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Crítica de The Pacific (HBO)

Tras ver la excelente Hermanos de Sangre gracias a mi suscripción a HBO, era inevitable ver The Pacific, serie bélica también producida por Steven Spielberg y Tom Hank centrada en este caso en el frente del Pacífico de la Segunda Guerra Mundial, que ofrece una mirada muy diferente al conflicto bélico.

PUNTUACIÓN: 8/10

Miniserie de TV. 10 episodios. Sucesora de “Hermanos de Sangre”, también producida por Steven Spielberg y Tom Hanks, y creada por Dreamworks y HBO, es la serie más cara de todos los tiempos. Se basa sobre todo en las memorias de dos soldados norteamericanos, “With the Old Breed” de Eugene Sledge y “Helmet for My Pillow” de Robert Leckie, que narran sus experiencias en la lucha contra los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945). (FILMAFFINITY).

Los escritores de The Pacific están encabezados por uno de los principales escritores de Hermanos de Sangre , Bruce C. McKenna. Hugo Ambrose, hijo de Stephen Ambrose, autor del libro Band of Brothers, es asesor histórico del proyecto. Otros guionistas fueron Robert Schenkkan, Graham Yost, George Pelecanos, Larry Andries y Michelle Ashford.

Los 10 episodios de esta serie fueron dirigidos por Tim Van Patten, David Nutter, Jeremy Podeswa, Graham Yost, Carl Franklin y Tony To. The Pacific se estrenó en 2010 y su presupuesto superior a 200 millones de dólares la convirtió en la producción televisiva más cara de la historia hasta ese momento.

The Pacific vuelve a ser una serie coral, y está protagonizada por James Badge Dale es Robert Leckie, Joseph Mazzello como Eugene Sledge, Jon Seda es John Basilone, William Sadler como el teniente coronel Lewis Puller, Rami Malek es Merriell “Snafu” Shelton.

Otra sorpresa de esta serie fue comprobar que la banda sonora de The Pacific fue escrita por Hans Zimmer, que escribió el tema principal “Honor”, junto a Geoff Zanelli y Blake Neely.

The Pacific es una más que notable historia bélica que cuenta igual que Hermanos de sangre con un espectacular diseño de producción que muestra la guerra en el Pacífico como si estuviéramos allí. Con una fotografía de Stephen F. Windon, la serie sobre todo en las escenas de combate tiene una calidad cinematográfica espectacular, con grandes sets y una violencia explícita super impactante. En ese sentido, se siente como un perfecto complemente de Hermanos de Sangre.

Pero lo diferente de The Pacific reside en el retrato que hace de los diferentes soldados protagonistas. Si en Hermanos de Sangre vimos a verdaderos “All-American Heroes” que hacían siempre lo correcto en el teatro europeo, en esta serie el foco se pone en los traumas que todos los soldados sufrieron por la dureza y la muerte a su alrededor, hasta el punto que todos son víctimas de libro del Síndrome de Stress Post-Traumático, un tabú aún hoy en día en el ámbito militar.

Una de las frases clave de la serie la da el padre de un soldado que está deseando ir al frente, y le dice que “confía en que cuando vuelva siga teniendo el brillo en la mirada y las ganas de vivir”, algo sin duda provocado al haber luchado él en la Primera Guerra Mundial y haber vivido dramas y visto horrores que sabía tendría que vivir su hijo.

Me gusta que dentro de la visión heroica de los hombres corrientes que hicieron lo que había que hacer para defender la libertad, la serie muestra sin ambajes lo duro que fue y como este infierno te cambia. De hecho, hay algo muy poco heroico en la guerra que se reduce a matar o morir, y acaba por deshumanizarte. Algo de lo que es muy difícil volver una vez regresaron a casa.

Otra frase importante de la serie la escucha uno de los veteranos al volver a casa, cuando otro soldado de frente europeo le dice “mientras yo estaba liberando París tú estabas en una cloaca.” Y es cierto, desde nuestro punto de vista europeo parece que lo único importante pasó en Europa y todo lo demás fue secundario, menos importante.

Y la lucha en el Pacífico contra unos japoneses con ánsias de morir por su emperador hizo que cada metro fuera un infierno, agravado por las condiciones climatológicas tropicales adversas. En las junglas y montañas de esas islas olvidadas por la historia se empezó a construir una narrativa que años más tarde explotaría en Vietnam, con unos soldados que acaban no sabiendo muy bien lo que hacen allí aparte de morir, y todo por conquistar unas islas que serán abandonadas al final de la guerra.

Dentro de que The Pacific me ha gustado, me ha gustado bastante menos que Hermanos de Sangre. Es posible que sea porque vino después y el standard de calidad quedara muy alto. En todo caso, creo que es una serie muy interesante que agradará a todos los fans de las historias bélicas y que es de obligado visionado si estás suscrito a la HBO.

Comparto el trailer de esta serie:

The Pacific me he gustado por el tratamiento aún más descarnado de la guerra y las secuelas que deja en los supervivientes. Una serie muy interesante que es de visionado obligado para todos los fans del género bélico.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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¡Saludos a todos!

Crítica de Jane Foster Valquiria Vol. 1 de Jason Aaron, Al Ewing y Cafu

El confinamiento provocado por el Covid-19 hizo que me quedara sin poder leer el final del primer volumen de Jane Foster: Valquiria, la nueva serie de Jason Aaron, Al Ewing y Cafu centrada en contar las aventuras de la nueva identidad de Jane Foster, la antigua Thor femenina. Ahora que por fin pasamos a fase 1 de confinamiento pude comprarle a mi librero el quinto y último número de este primer arco y os cuento mis impresiones.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

¡Jane Foster está de vuelta! Durante años, la conociste como la Dra. Jane Foster, una de las compañeras más firmes de Thor Odinson. Entonces la conociste como Thor, Diosa del Trueno, que tomó el manto cuando ningún otro héroe era digno. ¡Ahora Jane asume un nuevo papel como Valkyrie, guía y mujer del ferry hasta la muerte! Pero sus días de batalla están lejos de terminar, ¡especialmente cuando el asesino más mortal del Universo Marvel pone sus manos en la espada de un dios! Con la espada Asgardiana Colmillo de Dragón en su poder, Bullseye tiene el poder de matar a una deidad de un solo golpe, y está a punto de demostrarlo. Jane debe aprender una dura lección: no todas las muertes pueden prevenirse. Pero, ¿quién es el próximo en la lista de Bullseye, y qué busca realmente el asesino?

Este primer volumen recoge los números 1 al 5 de la serie regular más unas páginas del especial Omega de La guerra de los Reinos.

