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Crítica de Jane Foster Valquiria Vol. 1 de Jason Aaron, Al Ewing y Cafu

El confinamiento provocado por el Covid-19 hizo que me quedara sin poder leer el final del primer volumen de Jane Foster: Valquiria, la nueva serie de Jason Aaron, Al Ewing y Cafu centrada en contar las aventuras de la nueva identidad de Jane Foster, la antigua Thor femenina. Ahora que por fin pasamos a fase 1 de confinamiento pude comprarle a mi librero el quinto y último número de este primer arco y os cuento mis impresiones.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

¡Jane Foster está de vuelta! Durante años, la conociste como la Dra. Jane Foster, una de las compañeras más firmes de Thor Odinson. Entonces la conociste como Thor, Diosa del Trueno, que tomó el manto cuando ningún otro héroe era digno. ¡Ahora Jane asume un nuevo papel como Valkyrie, guía y mujer del ferry hasta la muerte! Pero sus días de batalla están lejos de terminar, ¡especialmente cuando el asesino más mortal del Universo Marvel pone sus manos en la espada de un dios! Con la espada Asgardiana Colmillo de Dragón en su poder, Bullseye tiene el poder de matar a una deidad de un solo golpe, y está a punto de demostrarlo. Jane debe aprender una dura lección: no todas las muertes pueden prevenirse. Pero, ¿quién es el próximo en la lista de Bullseye, y qué busca realmente el asesino?

Este primer volumen recoge los números 1 al 5 de la serie regular más unas páginas del especial Omega de La guerra de los Reinos.

Parece que fue hace una vida cuando el pasado noviembre publiqué mis impresiones del primer número, que puedes leer aqui, un cómic correcto en todo, pero que igual no era suficiente para justificar su compra. Dado que un único número no es suficiente para darte una idea del cómic, decidí darle el margen de comprar el primer arco completo para tomar una decisión definitiva. Decisión y lectura que se han retrasado al cerrarse las librerías antes de poder comprar las últimas grapas.

Empezando por lo positivo, agradezco que Jason Aaron y Al Ewing hayan intentado dotar a Jane Foster de una misión concreta que evitara convertirla en una vikinga genérica con armas chulas con múltiples utilidades. La etapa de Jane Foster en Thor es una de mis favoritas de los últimos años y me daba mucha pena pensar que el personaje caería en el olvido tras el retorno a la serie del titular Thor Odinson.

Ser Valquiria aleja a Jane de los mortales y los asgardianos, al tener la misión de acompañar a los héroes caídos tras su muerte. Esta nueva función entiendo que puede permitir a los guionistas crear historias muy diferentes a lo que estamos acostumbrados y es la primera obligación de un comic, ofrecer un entretenimiento que no parezca una fotocopia de decenas de historias previas.

En el acabado artístico, el dibujante español Cafu un perfecto narrador de estas aventuras, ayudado por el colorista Jesús Aburto. Cafu parece un dibujante de la vieja escuela, centrado en conseguir una perfecta narrativa que aporte fluidez entre viñetas y claridad total.

Cafu dibuja todo este arco excepto algunas páginas del tercer número, que fueron dibujadas por Ramón Pérez, Cian Comey con Roberto Poggi y Frazer Irving. No se si esto vino motivado para darle un descanso a Cafu, pero el guión justifica perfectamente la variación de artistas al hacer saltar a Jane y Heimdall entre dimensiones, haciendo que cada plano de la realidad lo dibuje un artista diferente. Aunque siempre es mejor que un comic lo dibuje un único artista en este caso puede entender que el cambio esté justificado.

Sin embargo, la sensación tras leer este arco es la misma que cuando comencé la serie en noviembre, el cómic es correctísimo en todo, pero no me enamora nada. El guión claramente cumple su función de establecer el nuevo status-quo para Jane, pero la historia me dejó frío, empezando por unos villanos Bullseye y Segador meramente funcionales.

Tampoco el dibujo me enamora, aunque como digo me parece súper correcto dentro del standard de Marvel, lo que significaría que sería top para el 95% de las otras editoriales.  Sin embargo, dentro de esta corrección de Cafu, no veo planos interesantes ni intención de dejarnos con la boca abierta con sus imágenes. Al final, se me queda igual de correcto y plano que el resto de elementos.

La situación económica es la que es, y lamentablemente ya no se puede comprar todo lo que me gustaría, de forma que “correcto” ya no es suficiente, si es que alguna vez lo fue.

Lamentablemente, este quinto número es el último que voy a comprar de Jane Foster: Valquiria. El aumento de precios de Panini, la situación provocada por el Covid-19 y la necesidad de ajustar gastos, y que el cómic en si no deja de ser únicamente correcto precipitan mi decisión. Una pena, teniendo en cuenta lo mucho que me gustó la etapa de Jane Foster como Thor, pero este cómic sencillamente no está al mismo nivel.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

 

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¡Saludos a todos!

Crítica de Daredevil Born Again de Frank Miller y David Mazzucchelli

Obra maestra. Daredevil Born Again de Frank Miller y David Mazzucchelli es la obra cumbre de dos maestros del comic y la mejor historia jamás publicada de un personaje que ha tenido excelentes etapas desde que fue creado en 1964 por Stan Lee y Bill Everett. Un comic imprescindible, una maravilla.

“Y yo os digo… Que un hombre sin esperanza es un hombre sin miedo”. Llega la historia definitiva de Daredevil, escrita y dibujada por dos auténticas leyendas del Noveno Arte. Karen Page, el antiguo amor de Matt Murdock, ha cambiado la identidad secreta del Diablo Guardián por una dosis de droga. Ahora, Daredevil debe encontrar fortaleza mientras Kingpin le golpea como nunca antes lo ha hecho. Si sólo puedes tener un libro de Daredevil en tu biblioteca, debería ser éste.

