la historia tras su éxito en Blackkklaansman.

Tras confirmar Netflix la producción de la película con un presupuesto de 40 millones, el rodaje de la película tuvo lugar a partir de marzo de 2019, rodando en localizaciones de  Ho Chi Minh City, Bangkok y Chiang Mai, contando Lee con Newton Thomas Sigel como director de fotografía. Terence Blanchard escribe la música de la película que cuanta además con canciones de Marvin Gaye.

La película tiene una duración de 150 minutos y contó con un montaje de Adam Gough.

En lo referido al reparto, Delroy Lindo es el gran protagonista de la película y no me extrañaría que acabara siendo nominado al Oscar. Lindo interpreta a Paul, uno de los miembros de un comando de  cuatro afroamericanos que vuelven a Vietnam a recuperar los restos del líder del grupo,”Stormin’ Norm” Holloway (Chadwick Boseman) fallecido durante la guerra.

El resto de miembros del comando está formado por Otis (Clarke Peters), Eddie (Norm Lewis) y Melvin (Isiah Whitlock Jr.), que también tienen todos una cuenta pendiente de saldar con su pasado. El hijo de Paul, David (Jonathan Majors), al que su padre ha abandonado durante años también les acompañará para intentar un último acercamiento con su padre.

Del resto del reparto destacaría a Jean Reno como Desroche, un hombre de negocios al que contactan los soldados, Mélanie Thierry como Hedy Bouvier, una joven que ha creado una empresa para desactivar minas en la selva, Paul Walter Hauser, que ya trabajó con Lee en Blackkklansman, es Simon, un compañero de Hedy. Por último, Lê Y Lan interpreta a Tiên, novia de Otis durante la guerra a la que volverá a ver al llegar a Vietnam.

La película destaca sobre todo por la alucinante interpretación de Delroy Lindo como Paul, un anciano que nunca pudo superar sus vivencias en la guerra y que es un ejemplo de libro de Síndrome de Stress Post-Traumático (SSPT). Junto a su drama, también he contacto con la situación de su hijo David, genialmente interpretado también por Jonathan Majors, que forman el nucleo emocional de todo. Y como pasa en la vida real, me ha gustado mucho que la película no ofrezca soluciones fáciles a estos personajes. Aunque es muy pronto para saberlo, veo clarísimo que Lindo va a ser nominado como mejor actor en los Oscars, y no descartaría tampoco que Jonathan Majors también lo vaya a ser como a mejor secundario, porque lo hace genial.

Otro elemento chulo de la película que me ha gustado es que la película está rodada en formato normal para todo lo referido al presente, mientras que las escenas durante la guerra de Vietnam están rodadas en un formato cuadrado casi televisivo, como si buscara recrear la forma en que la sociedad americana conoció el conflicto en su día. Es una decisión visualmente muy interesante.

Además, el hecho de haberse rodado en escenarios reales en Vietnam hace que visualmente la película esté plagada de grandes imágenes, de forma que aunque estamos ante una película larga, el visionado ha sido globalmente bastante interesante.

Hay sin embargo varias cosas que no me han encajado durante el visionado. Empezando por la música de Terence Blanchard, que la encuentro totalmente errada. Por ejemplo, en el primer combate del comando durante la guerra de Vietnam, colocan una melodía heroica como si saliera de las Hazañas Bélicas de los años 50 y 60, que no pegan para nada con la historia que nos está contando. Hay otra escena cuando los ancianos vuelven a la jungla en la que colocan la música de Wagner como si fuera Apocalipsis Now, dando la sensación que se está riendo, no se si de nosotros, pero desde luego si del género bélico en general. Lo cual puede parecerle muy divertido y subversido a Spike Lee, pero va en detrimento del tono y del ritmo de la película.

Y hablando de ritmo, la película como comentaba al principio dura casi 150 minutos, y muestra un problema que ya hemos visto en otras películas estrenadas en Netflix: Que te dejen hacer algo no significa que tengas que hacerlo si va a ir en contra de la película. Da 5 bloods es una película a la que le cuesta encontrar su voz, que sufre por no saber encontrar un ritmo uniforme y que hubiera mejorado centrándose en el drama del comando y no en el panfleto político de Lee en el que resalta una y otra vez como los afroamericanos lucharon y murieron en una guerra injusta para un gobierno que mantiene en la pobreza a los afroamericanos.

En todo caso, igual que digo esto, creo que la parte política de la película es más acertada y menos panfletaria que en su anterior película, Blackkklansman. No es nada sutil, en eso Spike Lee no va a cambiar, pero entiendo que durante la guerra de Vietnam y los años sesenta y setenta el racismo era sistémico en la sociedad americana, ¿igual que en la actualidad?

El drama de unos soldados que sufrieron SSPT (Síndrome de Stress Post-Traumático) personalizado en Paul, que pagó sus frustraciones en su hijo David, me interesa. Me interesa mucho. Pero como drama bélico no funciona en absoluto. Y es este intento de Spike Lee de tocar muchos palos el principal problema de la película, en mi opinión.

Además, Spike Lee toma una decisión bastante discutible cuando hace que los mismos actores veteranos interpreten a sus versiones jóvenes durante la guerra de Vietnam. Esto queda rarísimo siempre, entre otros motivos porque obviamente debido a su edad no pueden moverse como soldados en cambate, quitando toda sensación de verosimilitud. También queda raro verles junto a un joven Chadwick Boseman en plenitud física.

Otro elemento que no me ha gustado es que me parece una pasada que en una película de 150 minutos en la que conocemos a 5 comandos (uno fallecido en el pasado), la película solo se moleste en construir al ya mencionado Paul y quizá a Otis, principalmente por el hecho que dejó una mujer en Vietnam que sirve a Lee para mostrarnos el drama de los que se quedaron cuando los Estados Unidos les abandonaron, mientras que Eddie y Melvin pasan prácticamente desapercibidos.

Netflix ha estrenado Da 5 Bloods en medio de un nuevo estallido racial en los Estados Unidos tras la nueva muerte de un afroamericano a manos de la policía. Creo que esto va a provocar que sea un gran éxito de audiencia para la cadena online, consiguiendo que muchísima gente vaya a verla en casa, teniendo en casa que los cines aún no están claramente operativos y aún no se han estrenado ninguna película importante.

En estos momentos en los que aún no hemos salido del confinamiento, los canales online están ofreciendo una gran variedad de contenidos que apelan a todo tipo de espectadores, lo cual es buenísimo.

Comparto el trailer de la película:

Da 5 Bloods tiene cosas interesantes pero también fallidas en mi opinión. En todo caso,  algo Spike Lee tiene algo muy importante ganado, que es que quiera ver su siguiente película a pesar de que está no me haya parecido redonda.

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