Parece que fue hace una vida cuando el pasado noviembre publiqué mis impresiones del primer número, que puedes leer aqui, un cómic correcto en todo, pero que igual no era suficiente para justificar su compra. Dado que un único número no es suficiente para darte una idea del cómic, decidí darle el margen de comprar el primer arco completo para tomar una decisión definitiva. Decisión y lectura que se han retrasado al cerrarse las librerías antes de poder comprar las últimas grapas.

Empezando por lo positivo, agradezco que Jason Aaron y Al Ewing hayan intentado dotar a Jane Foster de una misión concreta que evitara convertirla en una vikinga genérica con armas chulas con múltiples utilidades. La etapa de Jane Foster en Thor es una de mis favoritas de los últimos años y me daba mucha pena pensar que el personaje caería en el olvido tras el retorno a la serie del titular Thor Odinson.

Ser Valquiria aleja a Jane de los mortales y los asgardianos, al tener la misión de acompañar a los héroes caídos tras su muerte. Esta nueva función entiendo que puede permitir a los guionistas crear historias muy diferentes a lo que estamos acostumbrados y es la primera obligación de un comic, ofrecer un entretenimiento que no parezca una fotocopia de decenas de historias previas.

En el acabado artístico, el dibujante español Cafu un perfecto narrador de estas aventuras, ayudado por el colorista Jesús Aburto. Cafu parece un dibujante de la vieja escuela, centrado en conseguir una perfecta narrativa que aporte fluidez entre viñetas y claridad total.

Cafu dibuja todo este arco excepto algunas páginas del tercer número, que fueron dibujadas por Ramón Pérez, Cian Comey con Roberto Poggi y Frazer Irving. No se si esto vino motivado para darle un descanso a Cafu, pero el guión justifica perfectamente la variación de artistas al hacer saltar a Jane y Heimdall entre dimensiones, haciendo que cada plano de la realidad lo dibuje un artista diferente. Aunque siempre es mejor que un comic lo dibuje un único artista en este caso puede entender que el cambio esté justificado.

Sin embargo, la sensación tras leer este arco es la misma que cuando comencé la serie en noviembre, el cómic es correctísimo en todo, pero no me enamora nada. El guión claramente cumple su función de establecer el nuevo status-quo para Jane, pero la historia me dejó frío, empezando por unos villanos Bullseye y Segador meramente funcionales.

Tampoco el dibujo me enamora, aunque como digo me parece súper correcto dentro del standard de Marvel, lo que significaría que sería top para el 95% de las otras editoriales.  Sin embargo, dentro de esta corrección de Cafu, no veo planos interesantes ni intención de dejarnos con la boca abierta con sus imágenes. Al final, se me queda igual de correcto y plano que el resto de elementos.

La situación económica es la que es, y lamentablemente ya no se puede comprar todo lo que me gustaría, de forma que “correcto” ya no es suficiente, si es que alguna vez lo fue.

Lamentablemente, este quinto número es el último que voy a comprar de Jane Foster: Valquiria. El aumento de precios de Panini, la situación provocada por el Covid-19 y la necesidad de ajustar gastos, y que el cómic en si no deja de ser únicamente correcto precipitan mi decisión. Una pena, teniendo en cuenta lo mucho que me gustó la etapa de Jane Foster como Thor, pero este cómic sencillamente no está al mismo nivel.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

 

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Crítica de The Young Pope de Paolo Sorrentino (HBO)

Una de las series que más ganas tenía de ver aprovechando mi nueva suscripción a HBO era The Young Pope, la polémica serie de Paolo Sorrentino sobre un joven Papa interpretado por Jude Law con unas ideas revolucionarias. Tras verla, me alegra decir que la serie me ha encantado, ha sido sorprendente y llena de profundidad.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

El joven Lenny Belardo acaba de ser elegido Papa, un pontífice de menos con 50 años que se ha hecho llamar Pio XIII. Nadie sabe en el fondo que piensa sobre los temas más importantes de la Iglesia, ni cómo piensa dirigir el Vaticano. Sus primeras y controvertidas decisiones descolocarán a todo el mundo, incluyendo a los miembros de la curia y a los fieles de todo el mundo, haciendo tambalear hasta los mismos cimientos de la Iglesia. (FILMAFFINITY)

The Young Pope es una coproducción de HBO, Canal + y Sky creada y dirigida por  Paolo Sorrentino (La Gran belleza, La juventud), que ha escrito además los guiones junto a Umberto Contarello, Tony Grisoni y  Stefano Rulli. La fotografía ha sido realizada por Luca Bigazzi, creando imágenes de gran potencia.

Aunque una parte importante de la serie está ambientada dentro del Vaticano, en realidad fue rodada en los míticos estudios Cinecitá de Roma, además de en varios palacios y jardines alrededor de Roma, así como en la ciudad de Venecia.

La serie está protagonizada por un espectacular Jude Law como Lenny Bernardo, que será nombrado Papa con el nombre de Pio XIII. Además, tenemos a Diane Keaton como Sor María, una monja que cuidó de un joven Lenny, abandonado por sus padres de niño que fue criado en un hospicio de la Iglesia. Silvio Orlando es el cardenal Voiello, el poder en la sombra del Vaticano, el español Javier Cámara es el cardenal Gutiérrez, mientras que James Cromwell interpreta al cardenal Michael Spencer, el mentor en la fe de Lenny y que aspiraba al papado que le fue arrebatado tras una misteriosa votación que contra todo pronóstico le dió el puesto a Lenny.

The Young Pope es provocadora, polémica y está llena de profundas reflexiones sobre la naturaleza de la fe, de la religión y, sobre todo, del papel de la Iglesia en la sociedad contemporánea.

Jude Law crea a un alucinante Papa Pio XIII, una persona fría, distante y egoista para el que sólo importa lo que él crea, sin importarle las repercusiones que vaya a provocar. Y que sin embargo sirve como perfecto vehículo para mostrar las contradicciones de nuestra sociedad, que pide pruebas para tener fe. Y si algo queda claro, es que Pio XIII está lleno de contradicciones, aunque a medida que le conocemos, más complejo es y más nos engancha con su personalidad arrolladora y sus debilidades y flaquezas.

Paolo Sorrentino ha creado un guión muy inteligente que riega cada capítulo de sorpresas y punkarradas del Papa que mantienen el interés del espectador, mientras conocemos el interior del Vaticano y nos presenta a una persona rota por dentro por la duda que arrastra desde que fue abandonado de niño por unos padres que no le quisieron. El hecho de ser huérfano es la metáfora principal de la serie que sería transmisible a todos los seres humanos que alguna vez nos hemos sentido solos y hemos creido que nuestra existencia carece de sentido. Ir conociendo los detalles de la psicología del joven Papa ha sido un viaje increíble y en algunos momentos emocionante.