Daredevil Born Again fue publicado originalmente entre los meses de febrero y Agosto de 1986, en los números 227 al 233 de la serie regular del personaje. 7 números que forman parte de la historia del comic americano. Me parece alucinante que Frank Miller realizara este Born Again al mismo tiempo que su otra gran obra, Batman: The Dark Knight Returns, que fue publicada entre febrero y junio de ese mismo año. Comics que por apenas unos meses no coincidieron con el otro gran cómic de DC Comics de toda su historia,  Watchmen de Alan Moore y Dave Gibbons, cuya publicación empezó en septiembre del mismo año. Bendito 1986.

Para Born Again, Miller utiliza una iconografía católica como metáfora para contarnos la caída y resurrección de Matt Murdock. Porque es Matt el protagonista, no su alter-ego superheroico de Daredevil. El retrato tremendamente humano de todos los personajes y sus propias caídas de gracia y la  forma en que se levantan nos atrapa  de principio a fin.

Si Matt es nuestro Jesucristo, no puede faltar un Judas encarnado en su antigua novia Karen Page, que le vende por una dosis de droga. También su amigo el periodista Ben Urich tiene un papel bíblico, al encarnar al San Pedro que negó tres veces a Jesucristo antes de levantarse para construir su Iglesia. Y si Born Again está llena de metáforas bíblicas, no podía faltar Kingpin como la personificación del mal, que busca destruir al único hombre bueno que intentó oponerse a él y que se deleita con su caída y sufrimiento.

A nivel creativo, Miller condensa toda la experiencia acumulada hasta la fecha demostrando una pericia narrativa asombrosa para un escritor que en ese momento tenía tan solo 29 años y que sin embargo se encontraba en plenitud creativa. Born Again cuenta con un preciso control del ritmo y los tiempos, saltando de forma hábil entre los diferentes personajes, cambiando la voz en off del narrador de la primera de Matt y Ben a la tercera persona de Karen o Kingpin,  apoyándose en unos diálogos y una prosa secos, austeros y certeros. Nunca una palabra de más, condensando toda la acción de la forma más clara y directa, sin florituras innecesarias. Pero creando algunos de los mejores momentos que jamás se han escrito del personaje.

Y si el guión de Miller es maravilloso, no lo es menos el increíble apartado artístico. David Mazzucchelli al dibujo con la colaboración de los coloristas Christie Scheele y Richmond Lewis (que el año siguiente volvió a colaborar con Miller y Mazzucchelli en Batman Year One), crean unas páginas que son historia viva del comic.

Resulta asombroso comprobar que David Mazzucchelli era un recién llegado a Marvel que con 25 años apenas había realizado algunos cómics sueltos en series como Shang-Chi, Indiana Jones, Marvel Team-up o la propia serie de Daredevil con Dennys O´Neill. En Born Again su maestría narrativa es alucinante. No sólo condensa en cada imagen el momento más icónico, es que su narrativa es limpia y fluida, mostrando en todo momento donde están los personajes y qué está sucediendo de la forma más clara posible, haciendo que los lectores podamos seguir la historia sin necesidad de leer los bocadillos de texto.

Si a esta maravillosa habilidad de congelar el tiempo en el momento más icónico le unimos la potencia de las imágenes religiosas, el resultado son algunas de las páginas más bellas que jamás leeremos en las páginas de un comic.

El dibujo de Mazzucchelli es una barbaridad, pero merece la pena detenerse a destacar el color de Christie y Lewis, que consiguen transmitir perfectamente atmósferas opresivas que nos recuerdan las mejores historias de género negro. La primera página en que Karen vende su alma al diablo en México o el purgatorio de Ben Urich en el Bucle asustado tras ser agredido por Kingpin son páginas maravillosas en las que Mazzucchelli muestra una gran compenetración con sus coloristas, dándoles espacio para que se luzcan. O qué decir del ataque de Nuke con el retorno de Daredevil, o los grises con que muestran a Kingpin. El mundo del comic es un arte colaborativo, y este cómic es un maravilloso ejemplo de lo que unos artistas pueden conseguir colaborando en plenitud creativa.

He leído Born Again decenas de veces y siempre consigue emocionarme. Aún sabiendo lo que va a suceder cada vez que voy a pasar la página. Hay otros comics maravillosos, algunos de los cuales he ido reseñando en las últimas semanas. Pero al final siempre acabo volviendo a la fuente, el cómic que condensó todo lo que los cómics Marvel pueden ofrecer cuando personajes icónicos son utilizados por artistas en estado de gracia para crear historias más grandes que la vida.

No se puede hacer mejor que Daredevil Born Again, para mí es una obra maestra del comic que todo el mundo debería leer al menos una vez.

Me ha emocionado tanto la relectura de este cómic y dado que este es mi blog y hago lo que quiero, que voy a aprovechar esta segunda parte del post una vez terminé la reseña propiamente dicha, para recordar algunos de los mejores diálogos e imágenes de cada número, que me emocionan y me ponen la piel de gallina cada vez que los leo:

 

1ª PARTE – Nº 227 USA: APOCALIPSIS

Karen Page:

“Daredevil. ¿Oyes? Ese es su nombre.”

“Pero tiene otro. Y lo he escrito aquí. ¿Lo quieres o no?

Matt Murdock:

“No pensaba que fueses tú.  Nada parecía indicarlo… hasta esto.

“Era un buen trabajo, Kingpin”.

“No debiste firmarlo.”

 

2ª PARTE – Nº 228 USA: PURGATORIO

Karen Page:

“Recuerda al hombre… Matt… El hombre al que amaba… y al que traicionó”

“… El hombre que puede salvarla.”

 

Kingpin:

“No hay cadaver.”

“No hay cadaver.”

 

3ª PARTE – Nº 229 USA: ¡PARIA!

Matt Murdock:

“Papá es asesinado y yo me convierto en Daredevil.”

“Pasan más cosas… pero eso ya no existe, así que no importa…”

“Kingpin lo destruyó. Descubrió mi identidad secreta y me lo quitó todo….”

“Y yo le ataqué…”

“Y él me mató.”

 

Enfermera a Ben Urich:

“Mr. Urich, le está causando molestias a mi jefe. Me ha pedido que le exponga su posición.”

“Cada vez que pronuncie el nombre de Matthew Murdock…”

“Perderá uno de sus dedos.”

