Crítica de Tyler Rake de Sam Hargrave (Netflix)

Netflix ha estrenado Tyler Rake, película producida por los hermanos Russo (Vengadores Endgame) y dirigida por su coordinador de escenas de acción y especialista Sam Hargrave, que es un espectacular ejercicio de estilo con un Chris Hemsworth protagonista de unas coreografías increíbles que convierten esta película en visionado obligado para todos los fans del cine de acción.

PUNTUACIÓN: 8/10

Cuenta la historia de Tyler Rake (Hemsworth), un mercenario que ofrece sus servicios en el mercado negro, y al que contratan para una peligrosa misión: rescatar al hijo secuestrado de un capo de la mafia india que se encuentra en prisión. En el turbio submundo de los traficantes de armas y los narcos, una misión que se preveía letal pasa a convertirse en un desafío prácticamente imposible que cambiará para siempre las vidas de Tyler y el chico. (FILMAFFINITY)

Joe Russo escribe el guión de esta película que me sorprende descubrir está basado en una novela gráfica: Ciudad, de Ande Parks e ilustrada por Fernando León González. Esta novela gráfica está realizada a partir de una historia de Parks junto a los hermanos Joe y Anthony Russo, lo que me induce a pensar que quizá sirviera a modo de storyboard para vender mejor la película. En todo caso, me provocado mucha curiosidad, a ver si la puedo comprar a ver qué tal.
HenryJackman (otro colaborador habitual de los Russo), realiza la música junto a Alex Belcher, y la película cuenta con fotografía de Newton Thomas Sigel y un montaje alucinante de Peter B. Ellis y Ruthie Aslan. La película fue rodada en Bombay (India) y otras localizaciones en Tailandia y Bangladesh.

Chris Hemsworth es el omnipresente protagonista y principal reclamo comercial de la película, además de realizar funciones de productor. Teniendo en cuenta que está en pantalla el 95% del metraje y la complicación técnica de rodar todas las escenas de acción, planteadas como unos larguísimos planos secuencia, creo que su participación en la película es todo un éxito.

Junto a Hemsworth, tenemos a David Barbour (Stranger things) en un pequeño papel entiendo que también de cara a tener un reclamo internacional. El resto del reparto son actores asiáticos, entre los que destacaría a Rudhraksh Jaiswal como Ovi, el niño secuestrado al que Rake tendrá que rescatar, y Randeep Hooda como Dani, un esbirro del padre de Ovi que tiene sus propios planes para rescatar a Ovi y que protagoniza unos combates bestiales con Hemsworth.

Rake, o Extraction en su versión internacional, es un triunfo monumental. No puedo expresarlo con otras palabras. Viendo la película, entiendo que Hemsworth quisiera protagonizarla, ya que suponía un desafío actoral increíble que pongo al mismo nivel que el que supuso a Keanu Reeves rodar Matrix o John Wick. Si, esta película era un desafío increíble y para un actor rodar un drama lacrimógeno no creo que suponga un desafío tan complejo como esta película en la que aparentemente ha rodado él todas las brutales escenas de acción.

Si los Russo querían que esta película sirviera de carta de presentación para su director Sam Hargrave, especialista y coordinador de las escenas de acción de los Russo, el éxito es total. Tyler Rake es un apabullante ejercicio de estilo que buscaba recrear la potencia visual del cine de acción asiático, y ofrece una película que puede mirar de tú a tú a algunos clásicos del género.

Los larguísimos planos secuencia de varias escenas de acción me han volado la cabeza, al igual que ver a Hemsworth realizar todas las complejas y salvajes coreografías de acción. La película me ha dejado con ganas de volver a verla, no solo por ver de nuevo estas escenas, sino también para analizar su montaje y ver dónde han podido cortar durante estas escenas, ya que el montaje me ha parecido espectacular.

Dentro que el guión está planteado desde la acción, me parece que Joe Russo cumple con nota, ya que plantea varios giros y traiciones interesantes que consiguen que la película nunca aburra, y dota al personaje de Hemsworth de la profundidad justa para que no sea simplemente un Terminator que acaba con todo el mundo a su paso.