Además de Jude Law, la verdad es que todo el reparto está de 10. Diane Keaton está increíble como una monja que renunció al amor carnal pero consiguió mucho más gracias a su fe y su labor en la Iglesia, llegando a ser la madre que Lenny nunca tuvo. También Javier Cámara está espectacular, creando a un buen hombre que sin embargo tiene unos defectos y flaquezas importantes.

Otro detalle que aprovecho para destacar es su espectacular diseño de producción, que en todo momento te hace sentir dentro del Vaticano. Aunque era imposible que la Iglesia aprobara una serie de esta naturaleza, hubo momentos en que casi parecía una ruta turística por los principales espacios vaticanos.

Además, una vez vista en su conjunto, diría que este polémicopapa  que quiere romper las normas al final es un retrato muy humano que diría puede hacer ver con ojos favorables la figura de los Papas de la Iglesia Católica. Hasta el punto que al final, casi consigue devolvernos la fe, quizá no en una institución anquilosada por tradiciones anticuada, pero sin duda en las personas que la forman y realmente buscan hacer el bien al prójimo de forma desinteresada.

The young Pope me ha gustado mucho y me ha sorprendido de principio a fin al empezar a verla sin conocer nada aparte de la premisa básica. De hecho, casi recomiendo que la veáis igual que hice yo, sabiendo lo menos posible y realizando un salto de fe. Espero que acabéis igual de satisfechos que yo.

Comparto el trailer de esta serie:

The young pope me ha encantado de principio a fin. Polémica, transgresora y muy inteligente, me parece una serie con grandes ideas perfectamente ejecutada con un reparto estelar. 100% recomendable.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

 

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Crítica de Thor: El mundo oscuro de Alan Taylor (Marvel Cinematic Universe 8)

Thor: El mundo oscuro (Alan Taylor, 2013), la continuación de las aventuras de Thor tras la histórica Vengadores, significó una estupenda aventura que amplió el mundo de Thor y el carisma de su hermano Loki.

PUNTUACIÓN: 8/10

Thor lucha por restablecer el orden en el cosmos, pero una antigua raza liderada por el vengativo Malekith regresa con el propósito de volver a sumir el universo en la oscuridad. Se trata de un villano con el que ni siquiera Odín y Asgard se atreven a enfrentarse; por esa razón, Thor tendrá que emprender un viaje muy peligroso, durante el cual se reunirá con Jane Foster y la obligará a sacrificarlo todo para salvar el mundo. (FILMAFFINITY)

Marvel y Kevin Feige tenían una fe total en Thor, hasta el punto que llegaron a confirmar una secuela de Thor (Kenneth Branagh, 2011) antes incluso del estreno de su primera película. Dado el éxito de la película, nadad más estrenarse Marvel se lanzó a la preproducción de esta película, que acabó estrenándose en 2013, tan sólo dos años después, algo poco habitual.

Tras negociar con varios directores, finalmente Marvel contrató a Alan Taylor, veterano director de televisión que había trabajado en series como Juego de Tronos, Mad Men o Boardwalk Empire.

A partir de un primer guión escrito por por Robert Rodat y Don Payne, finalmente fueron acreditados como guionistas Christopher Yost, Christopher Markus y Stephen McFeely, aunque el propio Taylor reconoció que incluso Joss Whedon les ayudó a reescribir algunas escenas que no acababan de funcionar.

Alan Taylor se trajo a Kramer Morgenthau como director de fotografía, con el que ya había trabajado en Juego de Tronos, con el que buscaba dar un tono más sucio y realista en comparación con la brillante versión de Branagh. Brian Tyler, que había escrito la banda sonora de Iron Man 3 realizó a última hora la banda sonora de esta película, indicando que debido a la naturaleza motilógica del personaje pudo crear una música lo más épica posibleM.

Para el rodaje de Thor El mundo oscuro, Marvel contó con  Chris Hemsworth como Thor, Natalie Portman como Jane Foster, Tom Hiddleston como Loki, Anthony Hopkins como Odin, Rene Russo como Frigga (madre de Thor y Loki), Stellan Skarsgård como el Doctor Erik Selvig, Idris Elba como Heimdall, Kat Dennings como la becaria Darcy Lewis, Laimie Alexander como la Dama Guerrera Sif y los 3 Guerreros Volstagg (Ray Stevenson), Fandral (Zachary Levi), y Hogun (Tadanobu Asano).

La nueva amenaza a la que se enfrentarán serán los Elfos Oscuros de Svartalfheim liderados por Malekith, interpretado por Christopher Eccleston, que busca recuperar el Ether, un elemento mágico que puede destruir la realidad y que le fue arrebatado hace miles de años por Bor, el padre de Odin. Junto a Malekith, su lugarteniente Algrim, interpretado por Adewale Akinnuoye-Agbaje, se convertirá en Kurse por medio de la magia oscura de los Elfos. Kurse en uno de los grandes enemigos de Thor y su fuerza rivalizaba con la del Dios del Trueno.

Thor: El mundo Oscuro es la definición perfecta de continuación que construye a partir de lo existente para ampliar el mundo de los protagonistas cambiando para siempre su status-quo. De hecho, ojalá más secuelas funcionaran igual de bien que esta película.

A partir de un prólogo ambientado en el pasado en el que Bor, padre de Odin, venció a los Elfos Oscuros y les arrebató el Ether al igual que Odin les quitó el Cofre de los Inviernos a Laufey al comienzo de la primera película, la acción arranca con la llegada de Thor y Loki a Asgard, donde Odin le condena a prisión por los crímenes cometidos en la anterior película y en Los Vengadores (Joss Whedon, 2012).

A partir de ahí, la acción avanza varios meses, en los que se explica que Thor ha estado pacificando los nueve reinos tras las revueltas surgidas a partir de la destrucción del Bifrost, el Puente del Arco Iris al final de la primera película de Thor. De esta forma, si en la primera película conocimos Jotumhein, hogar de los Gigantes de Hielo, en esta segunda película viajaremos a Svartalfheim, hogar de los Elfos Oscuros, y Vanaheim, el mundo de Hogun, uno de los 3 Guerreros. De esta forma, tras dos películas los espectadores ya hemos visitado 5 de los 9 mundos.