Matt Murdock:

“Ahora, todo lo demás ha muerto.”

“Solo vive el luchador.”

“Solo el luchador…”

 

Kingpin:

“Yo le he ensañado que…”

“Un hombre sin esperanza…”

“Es un hombre sin miedo.”

 

 

4ª PARTE – Nº 230 USA: BORN AGAIN – NACER OTRA VEZ

Hermanda Maggie:

“¡Gracias a Dios!”

“¡Está vivo!

 

Karen Page:

“Matt la salvará.”

“Ha de hacerlo.”

Kingpin:

“Murdock aún vive.”

“Murdock aún vive.”

 

J. Jonah Jameson (a Ben Urich):

“Debería despedirte.”

“Fuera de mi oficina.”

Hermanda Maggie:

“La fiebre sube. Nada puede pararla. Ha perdido demasiada sangre, su cuerpo no puede luchar.”

Morirá.

“Pero tiene tanto que hacer, señor.”

“Su alma está aturdida.”

“Pero es un hombre bueno, señor.”

“Solo necesita que le enseñes tu camino. Estonces se levantará y será en esta ciudad tu espada de luz en tus maños, señor.”

“Si he de ser castigada por mis pecados, sea.”

“Si he de ir al infierno, sea.”

“Pero perdónalo.”

“Tanta gente le necesita.”

“Escucha mi plegaria.”

 

Ben Urich:

“MATT MURDOCK!”

 

Matt Murdock: “Maggie, ¿Eres mi madre?”

Hermanda Maggie: “Claro que no.”

Matt Murdock: ” Un latido es muy revelador. El suyo me dice que… miente.”

 

5ª PARTE – Nº 231 USA: SALVADO

Matt Murdock: “Melvin. Haz el traje. No pasará nada.”

Melvin Potter: “Me encanta oir de nuevo tu voz.”

 

Ben Urich: 

“En cuanto a mi… Bien, como les dije, soy periodista.”

“Voy a averiguar donde está Matt Murdock y qué ha sido de él.”

 

6ª PARTE – Nº 232 USA: DIOS Y PATRIA

NUKE:

“Dame una roja.”

Kingpin:

“Nuke. Una palabra tan sencilla.

“Ahora, Kingpin enviará a ese Nuke contra el hombre que odia.”

“El hombre que teme.”

“Murdock.”

 

Karen Page:

“No he perdido nada”, dijo, y rió como un niño. Karen no lo entendió… y Matt la besó y la abrazó.

 

7ª PARTE – Nº 233 USA: ARMAGEDÓN

Ben Urich:

“Aparecen de pronto.”

“Su voz podría dar órdenes a un Dios.”

“Y así es.”

“De pronto, llueve con fuerza.”

“Todos guardan silencio.”

“Menos Matt.”

General: “Ojalá pudiese contárselo, Capitán. Entonces vería que no es nada. Ya sabe que el Dpeartamento le tiene en la mayor estima… Siempre hemos apreciado su lealtad.”

Capitán América: “No soy leal a nada… Excepto al sueño.”

Matt Murdock:

Me llamo Matt Murdock.

Un accidente me dejó ciego. Mis demás sentidos están super desarrollados.

Vivo en la Cocina del Infierno e intento mantenerla limpia.

No hace falta saber más.

Buff, los pelos como escarpias. Qué contento me he quedado tras volver a leer esta obra maestra. No se puede hacer mejor.

PUNTUACIÓN: OBRA MAESTRA

 

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¡Saludos a todos!

 

Crítica de Superman: Secret Origin de George Johns y Gary Frank

Geoff Johns y Gary Frank plantearon realizar el origen definitivo de Superman unificando la mitología del personaje en diferentes medios. El resultado fue Superman: Secret Origin, un comic imprescindible para todos los fans del personaje.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

El equipo superestrella del escritor Geoff Johns y el artista Gary Frank redefinen el origen de Superman para el siglo XXI. Esta historia explosiva explica el origen definitivo de Superman, relatando el viaje de Clark Kent desde los campos de maíz de Smallville hasta los rascacielos de Metrópolis. Sea testigo de una nueva mirada a los inicios de Lex Luthor, The Legion of Super-Heroes, Lois Lane, Metallo, Jimmy Olsen, The Parasite y más de sus personajes favoritos de la familia Superman. Es una mirada al pasado mítico del Hombre de Acero con una mirada hacia el futuro. SUPERMAN: SECRET ORIGIN fue publicado por DC Comics como una miniserie de 6 números entre finales de 2009 y principios de 2010.

Geoff Johns es un escritor galardonado y uno de los escritores de cómics más populares de la actualidad. Johns es el autor de las novelas gráficas superventas de The New York Times Aquaman: The Trench, Blackest Night, Green Lantern: Sinestro Corps War, Justice League: Origin, Superman: Brainiac y Batman: Earth One, que alcanzó el número 1 en la lista de los más vendidos. También es conocido por transformar a Green Lantern en una de las franquicias con más éxito comercial y crítico en los cómics. Johns nació en Detroit y estudió artes mediáticas, escritura de guiones y cine en la Universidad Estatal de Michigan. Después de mudarse a Los Ángeles, se convirtió en asistente de Richard Donner, director de Superman: The Movie. Él y su mentor Donner más tarde co-escribieron Superman: Last Son presentando el regreso del general Zod. Johns ha escrito para varios otros medios, incluidos episodios de Smallville, Arrow y Adult Swim’s Robot Chicken, por los cuales fue nominado junto con sus coautores para un Emmy. Es el director creativo de DC Entertainment y reside en Los Ángeles, California.

Gary Frank, oriundo de Bristol, Inglaterra, comenzó su carrera en los cómics trabajando en varios títulos para Marvel UK antes de ingresar a la escena de los cómics estadounidenses como dibujante en Marvel’s Incredible Hulk. Frank luego vino a DC Comics donde fue el artista original en BIRDS OF PREY y dibujó las aventuras de SUPERGIRL. También ha trabajado en GEN 13 de WildStorm, así como en su serie de creación propia Kin. Frank, junto con el escritor Geoff Johns, ha trabajado en los títulos superventas SUPERMAN: BRAINIAC, SUPERMAN Y LA LEGIÓN DE LOS SUPERHÉROES. Y el bestseller número 1 del New York Times, BATMAN: EARTH ONE.