El estreno de la película en Netflix en estos momentos de confinamiento creo que va a suponer que millones de personas en todo el mundo vayamos a ver la película en este fin de semana de estreno, sin duda muchas más de las que la hubieran visto en salas comerciales. En mi caso, me alegro mucho de haberla visto y no puedo más que recomendarla a todos los fans del cine de acción, vais a disfrutarlo muchísimo.

Comparto el trailer de la película:

Tyler Rake es un must-watch absoluto. Si te gusta el cine de acción no hay excusas, tienes que verla.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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¡Saludos a todos!

Crítica de Camino a la perdición, de Sam Mendes

Camino a la perdición (2002) es un PELICULÓN con todas las letras. Una maravilla que mezcla el género de gangsters con un drama familiar rodada elegantemente y con unos actores en estado de gracia. No se puede pedir más.

PUNTUACIÓN: 9/10

En los oscuros años de la Gran Depresión, Michael Sullivan (Tom Hanks) es un asesino a sueldo que profesa una lealtad inquebrantable a su jefe, el señor Rooney (Paul Newman), pero es también un buen padre de familia. Son tiempos duros en Rock Island, donde domina la mafia irlandesa, la Ley Seca sigue vigente y los gángsteres, especialmente Al Capone en Chicago, están en la cima del poder. Un día, inesperadamente, el hijo de Sullivan, Michael Jr. (Tyler Hoechlin), decide seguir a su padre para saber en qué consiste exactamente su trabajo. (FILMAFFINITY).

Camino a la perdición parte de un guión de David Self que adaptó a la gran pantalla la novela gráfica de Max Allan Collins y Richard Piers Rayner. Merece la pena destacar que a su vez, Collins nunca ocultó que esta historia está fuertemente influenciada por la obra maestra del manga Lone Wolf & Cub escrita por Kazuo Koike e ilustrada por Goseki Kojima. Camino a la Perdición es uno de los pocos casos en que la adaptación cinematográfica supera a la obra original, aunque reconozco que en parte esta sensación pueda estar producida al no leer esta novela gráfica hasta años más tarde de ver la película, lo que hizo que me pareciera un buen comic aunque alejado de la maestría de la película de Mendes.

Otro de los elementos más destacados de la película es su maravillosa recreación del Chicago de 1931, realizado gracias al trabajo en equipo de Dennis Gassner (diseño de producción), Richard L- Johnson (dirección artística) y Albert Wolsky (vestuario) entre otros. Conrad L. Hall consiguió el Oscar a Mejor Fotografía a título póstulo, al fallecer tras finalizar el rodaje. Hall, junto al montaje de Jill Bilcock y la maravillosa banda sonora de Thomas Newman consiguieron dotar a la película de una personalidad propia que se alejaba de otras películas del género de gangsters.

La película además cuenta con un reparto excepcional. Como cinéfilo me resulta un autentico lujo poder ver a dos leyendas del cine como Paul Newman y Tom Hanks compartir la película, que consiguieron que se me pusiera la piel de gallina. Hanks interpreta a Michael Sullivan, un asesino a sueldo que trabaja para John Rooney (Newman). Sus interpretaciones son super contenidas y casi minimalistas, siendo ambos hombres de pocas palabras que sin embargo transmite un montón simplemente con su mirada y su mera presencia.

La envidia que Connor Rooney (Daniel Craig) siente contra Sullivan al sentir que su padre le quiere y respeta más que a él es el fuego que desencadena todo el drama de la película. Sullivan tiene que escapar con su hijo Michael Sullivan Jr. (Tyler Hoechlin), el único superviviente de la familia. Otros actores destacados de la película son Jude Law como el asesino a sueldo Harlen Maguire, Stanley Tucci como el mafioso de Chicago Frank Nitti o Jennifer Jason Leigh en un pequeño papel como Annie Sullivan, la esposa de Michael. Aunque eclipsados por el carisma de Hanks y Newman, creo que todos realizan un trabajo excelente.

El director británico Sam Mendes lo había ganado todo con American beauty (1999), película que ganó 5 Oscars, entre ellos Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor Kevin Spacey, Mejor Guión Original y Mejor Fotografía. Esto suponía una gran oportunidad, ya que tendría vía libre para rodar lo que quisiera, pero a la vez era un gran riesgo, ya que las comparaciones iban a ser inevitables. Leyendo sobre la película, resulta maravilloso que su elección fuera buscar una historia de época que evitara caer en los clichés y que pudiera transmitir muchas emociones con el mínimo diálogo posible.