El Mundo Oscuro vuelve a construirse a partir del carisma de Thor y su hermano Loki, y el conflicto emocional entre ambos al verse obligados a trabajar juntos para derrotar a Malekith vuelve a ser probablemente lo mejor de la película. Ambos protagonistas crecen y evolucionan durante la película y la sorpresa final rompe con todos los tópicos y nos sorprende de forma increíble y nos dajaba con muchísimas ganas de ver la siguiente película.

También Jane Foster (Natalie Portman) gana protagonismo en esta película y queda como un personaje más redondo tras una primera aparición en la que parecía una adolescente atontada ante el gran chico rubio. Además de tener una importancia fundamental para vencer a Malekith al usar su inteligencia, sirve para mostrarnos un elemento muy chulo del Marvel Cinematic Universe en su conjunto, y es que el tiempo transcurre igual que en mundo real. Así, tras estrenarse Thor en 2011, al comienzo de El Mundo Oscuro, estrenada en 2013, se queja a Thor cuando vuelven a encontrarse en Londres que está enfadada con él porque habían pasado dos años sin tener noticias suyas. Los dos años que han pasado en el mundo real, un tiempo que los guionistas justifican adecuadamente por la guerra en los 9 reinos que antes mencionaba.

Además, igual que en la primera película, El mundo oscuro vuelve a generar un correcto contraste entre el mundo fantástico y aventurero de Asgard con el tono humorístico que veremos en la Tierra gracias a unos super buenos Stellan Skarsgård como Erik Selvig y Kat Dennings como la becaria Darcy Lewis, que además, en esta película cuenta con su propio becario. Ambos personajes cuentan con momentos super divertidos que nos dan un respiro al drama que estamos viviendo en Asgard ante el ataque de Malekith y la muerte de Frigga. Este humor lo veo muy equilibrado y me funciona, al igual que la mayoría de elementos de la película.

Una crítica recurrente contra las películas de superhéroes es que son todas iguales. Thor: El mundo Oscuro claramente busca ofrecer elementos novedosos para el género y rompe sin duda con este falso tópico. Empezando por la invasión de las fuerzas de Malekith a Asgard, que ofrece unos excelentes cinco minutos de combate sin diálogos que transmite el feeling de películas bélicas tipo Salvar al Soldado Ryan y que sirve para recordarnos que ni este Asgard ni Thor son los mismos que los de la mitología escandinava, sino la traslación de los comics Marvel de Stan Lee y Jack Kirby, que eran aventuras con una elevada carga de ciencia ficción.

La muerte de Frigga no es un elemento novedoso, de hecho entraría dentro de los clichés del cine de aventuras y acción para convertir la lucha contra el villano en algo personal. Sin embargo, la escena con el entierro vikingo es super emocionante, y las buenísimas interpretaciones de Chris Hemsworth y Tom Hiddleston convierten su dolor en algo muy real. Comentaba Alan Taylor que “Lo brillante que hizo Kenneth Branagh en Thor fue hacer una historia de dos hermanos, una historia de hermanos compitiendo por el amor de su padre. Así que es pequeña, reducida y humana a la vez que está en este enorme mundo intergaláctico.” En Thor El Mundo Oscuro aplican el mismo concepto, aunque el destino de la galaxia está en juego, al final estamos ante la historia de un joven que busca salvar a su novia de la muerte y de dos hermanos que buscan venganza por su madre muerta.

También en el climax final en Greenwich destaca por intentar huir del clásico combate final a puñetazos entre el héroe y el villano, creando una lucha a través de diferentes portales dimensionales que ofrecen momentos brillantes visualmente con una elevada carga humorística. Esta escena claramente rompe con lo que se espera que tiene que ser una lucha final y a mi me funciona. El momento en el que Thor arriesga su vida entrando en el Ether para vencer a Malekith usando la tecnología creada por el Doctor Selvig y por Jane es otro momentazo visualmente brillante que consigue que la película tenga su propia personalidad y no sea en ningún caso una sucesión de batallas genéricas.

Hay que reconocer que a pesar de que Thor El mundo oscuro es una notable película de aventuras que hace casi todo bien, los villanos Malekith y su hombre fuerte Kurse se quedan en meramente funcionales para el argumento, y les faltan la fuerza y el carisma en pantalla que sí transmiten nuestros héroes de esta historia, Thor y Loki. Visualmente, los fans de los comics flipamos al ver a los clásicos villanos de la etapa de Walter Simonson adaptados a imagen real, pero quizá la película hubiera quedado más redonda si hubieran empleado 5 minutos más en dar sobre todo a Malekith una mayor profundidad aparte de “quiero cubrir de oscuridad toda la galaxia”.

Dado que la película dura unos ajustados 110 minutos, este añadido no hubiera afectado al ritmo de la película. Sin embargo, artículos de internet de la época sugieren que el empeño en mantener el presupuesto en niveles controlables marcó que la película no pudiera exceder las 2 horas. No se si esto es cierto, pero narrativamente la película hubiera sido aún más redonda con un villano que fuera una verdadera amenaza a nuestros héroes.

La película a mi me parece sin duda notable. Sin embargo, es público y notorio que Alan Taylor no quedó contento con el montaje final estrenado ni con los añadidos que supuestamente Marvel forzó. Es difícil saber quien tiene razón en este tema, pero sí debo comentar que la propuesta que inicialmente expresaba Taylor sobre cómo debía ser Asgard choca con el hecho incontestable que estas películas NO trasladan la mitología nórdica en ningún caso, sino la versión de los Comics Marvel. “La mayor diferencia que tengo [del enfoque de Branagh] de hecho tiene que ver con el aspecto y el tono. Todo se ve muy sucio. La primera de Thor era bastante brillante y fue una decisión muy consciente e inteligente. Cuando llegué, quise dar una idea mejor de la mitología nórdica: la cualidad vikinga, la textura y el peso de la historia. Él es un superhéroe, pero existe hace miles de años.” No tengo problema en esta premisa de Taylor, pero tampoco me supone ningún problema que exita un productor como Kevin Feige que controle que la visión del director no se desvíe de la que el estudio ha marcado para sus personajes y sus mundos.