Superman Secret Origin es una estupenda historia de origen que sirve para unificar y condensar en un único cómic 70 años de historia del personaje (en el momento en que este cómic se publicó) que provocaron diferentes variaciones a lo largo de los años.

A partir de una historia por otro lado conocida por todos, Jor El es el último superviviente del planeta Krypton que fue encontrado por los Kent y enseñado unos fuertes valores morales, veremos a un adolescente Clark Kent cuyos poderes están activándose y tiene miedo a hacer miedo de hacer daño a sus amigos Pete y Lana.

Geoff Johns conecta años de historias en este origen, presentando a los amigos de instituto de Clark, haciendo que viviera aventuras como Superboy (algo que John Byrne descartó en los 80),  y que conociera a la Legión de Superhéroes del siglo XXX.

Otro hecho interesante de es que Johns conecta a Lex Luthor con Smallville haciendo que crezca allí antes de mudarse a Metrópolis, algo que ya vimos en la serie de televisión de Smallville años antes, de forma que no se asusta por recoger influencias de otros medios no comiqueros.

De hecho, el Clark adulto que llega a Metrópolis es 100% Christopher Reeve, el educado y patoso reportero con buen corazón. Aunque en parte me gusta que Gary Frank claramente esté dibujando a Reeve en estas páginas, quizá me hubiera preferido que está influencia no fuera tan evidente.

Más que cómics concretos, parece que Johns está recreando el trabajo de su maestro y mentor Richard Donner en Superman: La Película (1978), con la llegada de Clark al Daily Planet, conociendo a Lois Lane, Perry White y Jimmy Olsen entre otros.

Lo novedoso de este cómic es que en esta primera aventura no estamos viendo a SUPERMAN, sino a Clark con el traje rojo y azul, mostrando unas dudas muy humanas sobre si estará a la altura del desafío y el miedo a si será aceptado o visto como un monstruo. El aprendizaje y la experiencia que adquiere en esta aventura que veremos a continuación destila toda la esencia del personaje, hasta el punto que es lógico que al final ya tengamos al conocido Hombre de Acero.

Quizá el único pero que le pongo a este cómic es que el origen de Superman es genial desde el punto de vista emocional y de aprendizaje, pero la historia no tiene un gran antagonista. La amenaza de Parásito, Metallo y el propio ejército de los Estados Unidos realmente me dejaron con la sensación que no dieron la talla, dejando para más adelante el enfrentamiento que realmente estábamos deseando ver, el de Superman frente al ya multimillonario Lex Luthor. El comic si presenta la envidia de Luthor hacia el Hombre de Acero, y como esto es el catalizador de todo lo que pasa en Metrópolis, pero al final en parte este comic queda como un prólogo de algo que veremos mejor desarrollado en el futuro.

En el apartado artístico, Gary Frank con el entintado de Jon Sibal y colores de Brad Anderson son perfectos para el encargo de narrar este origen dotándole de una cualidad atemporal. Frank es un dibujante de la vieja escuela y sus lápices siempre cuentan la historia de la forma más clara, huyendo de florituras innecesarias.

En lo referido al arte, es una gozada la perfecta caracterización de cada personaje, con rasgos únicos e icónicos, siendo un verdadero “quien es quien” del mundo de Superman. Además, Johns plantea cada número con varias splash-pages con los momentos y personajes más icónicos, y Frank aprovecha la oportunidad para lucirse.

No puedo evitar comentar como este cómic de 2009 y 2010 condensa casi todos los mitos de Superman, y algunas escenas de este cómic fueron tergiversadas en Man of Steel (Zack Snyder, 2014). David Goyer usa en su guión elementos mostrados en este cómic como la aparición de un tornado, pero el joven Clark salva a Lana en el comic mientras que en la película dejó morir a su padre, en uno de los momentos más lamentables de la historia cinematográfica del personaje.

Entiendo que al ser este cómic quizá muy deudor del Superman de Donner, que además fue copiado en 2006 por Bryan Singer en Superman Returns, Snyder y Goyer optaron por hacer algo diferente, pero su resultado final no mejoró lo ya existente.

Superman: Secret Origin es un comic que destila la esencia del Hombre de Acero y que ningún fan del personaje debería perderse.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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¡Saludos a todos!

Crítica de Klaus: The New Adventures of Santa Claus, de Grant Morrison y Dan Mora

Klaus de Grant Morrison y Dan Mora fue una de las sorpresas comiqueras de 2016. La llegada de este segundo volumen formado por dos historias cortas nos ofrece las dosis habituales de maravillosa locura de Morrison con un dibujo extraordinario de Mora.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Una Reina del Hielo inmortal comandando un ejército de hombres de nieve robóticos construidos con madera encantada. Una corporación de refrescos azucarados malvada que busca apropiarse de la misma Navidad bajo los designios de un gemelo malvado. Es otro día normal en la vida de Klaus, el hombre que se convirtió en Santa Claus.

El iluminado autor Grant Morrison (All-Star Superman, Happy!), y el ilustrador nominado a un Premio Eisner Dan Mora (Go Go Power Rangers) traen su premiada reinvención de Sana Claus al siglo XXI con dos historias de Klaus ambientadas en el presente en las que salva a la Navidad de amenazas siniestras que abarcan dimensiones.

Grant Morrison es uno de mis escritores favoritos de siempre, y su reinvención de la historia de Santa Claus como un héroe mitológico nos ofreció una estupenda lectura en 2016. El éxito de esa primera miniserie ha permitido a la Boom Studios ha publicar dos especiales con nuevas historias, que han sido recopiladas en este volumen.

En la primera historia “Klaus y la Bruja del Invierno” tenemos a Klaus despertando en el presente para tener que enfrentarse a ¿Elsa de Frozen?, que ayudada por robots de madera sacados de otro cuento clásico quiere apropiarse de la Navidad.