Lo más maravilloso de la película y lo que la convierte en algo único es lo bien que funciona a muchos niveles. Primero de todo, esta historia de venganza está contada desde el punto de vista del niño, que ve primero como se le cae el mito de su padre y aprende a volver a quererle a pesar de lo horrible de su profesión. Esto hace que toda la historia se aleje de las típicas historias de gangsters o de venganza que han inundado las carteleras durante años.

Además, la historia es un buen retrato de la violencia y sus consecuencias. En uno de los mejores momentos de la película, John Rooney (Newman) le dice a Sullivan (Hanks) que ambos saben que no son buenas personas y que arderán en el infierno por los pecados que han cometido en vida. En este sentido el título de Camino a la Perdición tiene un doble significado, ya que por un lado es el pueblo al que los Sullivan se dirigen para estar a salvo y por otro el personaje de Hanks sabe que su final solo tiene un destino, el infierno. En palabras del propio Mendes: “Sullivan está en una batalla por el alma de su hijo. ¿Puede un hombre que ha llevado una mala vida alcanzar la redención a través de su hijo?”

Sam Mendes recrea los Estados Unidos de 1931 de forma maravillosa, empleando una paleta de colores apagados que transmiten la desesperanza que se vivía en esa época. Además, opta por un ritmo pausado que es perfecto para contar la historia, que tiene un marcado tono intimista al centrarse en la relación de los Sullivan. La música de Thomas Newman crea momentos muy especiales durante toda la película y también ayuda a trasladarnos a una época pasada. Además, muchas imágenes, como su perfecto final, transmiten una belleza y una poesía únicas, con planos para el recuerdo.

Además de todo lo anterior, algunas escenas como el mítico tiroteo bajo la lluvia que tienen una fuerza increíble, mientras Mendes se centra en las figuras de Hanks y Newman y no en las muertes que tienen lugar a su alrededor, de forma que vemos cómo les afecta la violencia. Todas las decisiones narrativas que toma Mendes en la película se salen de lo habitual y sin embargo, significan un éxito mayúsculo.

Comparto el trailer de la película:

18 años después de su estreno, Camino a la perdición conserva toda su fuerza y belleza como el primer día. La película de Sam Mendes es imprescindible y ha sido genial verla con mi hijo y poder compartir con el algunas obras maestras del género.

PUNTUACIÓN: 9/10

 

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¡Saludos a todos!

Leyendo Marvel Omnibus Conan el Bárbaro: La Etapa Marvel Original 2

El segundo Omnibus de Conan el Bárbaro con la etapa original de Marvel Comics publicado por panini me ha ofrecido una saludable ración de clásicos del célebre personaje creado por Robert E. Howard.

PUNTUACIÓN: 7/10

¡El segundo tomo de la edición oficial de uno de los grandes clásicos de Marvel! Conan es ahora mercenario para el reino en guerra de Turán. El enemigo hablará de su legendaria habilidad en la batalla, si alguno de ellos vive para contarlo, pero la intriga del palacio puede resultar peligrosa. Después de todo, nunca es prudente acostarse con la mujer de un mago.

Este segundo volumen recopila los números Conan The Barbarian 27-51, Annual 1, Giant-Size Conan 1-4 y material de Savage Sword of Conan 1, 8 y 10 USA, publicados originalmente entre 1973 y 1976, y cuenta con autores míticos como Roy Thomas, John Buscema, Gil Kane, Rich Buckler y Neal Adams entre otros.

La compra el año pasado del primer Omnibus del Conan el Bárbaro me dió horas de disfrute con comics que hoy en día son clásicos absolutos. Fruto de este disfrute me animé a publicar dos largos artículos con mi lectura del volumen (aquí dejo los links primer y al segundo posts).

Entrando en materia, lo primero que merece la pena destacar es que el Conan the Barbarian número 27 que abre este volumen es el primer comic que John Buscema dibujó del personaje, aunque por motivos editoriales tuvo que dibujar también los números 25 y 26 con el final de la Guerra del Turam, que acabaron publicándose antes. Buscema, junto al entintador Ernie Chua, para mi fue el creador de la imagen definitiva de Conan, y en estas páginas vemos como comenzó la leyenda.