Thor El mundo oscuro no es una obra de arte y ensayo, sino la segunda parte de la historia de un personaje dentro de un universo compartido con otros personajes, y prefiero que Feige imponga su criterio para asegurar la coherencia interna. Otro elemento que se comentó en su día es que Taylor quería que la muerte de Loki hubiera sido real y no le gustó la última escena en la que se descubre que está vivo. Sin embargo, dado el carisma de Hiddleston, entiendo la decisión de Marvel, y el hecho de convertirle en el Señor de Asgard tras engañar a todos cambiaba de forma dramática el status-quo y nos dejaba con la incertidumbre de saber qué había pasado con Odin ¿Estaba vivo, muerto, preso? Tuvieron que pasar 4 años hasta el estreno de Thor: Ragnarok (Taika Waitit, 2017) para conocer la continuación. Mientras, la película terminaba en una segunda escena post-créditos con el final feliz soñado por Thor, al quedarse por fín con la chica y renunciar al trono para poder seguir siendo el héroe que quería ser. Aunque para él todo había acabado bien, no se había dado cuenta del engaño perpetrado por su hermano.

Globalmente, el final me parece brillante en todos los aspectos. Y además, la primera de las escenas post-créditos sirve para ampliar la vertiente galáctica del Universo Marvel al presentarnos al Coleccionista (Benicio del Toro) que aparecería al año siguiente en la brillante Guardianes dela Galaxia (James Gunn, 2014).

A partir de un presupuesto de 170 millones, más elevado que el de Thor (150 millones), pero por debajo de otras superproducciones de la época, Thor El mundo oscuro recaudó 650 millones en todo el mundo, lo que unido al enorme éxito de Iron Man 3 ese mismo año asentó el poderío de Marvel Studios como creadora de grandes éxitos de taquilla, cosa que veriamos ampliarse en los años siguientes.

Comparto el trailer de la película:

Aunque para el fandom Thor El mundo oscuro es una de las películas más flojas del MCU, el nuevo visionado me muestra una notable película de aventuras que claramente buscó ofrecer cosas nunca antes vista en una película de Marvel y que, para mi, acierta la mayoría de las veces.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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¡Saludos a todos!

Crítica de Akira de Katsuhiro Otomo (película de animación, 1988)

Tras leerme el clásico manga Akira de Katsuhiro Otomo hace unos días, ha sido muy interesante ver de nuevo su no menos icónica película de animación, que sirvió para que toda una generación en la que me incluyo descubriera la magia de la animación japonesa.

PUNTUACIÓN: 9/10

Año 2019. Neo-Tokyo es una ciudad construida sobre las ruinas de la antigua capital japonesa destruida tras la Tercera Guerra Mundial. Japón es un país al borde del colapso que sufre continuas crisis políticas. En secreto, un equipo de científicos ha reanudado por orden del ejército un experimento para encontrar a individuos que puedan controlar el arma definitiva: una fuerza denominada “la energía absoluta”. Pero los habitantes de Neo-Tokyo tienen otras cosas de las que preocuparse. Uno de ellos es Kaneda, un joven pandillero líder de una banda de motoristas. Durante una pelea, su mejor amigo, Tetsuo, sufre un extraño accidente y termina ingresado en unas instalaciones militares. Allí los científicos descubrirán que es el poseedor de la energía absoluta. Pero Tetsuo, que no se resigna a convertirse en un conejillo de indias, muy pronto se convertirá en la amenaza más grande que el mundo ha conocido. (FILMAFFINITY).
Katsuhiro Otomo dirigió y escribió esta película de animación al mismo tiempo que realizaba el manga. De hecho, la película se estrenó con gran éxito en Japón en 1988 varios años antes de terminar la publicación del manga, lo que provocó que aunque el final es similar, todo el desarrollo se modificara muchísimo, al centrarse Otomo prácticamente en la primera mitad del manga.
Para el guión de esta película Otomo contó con la colaboración de Izo Hashimoto, y durante años Akira fue considerada la película más cara de la historia de Japón, con un presupuesto de más de 1000 millones de yenes (de la época).
Otro elemento super recordado es la música de Shoji Yamashiro , con un uso de percusión poco común para la época que se nos quedó grabada en el cerebro.

Entrando en materia, la animación de Akira sigue estando a otro nivel. Neo-Tokio es mostrado con un impresionante nivel de detalle nunca antes visto en una película de animación. Pensar que esta película se realizó con técnicas tradicionales de animación, muchos años antes de la aparición de la animación por ordenador, me vuela la cabeza cada vez que la veo. Además de la ciudad, las persecuciones en moto transmiten también una sensación de velocidad bestial, con el uso de los focos y sus perfectos movimientos. Solo por estos elementos la película es de visionado obligado para cualquier fan de la animación.

Frente a elementos normales de la época como era animar solo la boca de los personajes para abaratar costes, Akira rompió todos los esquemas grabando primero las voces para hacer que la animación de los personajes cuadrara completamente. En muchos aspectos, la película fue revolucionaria y eso se sigue notando cuando se ve la película.

Además, frente al manga que está lleno de páginas y páginas de destrucción sin tregua, el anime consigue detener la acción para crear momentos super icónicos que son la historia del cine, como Kaneda con su moto por la ciudad, disparando su arma láser o el disparo del satélite SOL al estadio olímpico.

En lo referido al guión, tener que condensar las 2000 páginas del manga para hacer una película de 2 horas provocó que tuvieran que quedarse con los elementos centrales de la obra, de forma que elementos como la investigación del gobierno con niños a los que usaron de conejillos de indias indias queda incluso mejor explicada en la película. De hecho, que Akira no esté vivo sino que fuera diseccionado y conservado en tubos de ensayo para investigar con su ADN es una decisión super acertada que refuerza este elemento, de forma que si si hay algún villano en la historia, estos serían el ejército y los científicos sin escrúpulos.

De hecho, la forma en que utilizan a Tetsuo refuerza esto, de forma que no les importa dar poderes a un chaval a pesar de los riesgos con tal de poder controlar ese poder.

Frente al larguísimo manga, la película se centra en la primera mitad en la que Tokio está sufriendo revueltas en las calles protestando contra el gobierno autoritario, y como la aparición de Tetsuo lo cambiará todo. De hecho, sorprende que al ser Otomo el creador de ambas, el manga y el anime, la película directamente se salte más de la mitad del manga, no llegando a ver la segunda explosión que marcó el giro y el cambio a la segunda parte del manga con la creación del Reino de Tokyo en las ruinas de la ciudad de Neo-Tokio.

En todo caso, creo que película mejora al manga al quedarse con lo esencial para su historia, haciendo que la historia sea más clara y directa.

Dicho esto, a pesar de que Otomo elimina de su película más de la mitad del manga, siguen pasando tantas cosas durante las dos horas de película que no hay una progresión hasta alcanzar el climax, sino escenas que se solapan una detrás de otra. Entiendo la dificultad de adaptar una obra tan enorme, pero narrativamente me dió la sensación de estar viendo capítulos sueltos de una obra mayor y me faltó algo para que me diera una sensación de obra redonda perfecta.