“Crisis en XmasVille” es la segunda historia en la que Coca Cola se une a un gemelo malvado de otra dimensión para transformar la Navidad en una fiesta consumista con la que enriquecerse.

Dentro de una aparente sencillez formal y de una clara vocación de entretenimiento sin complejos, Morrison coloca en estas historias sus habituales dosis de conceptos loquísimos. Sin embargo, contra todo pronóstico todo funciona y la diversión es total. Si algo tengo que achacarle a Morrison en que me gustaría que pudiera ajustar su apretada agenda para escribir una nueva historia larga de Klaus, ya que estos dos especiales en parte me han sabido a poco.

Y en parte me han sabido a poco porque el dibujo del artista costarricense Dan Mora es una auténtica barbaridad. No importa lo loco del concepto de Morrison, Mora lo traslada a la página de forma siempre excelente, narrando la historia de forma siempre clara y ofreciendo unas viñetas que quitan el hipo. Su narrativa me parece perfecta y sus splash-pages tienen una fuerza y una personalidad de artista superstar.

Cuando leí el primer volumen de Klaus, me gustó su dibujo pero me pareció que sus figuras resultaban un tanto estáticas. El salto de calidad que ha tenido en este segundo volumen me parece una pasada, y me declaro fan absoluto de su arte.

Este segundo volumen de Klaus de Grant Morrison y Dan Mora ha sido una entretenidísima diversión que me deja con ganas de más aventuras de Santa Claus. Espero que la serie tenga éxito y se convierta en una tradición anual.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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Crítica de Bad Karma 1, de Álex de Campi, Ryan Howe y Dee Cunniffe (Panel Syndicate)

La web Panel Syndicate nos ha ofrecido una nueva sorpresa comiquera con el estreno hace unos días de Bad Karma, su nueva serie publicada en modalidad de “paga lo que quieras” realizada por la escritora Alex de Campi, el dibujante Ryan Howe y el colorista Dee Cunniffe. Hoy comento mis impresiones sobre este primer número.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

¡Estamos orgullosos de darles la bienvenida a los autores Alex De Campi, Ryan Howe y Dee Cunniffe con el debut de su nueva serie BAD KARMA, un thriller de acción y suspense basado en personajes!

Los veteranos del ejército Sully y Ethan realizan un viaje de Navidad para liberar a un hombre inocente culpado por el trabajo mercenario que hicieron. Resulta que a nadie le interesa la verdad, pero se interesan mucho en asegurarse de que Sully y Ethan no vivan para ver el Año Nuevo.

El primer número de 33 páginas está disponible ahora en inglés, como de costumbre, para cualquier precio que desee pagar, incluido 0 (cero).

Alex de Campi se ha inspirado para crear Bad Karma en personas del mundo militar de su entorno, así como de las relaciones masculinas de amistad. De Campi comenta que esta es una larga novela gráfica de casi trescientas páginas y, aunque este comienzo ha empezado de forma lenta centrándose en los dos protagonistas, Ethan y Sully, plantea una historia con altas dosis de acción. Además, explica que está muy orgullosa de Cheryl, ya que no va a ser ni un interés romántico, ni la chica a la que salvar, ni una tía dura, por lo que cree que le va a encantar a los lectores, especialmente entre el público femenino.

De Campi comenta además que Panel Syndicate ofrece una plataforma única para promocionar su obra, dado que otras webs de comics digitales como ComiXology realmente no ofrecen una buena alternativa para autores indys, de forma que aunque nadie pagara por leer este comic, lo daría por bueno por la difusión que su obra va a conseguir en una web con obras y autores de primerísimo nivel. Además, ha confirmado en entrevistas que ya tiene firmada la publicación física de esta novela gráfica cuando acabe la publicación digital, por lo que considera una buenísima opción dada la situación provocada por el coronavirus.

En lo referido al apartado artístico, me han gustado el dibujante Ryan Howe y el colorista Dee Cunniffe. Howe tiene un lápiz claro centrado en la expresión de los personajes, y realiza un buen retrato de unos protagonistas veteranos que han sufrido heridas físicas y psicológicas. Como comentaba antes, este primer número es super pausado y no puedo analizar su narrativa en escenas de acción, pero psicológicamente construye a unos buenos personajes y que pueden dar mucho jugo.

Sin embargo, globalmente este primer número de Bad Karma me ha parecido super correcto en todo, pero sin nada que me haya llamado especialmente la atención. Teniendo en cuenta la saturación de oferta comiquera que hay ahora mismo, correcto no es suficiente. El problema que le veo es que De Campi plantea este comic no como una historia serializada sino como una novela gráfica que logísticamente ha tenido que dividir en números individuales. Esto provoca que literalmente en este primer número en lo relativo a la trama no pasa nada importante. Obviamente, está presentando a los personajes para que nos importen cuando la cosa empiece a ponerse fea, pero le hubiera pedido algo más a la historia y, al menos, un buen cliffhanger que me hubiera dejado con ganas de comprar el siguiente número.

De Campi comenta que plantea Bad Karma como 7 números más un epílogo, y que ya tienen completamente terminado el número dos y medio del tres, por lo que el próximo número se publicará en junio y ya a partir de ahí saldrán con cadencia bimensual. Esto significa que probablemente hasta dentro de un año no estará terminada la historia. Por esto, visto lo visto en este primer número creo que estamos ante una lectura que resultará más satisfactoria leída de un tirón, y prefiero esperar a más adelante.

Comparto las primeras páginas del cómic disponibles a modo de preview en la web de Panel Syndicate:

Bad Karma supone un correcto arranque para un comic que sin embargo me voy a esperar para poder leer de un tirón cuando esté completo.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

 

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Crítica de Akira de Katsuhiro Otomo

Estas semanas de confinamiento sin nuevos comics han hecho que recupere algunas de las obras maestras de mi librería. Y dentro de esa categoría sin duda entra Akira, la obra magna de Katsuhiro Otomo que me sirvió como puerta de entrada al manga.