Además, igual que en el manga, los personajes de Kaneda y Tetsuo siguen siendo super desagradables, dos niñatos engreídos con los que es muy difícil empatizar. El resto de personajes como Kay o el general no tienen espacio para poder ser minímamente desarrollados.

En todo caso, esto son dos elementos menores que no desmerecen la importancia de Akira, que forma parte de la historia del cine por méritos propios.

Akira fue fundamental en la expansión de la cultura japonesa en Europa y en los Estados Unidos, consiguiendo que millones de jóvenes nos engancháramos al manga y a los animes. Series como Bola de Drac o Doraemon ya habían llegado a España previamente, pero Akira nos abrió los ojos y nos mostró un nivel de calidad muy superior al de otras producciones americanas de la época, lo que supuso una auténtica revolución.

Comparto el trailer de la película:

Akira sigue siendo 30 años después una estupenda película que eres de visionado obligado para todos los fans del cine de animación.

PUNTUACIÓN: 9/10

 

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Crítica de Daredevil Born Again de Frank Miller y David Mazzucchelli

Obra maestra. Daredevil Born Again de Frank Miller y David Mazzucchelli es la obra cumbre de dos maestros del comic y la mejor historia jamás publicada de un personaje que ha tenido excelentes etapas desde que fue creado en 1964 por Stan Lee y Bill Everett. Un comic imprescindible, una maravilla.

“Y yo os digo… Que un hombre sin esperanza es un hombre sin miedo”. Llega la historia definitiva de Daredevil, escrita y dibujada por dos auténticas leyendas del Noveno Arte. Karen Page, el antiguo amor de Matt Murdock, ha cambiado la identidad secreta del Diablo Guardián por una dosis de droga. Ahora, Daredevil debe encontrar fortaleza mientras Kingpin le golpea como nunca antes lo ha hecho. Si sólo puedes tener un libro de Daredevil en tu biblioteca, debería ser éste.

Daredevil Born Again fue publicado originalmente entre los meses de febrero y Agosto de 1986, en los números 227 al 233 de la serie regular del personaje. 7 números que forman parte de la historia del comic americano. Me parece alucinante que Frank Miller realizara este Born Again al mismo tiempo que su otra gran obra, Batman: The Dark Knight Returns, que fue publicada entre febrero y junio de ese mismo año. Comics que por apenas unos meses no coincidieron con el otro gran cómic de DC Comics de toda su historia,  Watchmen de Alan Moore y Dave Gibbons, cuya publicación empezó en septiembre del mismo año. Bendito 1986.

Para Born Again, Miller utiliza una iconografía católica como metáfora para contarnos la caída y resurrección de Matt Murdock. Porque es Matt el protagonista, no su alter-ego superheroico de Daredevil. El retrato tremendamente humano de todos los personajes y sus propias caídas de gracia y la  forma en que se levantan nos atrapa  de principio a fin.

Si Matt es nuestro Jesucristo, no puede faltar un Judas encarnado en su antigua novia Karen Page, que le vende por una dosis de droga. También su amigo el periodista Ben Urich tiene un papel bíblico, al encarnar al San Pedro que negó tres veces a Jesucristo antes de levantarse para construir su Iglesia. Y si Born Again está llena de metáforas bíblicas, no podía faltar Kingpin como la personificación del mal, que busca destruir al único hombre bueno que intentó oponerse a él y que se deleita con su caída y sufrimiento.

A nivel creativo, Miller condensa toda la experiencia acumulada hasta la fecha demostrando una pericia narrativa asombrosa para un escritor que en ese momento tenía tan solo 29 años y que sin embargo se encontraba en plenitud creativa. Born Again cuenta con un preciso control del ritmo y los tiempos, saltando de forma hábil entre los diferentes personajes, cambiando la voz en off del narrador de la primera de Matt y Ben a la tercera persona de Karen o Kingpin,  apoyándose en unos diálogos y una prosa secos, austeros y certeros. Nunca una palabra de más, condensando toda la acción de la forma más clara y directa, sin florituras innecesarias. Pero creando algunos de los mejores momentos que jamás se han escrito del personaje.

Y si el guión de Miller es maravilloso, no lo es menos el increíble apartado artístico. David Mazzucchelli al dibujo con la colaboración de los coloristas Christie Scheele y Richmond Lewis (que el año siguiente volvió a colaborar con Miller y Mazzucchelli en Batman Year One), crean unas páginas que son historia viva del comic.

Resulta asombroso comprobar que David Mazzucchelli era un recién llegado a Marvel que con 25 años apenas había realizado algunos cómics sueltos en series como Shang-Chi, Indiana Jones, Marvel Team-up o la propia serie de Daredevil con Dennys O´Neill. En Born Again su maestría narrativa es alucinante. No sólo condensa en cada imagen el momento más icónico, es que su narrativa es limpia y fluida, mostrando en todo momento donde están los personajes y qué está sucediendo de la forma más clara posible, haciendo que los lectores podamos seguir la historia sin necesidad de leer los bocadillos de texto.

Si a esta maravillosa habilidad de congelar el tiempo en el momento más icónico le unimos la potencia de las imágenes religiosas, el resultado son algunas de las páginas más bellas que jamás leeremos en las páginas de un comic.

El dibujo de Mazzucchelli es una barbaridad, pero merece la pena detenerse a destacar el color de Christie y Lewis, que consiguen transmitir perfectamente atmósferas opresivas que nos recuerdan las mejores historias de género negro. La primera página en que Karen vende su alma al diablo en México o el purgatorio de Ben Urich en el Bucle asustado tras ser agredido por Kingpin son páginas maravillosas en las que Mazzucchelli muestra una gran compenetración con sus coloristas, dándoles espacio para que se luzcan. O qué decir del ataque de Nuke con el retorno de Daredevil, o los grises con que muestran a Kingpin. El mundo del comic es un arte colaborativo, y este cómic es un maravilloso ejemplo de lo que unos artistas pueden conseguir colaborando en plenitud creativa.

He leído Born Again decenas de veces y siempre consigue emocionarme. Aún sabiendo lo que va a suceder cada vez que voy a pasar la página. Hay otros comics maravillosos, algunos de los cuales he ido reseñando en las últimas semanas. Pero al final siempre acabo volviendo a la fuente, el cómic que condensó todo lo que los cómics Marvel pueden ofrecer cuando personajes icónicos son utilizados por artistas en estado de gracia para crear historias más grandes que la vida.

No se puede hacer mejor que Daredevil Born Again, para mí es una obra maestra del comic que todo el mundo debería leer al menos una vez.

Me ha emocionado tanto la relectura de este cómic y dado que este es mi blog y hago lo que quiero, que voy a aprovechar esta segunda parte del post una vez terminé la reseña propiamente dicha, para recordar algunos de los mejores diálogos e imágenes de cada número, que me emocionan y me ponen la piel de gallina cada vez que los leo:

 

1ª PARTE – Nº 227 USA: APOCALIPSIS

Karen Page:

“Daredevil. ¿Oyes? Ese es su nombre.”

“Pero tiene otro. Y lo he escrito aquí. ¿Lo quieres o no?

Matt Murdock:

“No pensaba que fueses tú.  Nada parecía indicarlo… hasta esto.

“Era un buen trabajo, Kingpin”.

“No debiste firmarlo.”

 

2ª PARTE – Nº 228 USA: PURGATORIO

Karen Page:

“Recuerda al hombre… Matt… El hombre al que amaba… y al que traicionó”

“… El hombre que puede salvarla.”

 

Kingpin:

“No hay cadaver.”

“No hay cadaver.”

 

3ª PARTE – Nº 229 USA: ¡PARIA!

Matt Murdock:

“Papá es asesinado y yo me convierto en Daredevil.”

“Pasan más cosas… pero eso ya no existe, así que no importa…”

“Kingpin lo destruyó. Descubrió mi identidad secreta y me lo quitó todo….”

“Y yo le ataqué…”

“Y él me mató.”

 

Enfermera a Ben Urich:

“Mr. Urich, le está causando molestias a mi jefe. Me ha pedido que le exponga su posición.”

“Cada vez que pronuncie el nombre de Matthew Murdock…”

“Perderá uno de sus dedos.”

Matt Murdock:

“Ahora, todo lo demás ha muerto.”

“Solo vive el luchador.”

“Solo el luchador…”

 

Kingpin:

“Yo le he ensañado que…”

“Un hombre sin esperanza…”

“Es un hombre sin miedo.”

 

 

4ª PARTE – Nº 230 USA: BORN AGAIN – NACER OTRA VEZ

Hermanda Maggie:

“¡Gracias a Dios!”

“¡Está vivo!

 

Karen Page:

“Matt la salvará.”

“Ha de hacerlo.”

Kingpin:

“Murdock aún vive.”

“Murdock aún vive.”

 

J. Jonah Jameson (a Ben Urich):

“Debería despedirte.”

“Fuera de mi oficina.”

Hermanda Maggie:

“La fiebre sube. Nada puede pararla. Ha perdido demasiada sangre, su cuerpo no puede luchar.”

Morirá.

“Pero tiene tanto que hacer, señor.”

“Su alma está aturdida.”

“Pero es un hombre bueno, señor.”

“Solo necesita que le enseñes tu camino. Estonces se levantará y será en esta ciudad tu espada de luz en tus maños, señor.”

“Si he de ser castigada por mis pecados, sea.”

“Si he de ir al infierno, sea.”

“Pero perdónalo.”

“Tanta gente le necesita.”

“Escucha mi plegaria.”

 

Ben Urich:

“MATT MURDOCK!”

 

Matt Murdock: “Maggie, ¿Eres mi madre?”

Hermanda Maggie: “Claro que no.”

Matt Murdock: ” Un latido es muy revelador. El suyo me dice que… miente.”

 

5ª PARTE – Nº 231 USA: SALVADO

Matt Murdock: “Melvin. Haz el traje. No pasará nada.”

Melvin Potter: “Me encanta oir de nuevo tu voz.”

 

Ben Urich: 

“En cuanto a mi… Bien, como les dije, soy periodista.”

“Voy a averiguar donde está Matt Murdock y qué ha sido de él.”

 

6ª PARTE – Nº 232 USA: DIOS Y PATRIA

NUKE:

“Dame una roja.”

Kingpin:

“Nuke. Una palabra tan sencilla.

“Ahora, Kingpin enviará a ese Nuke contra el hombre que odia.”

“El hombre que teme.”

“Murdock.”

 

Karen Page:

“No he perdido nada”, dijo, y rió como un niño. Karen no lo entendió… y Matt la besó y la abrazó.

 

7ª PARTE – Nº 233 USA: ARMAGEDÓN

Ben Urich:

“Aparecen de pronto.”

“Su voz podría dar órdenes a un Dios.”

“Y así es.”

“De pronto, llueve con fuerza.”

“Todos guardan silencio.”

“Menos Matt.”

General: “Ojalá pudiese contárselo, Capitán. Entonces vería que no es nada. Ya sabe que el Dpeartamento le tiene en la mayor estima… Siempre hemos apreciado su lealtad.”

Capitán América: “No soy leal a nada… Excepto al sueño.”

Matt Murdock:

Me llamo Matt Murdock.

Un accidente me dejó ciego. Mis demás sentidos están super desarrollados.

Vivo en la Cocina del Infierno e intento mantenerla limpia.

No hace falta saber más.

Buff, los pelos como escarpias. Qué contento me he quedado tras volver a leer esta obra maestra. No se puede hacer mejor.

PUNTUACIÓN: OBRA MAESTRA

 

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Crítica de Iron Man 3 de Shane Black (Marvel Cinematic Universe 7)

Tras la primera aventura de los Héroes Más Poderosos de la Tierra, Marvel Studios tenía una complicada cuestión: ¿Cómo superas algo casi insuperable? La respuesta fue muy sencilla, ni siquiera lo intentas, mejor plantear algo totalmente diferente. Esa es la explicación de la creación de Iron Man 3, escrita y dirigida por el personalísimo Shane Black, firmando una de las películas más sorprendentes, divertidas e interesantes del Marvel Cinematic Universe.

PUNTUACIÓN: 8/10

El descarado y brillante empresario Tony Stark/Iron Man se enfrentará a un enemigo cuyo poder no conoce límites. Cuando Stark comprende que su enemigo ha destruido su universo personal, se embarca en una angustiosa búsqueda para encontrar a los responsables. Este viaje pondrá a prueba su entereza una y otra vez. Acorralado, Stark tendrá que sobrevivir por sus propios medios, confiando en su ingenio y su instinto para proteger a las personas que quiere. (FILMAFFINITY)

Shane Black es uno de los escritores básicos de Hollywood de los años 80. Fue guionista de Arma Letal 1 y 2, The Last Action Hero y Memoria Letal. El género de las buddy-movies con altas dosis de humor y violencia no se explica sin Black. En 2005 dirigió su primera película, Kiss kiss, bang bang, una notable mezcla de género negro con unas dosis de humor irónico. Esta película tiene una gran importancia, ya que estuvo protagonizada por un Robert Downey Jr. recién salido de la clínica de desintoxicación tras luchar contra su adicción a las dorgas y el alcohol. Black dió la primera oportunidad a un Downey Jr. que hasta ese momento era un apestado en Hollywood tras protagonizar numerosos escándalos. Además de ser una estupenda película, Kiss kiss, bang bang creó una amistad entre el actor y el director, y en cuanto pudo un agradecido Downey Jr. quiso agradecerle el favor al sugerir a Marvel que le contratara para la tercera película de Iron Man.