Bienvenido a Neo-Tokyo, construida sobre las cenizas de un Tokio aniquilado por una explosión de origen desconocido que desencadenó la Tercera Guerra Mundial. La vida de dos amigos adolescentes callejeros, Tetsuo y Kaneda, cambia para siempre cuando unas extrañas habilidades paranormales comienzan a despertar en Tetsuo, convirtiéndolo en un objetivo para una agencia oscura que no se detendrá ante nada para evitar otra catástrofe como la que arrasó Tokio. En el centro de la motivación de la agencia se encuentra un miedo onsesivo y crudo a un poder monstruoso e inimaginable conocido solo como Akira.

La impresionante obra maestra de ciencia ficción de Katsuhiro Otomo es considerada por muchos como la mejor obra de ficción gráfica jamás producida, y su brillante versión cinematográfica de animación también dirigida por de Otomo es considerada como un clásico a nivel mundial.

Katsuhiro Otomo (Tome, 1954) es uno de los mangakas más celebrados de Japón. Ya en su primera obra, la inacabada Fireball (1979) anticipaba una historia de ciencia ficción con elementos que posterioremente desarrollaría en Akira, como era el uso de unos adolescentes que luchaban contra el gobierno. Pesadillas (Domu, 1980) ya recibió varios galardones como el premio a la excelencia del Japan Cartoonist Association Award. Fue el primer autor de manga que recibió el Gran Premio del festival de Angoulême de 2015, siendo también en el Hall of Fame de los Premios Eisneer, entre otros muchos premios.

Akira es por méritos propios uno de los mejores mangas jamás publicados. Katsuhiro Otomo publicó en Japón este manga entre 1982 y 1990 dentro de la revista Young Magazine, con más de dos mil páginas. Las recopilaciones posteriores de la obra en tomos recopilatorios han vendido millones de copias en todo el mundo.

La edición española que yo tengo fue publicada por Aragón – Glénat entre 1990 y 1996 en 38 tomos de 64 páginas utilizando la versión americana del manga, que fue publicado por el sello Epic de marvel Comics desde 1988, con orden de lectura occidental de izquierda a derecha y coloreada por el prestigioso Steve Oliff, siendo uno de los primeros comics en los Estados Unidos que empleó un coloreado digital. Posteriores ediciones españolas han ofrecído la versión en blanco y negro original con el orden de lectura japonés de derecha a izquerda.

Es interesante comentar como aunque AKIRA está considerada una obra Cyberpunk, realmente empezó a publicarse en Japón dos años antes de que William Gibson publicara su ya mítico Neuromancer (1984), que no llegó a Japón hasta un año después, en 1985. Akira fue instrumental en el aumento de la popularidad del manga fuera de Japón, especialmente en los Estados Unidos, ya que el lanzamiento de la edición a color de Epic Comics en 1988 coincidió con el estreno de la película de animación, que también estuvo dirigida por Otomo y marcó un hito en el mundo de la animación. Pero no solo en los Estados Unidos, también en Europa y especialmente en Francia y España Akira ayudó al auge del manga entre los lectores de comic.

En mi caso, yo descubrí AKIRA primero gracias a la película de animación que me voló la cabeza cuando la vi por primera vez en Barcelona en un cine de filmoteca aprovechando un viaje de fin de semana con motivo del Salón del Comic, una primavera de ¿1991 o 1992? No fue hasta bastante más tarde que descubrí este manga y empecé a comprar los volúmenes ya editados de cinco en cinco. Literalmente. Tal era mi ánsia de lectura.

Planeo escribir una reseñada de la película de Akira en próximas fechas, cuando vuelva a ver la película, pero me parece curioso como Otomo condensó en dos horas toda la larguísima historia del manga, que de hecho no había terminado en 1988 cuando se estrenó la película.

Entrando en la lectura del manga, la lectura de Akira sigue siendo espectacular. Por un lado, reconozco que (mal) acostumbrado como estaba hasta ese momento por la lectura de comics americanos, que en 24 páginas tenían que contar una historia con presentación, desarrollo y al menos una escena de acción de tres o cuatro páginas, o los tomos europeos tipo de Asterix, Tintín o Mortadelos que en un tomo de 48/64 páginas contaban una historia completa, leer una larga historia de 2000 páginas me alucinó de forma increíble, al tener un ritmo y una espectacularidad como nunca antes había leído.

Otomo muestra una obsesión hacia la arquitectura que convierte a Neo-Tokio en un personaje más de la historia, creando páginas que son una auténtica locura por su nivel de detalle. Además, 15 años antes de que el Authority de Warren Ellis y Brian Hitch, y posteriormente The Ultimates de Mark Millar y el propio Hitch popularizaran el término “widescreen” en el mundo del comic americano para clasificar los comics con enormes escenas de acción con planificación cinematográfica, Otomo había dejado en pañales al resto de comics, que palidecen aún hoy en día cuando se comparan con esta obra.

El formato manga permitía a Otomo mostrar grandes escenas de destrucción, empleando páginas y páginas simplemente para mostrar las consecuencias de la expansión de la destrucción en la ciudad provocado por el estallido psíquico de los protagonistas.

Al ser una obra tan larga, narrativamente Akira rompió también la estructura habitual de la historias de la época, permitiendo numerosas subtramas, un gran reparto coral y una gran parte central en la que desarrolla la sociedad de Neo-Tokio post-segundo apocalipsis. La ambientación de ciencia ficción recoge numerosas convenciones que luego veremos en el género cyberpunk y le permitió desarrollar su interés por historias en las que jóvenes inadaptados buscan combatir a un gobierno obsoleto y paralizado por la corrupción y las intrigas políticas. El aislamiento social de la juventud y la obsesión japonesa post-Hiroshima por las consecuencias de una gran destrucción en la sociedad son otros elementos claves de Akira.

La fluidez del dibujo crea secuencias realmente hipnóticas con las diferentes persecuciones, explosiones y escenas de acción con su increíble atención al detalle y su acción super cinética. No necesito ni siquiera un historia, puedo abrir un tomo aleatorio y quedarme embobado con los momentazos que hay en todos los volúmenes.

Quizá el único pero que le puedo encontrar a Akira es quizá la caracterización de los personajes. Entiendo que para el standard japonés Kaneda, Tesuo o Kai quizá son figuras complejas, pero personalmente me parecen apenas esbozados en esta historia en lo que lo principal es la acción de proporciones bíblicas. De hecho, Kaneda es un chaval que me cae especialmente antipático debido a su naturaleza siempre enfadada y con el único objetivo de matar a Tetsuo por traicionarle. Además, su intento de conquistar a Kai simplemente por ser la única mujer que aparece en ese momento ahora se ve super machista y un elemento que no ha envejecido demasiado bien.

Además de Kaneda, Testuo tiene también cero profundidad, un chaval que tiene envidia de su amigo y que durante una gran parte de la historia solo quiere tomar drogas y ver el mundo arder. Kai por su parte realmente es un arquetipo de figura luchadora que hace lo que el honor demanda, que al principio de la historia es luchar contra el gobierno corrupto dominado por el estamento militar. Y merece comentar como el personaje de Akira realmente es un secundario en su propia comic, sirviendo como mero arquetipo de la destrucción inminente de la sociedad y de las consecuencias de realizar investigaciones genéticas inmorales en niños.

En todo caso, esto en una obra tan monumental como Akira no desmerece su importancia ni el disfrute tan maravilloso que he tenido volviendo a leer de nuevo este manga 15 años después de la última vez.

Akira es una obra maestra del comic / manga que debería ser de lectura obligada para todos los fans de la ciencia ficción.

PUNTUACIÓN: OBRA MAESTRA

 

 

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Crítica de JLA: El Clavo, de Alan Davis

Hoy quiero destacar a uno de los mejores creadores del mundo del comic de superhéroes, el dibujante y guionista británico Alan Davis, y una de sus obras más recordadas, el Elseworlds JLA: El Clavo, publicado en 1998.

PUNTUACIÓN: 8/10

En una fascinante historia ambientada en una realidad alternativa en el que un pequeño accidente acaba provocando catastróficas repercusiones, el escritor y artista Alan Davis crea un mundo que nunca conoció a un Superman, y una Liga de la Justicia que está a punto de enfrentarse a su mayor desafío, que pondrá a prueba todo en lo que creen. Todo por algo tan simple como un clavo.

Por falta de un clavo se perdió la herradura,

por falta de una herradura se perdió el caballo,

por falta de un caballo se perdió al caballero,

por falta de un caballero se perdió la batalla,

por falta de una batalla, el reino se perdió.

Por tanto, un reino se perdió, todo por falta de un clavo.

A partir del proverbio tradicional “Por falta de un clavo”, Alan Davis consigue sacar todo el partido del formato Elseworlds de DC Comics para crear una excelente historia destinada a recordarnos lo grandes que son los miembros de la Liga de la Justicia.

La línea Elseworlds de DC, al igual que la serie What If de Marvel Comics, saca a los superhéroes de su continuidad normal para presentarles en nuevos mundos, periodos temporales o situaciones que permiten a los escritores y artistas de estos cómics una extraordinaria libertad para crear historias que jamás hubieran podido realizarse en la continuidad tradicional.

Este formato nació a partir de Batman: Luz de Gas de Brian Augustin y Mike Mignola, que en 1989 situaba a Batman en la Inglaterra victoriana y le enfrentaba a Jack el Destripador. El éxito de este comic, y las posibilidades que daba a los autores de crear nuevas historias popularizó el formato en los años 90 y primeros años 2000, siendo Batman: Holy Terror de Alan Brennert y Norm Breyfogle el primer comic con el logo “Elseworlds” en su portada.

Aunque comparativamente una gran cantidad de estos especiales tuvieron a Batman como protagonista, bajo el abrigo del sello Elseworlds se han publicado algunos comics maravillosos super recordados como The Golden Age (James Robinson y Paul Smith, 1993), Superman & Batman: Generations (John Byrne, 1998), Superman: Red Son (Mark Millar, Dave Johnson, Killian Plunkett y otros autores, 2003). Incluso el monumental y super incónico Kingdom Come (Mark Waid, Alex Ross, 1996) es un Elseworlds.

Por desgracia, a partir de 2003 DC comic disminuyó hasta practicamente abandonar este concepto de “Otros Mundos”, aunque en la actualidad DC está publicando una gran cantidad de obras dentro de su sello “Black Label” en las que dan libertad a los autores para crear la historia que quieran sin las limitaciones de la continuidad que de hecho son Elseworlds de libro. Entre estas obras, encontramos recientemente la hasta ahora excelente Wonder Woman: Dead Earth de Daniel Warren Johnson.

Alan Davis es uno de los grandes dibujantes del medio. Nacido en 1956, empezó a trabajar en editoriales inglesas y coincidió con Alan Moore en Captain Britain para el subsello Marvek UK. Junto a Moore también dibujó algunos números de Marvelman para la editorial Warrior, antes de saltar a DC en 1985 para dibujar algunos comics super recordados como Batman y los Outsiders, sustituyendo al icónico Jim Aparo que había dibujado la serie desde su creación, saltando en 1986 a dibujar una de las series estrella de DC, Detective Comics, en ambos casos colaborando con el escritor Mike W. Barr.

Tras unos problemas con los editores de DC, entró a trabajar en Marvel por la puerta grande, colaborando con Chris Claremont en la franquicia mutante. Tras unos anuales de New Mutantes y algunos números de Uncanny X-Men. En 1987 creó junto a Claremont Excalibur, una de sus series más recordadas, aprovechando el interés de ambos de crear un comic ambientado en Inglaterra y los conocimientos de ambos, dado que Claremont también escribió al Capitán Britania. En las páginas de Excalibur, los “fan-favourite” Kitty Pryde, Rondador Nocturno y Rachel Summers se unían a Brian Braddock (Capitán Britania) y a su novia multiforme Meggan para vivir aventuras por el multiverso, en un comic planteado con un importante toque de humor. En esta serie, Davis empezó a colaborar con Mark Farmer, que ha sido su principal entintador durante los años siguientes.