Black dirigió Iron Man 3 y escribió el guión junto a Drew Pierce, que mantiene muchas de las señas de identidad que le convirtieron en uno de los escritores estrellas de Hollywood: diálogos excelentes, buenas dotes de humor irónico, giros sorprendentes y mucha acción. Los elementos centrales de la película que la separaría de las anteriores es que claramente buscan centrarse en Tony Stark antes que en su alter-ego, creando un tecno-thriller anclado en el mundo real con temas como el terrorismo y la experimentación genética, que se separara de los grandes espectáculos de efectos especiales previos. Desde luego, Black quería alejarse de una película centrada en luchas de personajes con armaduras a cual más grande, como vimos en Iron man 1 y 2.

Brian Tyler escribió la música de una película que tuvo a John Toll como director de fotografía. Kevin Feige se mantiene como productor de la película, en la que Paramount aparece acreditada como productora debido a los acuerdos previos, a pesar de ser Marvel propiedad de Disney desde hacía varios años.

La película está protagonizada por Robert Downey Jr. como Tony Stark / Iron Man, junto a los habituales Gwyneth Paltrow (Pepper Potts), Jon Favreau (Happy Hogan) y Don Cheadle (James Rhodes / Iron Patriot). A ellos se les unen los nuevos personajes Aldritch Killian, interpretado por Guy Pearce, fundador de Advanced Idea Mechanics (AIM), Maya Hansen (Rebecca Hall) una genetista que conoció a Tony en el pasado y que creó Extremi, el misteriosos lider terrorista conocido como Mandarín (Ben Kingsley) y Savin (James Badge Dale), secuaz de Killian que posee Extremis en su cuerpo.

El guión de Iron Man 3 está ligeramente inspirado en Extremis de Warren Ellis y Adi Granov. Si ya en mi crítica de Iron Man 1 comenté que los diseños de Granov para esta miniserie publicada por Marvel Comics en 2005-06 sirvieron de inspiración para la creación de la armadura, en esta película utilizan levemente el argumento de Ellis de una investigadora que crea Extremis mediante investigación genética, creando humanos mejorados más poderosos que el humano Tony Stark protegido por una armadura de metal.

Otro guiño a los comics es el cambio de War Machine a Iron Patriot, un detalle de la etapa “Dark Reign” de Vengadores de Brian Michael Bendis en la que el villano Norman Osborn se apropiaba de una armadura y la pintaba con la bandera americana para engañar a la opinión pública. Este detalle del comic ya sugería que durante la película se podría utilizar la armadura de Rhodes con malas intenciones, como así acabó sucediendo.

Iron Man 3 sigue siendo cojonuda. En concreto, me gusta por lo bien pensada que está la historia centrándola en Tony sin armadura, y lo bien ejecutado que está todo, conectándolo a las consecuencias del final de Vengadores con sus ataques de ansiedad.

La película comienza como un tiro, con una escena impactante como es ver explotar las armaduras, para a continuación ver la típica escena de un error del pasado que tendrá consecuencias en el presente, que además resalta lo mucho que ha cambiado Tony desde su primera película. Pero no hay tregua, porque inmediatamente descubriremos la amenaza del Mandarín, e intuimos su conexión con el extrañamente recuperado Aldritch Killian, que ha pasado en unos años de ser un discapacitado a ser un atractivo ejecutivo.

El giro del Mandarín sigue siendo glorioso, lo que unido al ritmo frenético y unos diálogos divertidos e imaginativos hacen que pasen muchas cosas y la experiencia sea super entretenida. Me parece brillante que en una película comercial americana se cuele una crítica tan poco sutil a la política militarista de los Estados Unidos y como las grandes empresas armamentísticas pueden estar creando enemigos ficticios que justifiquen que se compren sus productos.

Entiendo que algunos fans “hardcore” se sintieran dolidos por el uso que hacen del Mandarín, uno de los villanos clásicos de Iron Man que bajo el prisma actual queda un pelín racista, pero estamos ante uno de esos casos de cambio respecto al original que en este caso mejora lo ya existente. El toque freak de Ben Kingsley es genial, el giro crea un momento super divertido y el mensaje que los villanos en el mundo real operan desde el anonimato me resulta mucho más interesante que otros elementos vistos en películas supuestamente serias (alguien ha dicho Martha?)

Y no solo es que el guión sea bueno y la película super divertida, es que visualmente Iron Man 3 se sale. La pesadilla de Tony, la primera explosión en el Teatro Chino, el ataque a la casa de Tony  que derrumba el complejo por el acantilado, la incursión de Tony en la mansión de Killian como si fuera Ethan Hunt o el rescate aéreo son unos momentazos super chulos.

De hecho, hay que reconocer que lo menos bueno de la película es el clímax con la llegada de todas las armaduras, puro fan-service que pierde sin embargo el encanto visto hasta ese momento. Y es que la película había intentado alejarse de los blockbusters tradicionales que esta gran explosión de fuegos artificiales final queda forzado.

Con todo, el mensaje final de que Tony ES Iron Man independientemente de que lleve puesta la armadura o no me parece un final super satisfactorio para la trilogía cinematográfica, que consigue dar un buena sensación de cierre.

Iron Man 3 fue un enorme éxito de taquilla. A partir de un presupuesto de 200 millones recaudó 1200 millones en todo el mundo, casi 600 millones más que Iron Man 2, demostrando que el público ansiaba seguir disfrutando de nuevas películas del Marvel Studios. De hecho, a día de hoy Iron Man 3 ocupa el 6º puesto de las películas más taquilleras de Marvel sólo por debajo de las 4 películas de Los Vengadores y de Black Panther, lo que atestigua el enorme éxito de esta última película de la trilogía de Iron Man.

Comparto el trailer de la película:

Iron Man 3 sigue siendo un espectacular entretenimiento que funciona como un tiro y que entiendo que gustara sobre todo a público no necesariamente comiquero.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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