En 1994, Davis creó para Marvel su primera serie con personajes de nueva creación: ClanDestine, una familia de inmortales superpoderosos residentes en Reino Unido. Lamentablemente, debido al crach de los 90, la serie fue cancelada tras su número 12, auqnue Davis ya había abandonado la serie en su número 8. Dos años más tarde David escribió y dibujó el crossover X-Men and the ClanDestine, y años más tarde, ya en 2008, Davis volvió a estos personajes con una segunda miniserie.

Como dibujante, Davis conecta con los dibujantes de la vieja escuela como George Pérez o Jose Luis García López, dibujantes de línea clara que son ante todo excelentes narradores de historias pero que saben dotar a sus personajes de una personalidad diferenciada. Sus páginas son siempre perfectas y siempre sabemos lo que está pasando porque lo principal es la historia, creando además unas coreografías chulísimas en las que todo fluye de forma maravillosa. Sus personajes son maravillosos siempre, En Excalibur, un Brian Braddock grande como una casa contrastaba con el delgado y atlético Rondador Nocturno, mientras que las mujeres de Davis son siempre mostradas en la cumbre de su belleza, con unas grandes sonrisas que transmitían una personalidad y un optimismo poco habitual en el “grim-n-gritty” de finales de los años 80. Tener a Davis como dibujante de cualquier comic es siempre un seguro de vida y garantía de que docho comic va a lucir espectacular.

Como guionista, Davis destaca por su falta de pretensiones artísticas. Ha creado algunos comics excelentes durante todos estos años, pero nunca ha pretendido otra cosa que entretener gracias a una buena historia de aventuras con buenos personajes. Nada más y nada menos. Sin embargo, creo que como guionista Davis siempre ha cumplido con nota los encargos que ha tenido. De hecho, quizá por este sentido “old-school”, al igual que hizo John Byrne durante varios años, Davis aprovechó su etapa como autor completo en X-Men en los años 90 para arreglar problemas de continuidad creados por autores previos, demostrando un gran conocimiento de los personajes y lo que necesitaban para que volvieran a brillar.

Por estos motivos, y quizá por no haber tenido más allá de Excalibur ninguna etapa larga en ninguna serie, aunque todos los lectores veteranos tenemos a Davis en un altar, en los listados de grandes autores mainstream, muchas veces el nombre de Davis queda en segundo lado. Es por este motivo, además de la propia calidad de este JLA: El Clavo, lo que me ha provocado el querer escribir esta reseña.

Entrando en materia, aprovechando el clásico proverbio “Por falta de un clavo”, Davis idea su historia a partir de un concepto de gran simplicidad: Por culpa de una rueda pinchada por un clavo, los Kent nunca llegan a salir de su granja el día que Kal-El cayó a la Tierra procedente de Krypton. Sin la guía de los Kent y con la incertidumbre de donde está, Davis crea un mundo en el que la Liga de la Justicia se fundó sin Superman. Un mundo que, sin la guía moral de Superman, se conviere en un lugar cada vez más oscuro y peligroso en el que los héroes enmascarados se enfrentan a una sociedad que les empieza a ver como una amenaza y no como sus protectores.

JLA: EL clavo fue una miniserie prestigio de tres números que contó con Mark Farmer como entintador y Patricia Mulvihill en el color. A pesar del tono oscuro de muchas situaciones que vivirán los héroes en estas páginas, la narrativa de Davis es siempre perfecta y el color de Mulvihill parece indicar que este mundo siempre es una versión idealizada de nuestro mundo, con unas grandes explosiones de color.

Sin Superman, la Liga de la Justicia de América está formada por Batman, Wonder Woman, Green Lantern, Flash, Hawkwoman, Atom, Aquaman y el Detective Marciano, Y aunque esta es sin duda una historia de la Liga, por estas páginas pasarán prácticamente todos los héroes de DC Comics: los green Lantern Corps, los Metal Men, la Doom Patrol, los Outsiders, Robin o Catwoman, así como villanos como Joker, Amazo, Ra´s Al Ghul o Lex Luthor. Estamos sin duda ante un “quién es quién” del Universo DC, y a pesar de la gran cantidad de personajes y situaciones, incluso un lector no habitual de DC puede disfrutar completamente de la historia.

En el apartado artístico, comentaba antes que Alan Davis ha sido toda su vida un seguro de vida y en este comic es una gozada de principio a fin. De hecho, diría que se nota las ganas de Davis de dibujar a cuantos más personajes mejor pero presentándoles de forma orgánica para que aporten a la historia y no sean un pin-up vacío. Y hablando de pin-up, otro elemento super chulo de esta miniserie es que adorna cada número con unas increíbles splash-pages para cada uno de los miembros de la Liga de la Justicia, mostrándoles en momentos super icónicos.

Si tengo que comentar algo menos buenos, agradezco que Davis opte por plantear una historia original con un villano de nueva creación. De hecho, durante muchos momentos juega con nuestras expectativas para plantear la identidad del villano en la sombra. Lo malo es que aunque todo está contado de forma lógica, al final me quedó la sensación de que este villano no llega a ser lo potente que hubiera podido ser si hubiera utilizado a algún villano de toda la vida.

Además, aunque narrativamente todo encaja a la perfección, pasan tantas cosas y hay tantos personajes icónicos, también me quedé con la sensación que este El Clavo hubiera podido ser aún mejor si en lugar de tres números hubiera tenido un cuarto, de forma que la amenaza del villano en la sombra hubiera podido tener una mayor entidad y sensación de peligro. Dicho esto, esto son mis expectativas particulares y mis ganas de más, en ningún caso creo que el comic esté mal escrito, sino más bien todo lo contrario.

JLA: El Clavo fue un gran éxito de ventas, lo que “obligó” a DC a firmar con Davis una secuela “JLA: Otro clavo”, que fue publicado en 2004, y cuya reseña dejaré para dentro de unas semanas.

A pesar de ser un Elseworlds, JLA: El Clavo condensa toda la iconidad y personalidad de los personajes de DC Comics, y es un excelente comic que recomendar a un lector que busque una historia completa de la Liga de la Justicia.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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