Para mi es una pasada disfrutar de unos comics publicados antes de que yo naciera (1973) que visualmente conservan toda la fuerza y que siguen plenamente vigentes. John Buscema era un maestro en narrativa y estos comics se pueden leer, entender y disfrutar sin problemas sin necesidad de leer los textos de Roy Thomas. Como amante del arte de Buscema, el precio de este Omnibus queda plenamente amortizado desde la primera lectura.

Sin embargo, debo reconocer que la lectura en si de este segundo volumen se me ha hecho algo durilla, los textos de Thomas sí han envejecido bastante (y no precisamente bien), mostrando un exceso de textos explicativos de apoyo y una prosa un poco trasnochada.

En el primer volumen resultaba una pasada leer un montón de historias que son historia viva del mundo del comic, además de disfrutar de la increíble evolución artística de Barry Windsord-Smith número a número. En este segundo volumen hay también algunos comics superchulos, que comentaré a continuación, y diría incluso que artísticamente Buscema es mucho más consistente, pero se ve claramente que los 25 números que incluyen este tomo repiten el mismo esquema una y otra vez: Conan llega a un lugar y solo o en compañía de otros tiene que enfrentarse a un monstruo y salvar a una doncella, para acabar abandonando dicha ubicación en busca de nuevas aventuras.

De hecho, comprobando la relación de portadas de los comics incluidos en este volumen, cuya imagen incluí antes, vemos también que existe una similitud evidente en todas ellas, al mostrar a Conan luchando con un monstruo mientras una bella doncella yace contemplando la escena.

En lo que si se ve una mayor ambición narrativa es a la hora de contar historias más largas que no sean comic autoconclusivos. La guerra del Tarim contada en los últimos números del primer Ómnibus fue la primera página historia larga de Conan, y en este segundo volumen tenemos más arcos que se alargan más de un sólo número.

Tras unos números iniciales en los que Conan va por libre, al final del número 29 veremos que obligado por las circunstancias, Conan volverá a alistarse en un ejército, en este caso el de Turam, y vivirá varias aventuras en el campo de batalla y en palacio hasta el número 38 en que lo abandona.

Dentro de estas aventuras, encontramos un número dibujado por Neal Adams, “La maldición de la Calavera dorada” publicado en abril de 1974, que dibuja a un Conan más estilizado en contraste comparado con el poderoso Conan de Buscema y que también me gusta mucho.

Uno de mis comics favoritos de este volumen es el nº41, “El jardín de la vida y la muerte” de agosto de 1941, una historia autonclusiva con similitudes con la mítica La invasión de los ultracuerpos, cuya conclusión consiguió trasmitirme mal rollo a pesar de los años desde su publicación.

Otro de los hechos destacados de este volumen es que podemos ver la compleja publicación de Conan durante estos años iniciales, que visto ahora fue una completa locura. Por ejemplo, en el primer número de la mítica revista La Espada Salvaje de Conan de agosto de 1974 asistimos a una nueva reunión de Conan con Red Sonja en la que vemos a la guerrera con su icónico y poco práctico bikini de cota de malla. Esta aventura en blanco y negro continúa en los Conan 43 y 44, publicados en color.

Esta fue una de las primeras aventuras con un continuará real en esta serie, dado que hasta ahora, incluso en las historias más largas, todos los comics de Conan mantenían la tradición de ofrecer una lectura completa autocontenida que pudiera leerse sin conocimiento previo y con sensación de conclusión, debido a que la distribución en esos años era bastante complicada.

Tras esta aventura con red Sonja, los números 46 al 51 sirven para hacer una adaptación libre de la novela “Kothar and the Conjurer´s Curse” de Gardner F. Fox, que serían los últimos números de Conan the Barbarian de este segundo Omnibus y llegarían hasta junio de 1975.

Sin embargo, este volumen tiene una última guinda, ya que publica además una de las obras de las que Thomas afirma estar más orgulloso, la adaptación de la novela de Robert E. Howard “La hora del dragón”, que es la única que publicó contando una aventura del Rey Conan, una vez se había alzado con el trono de Aquilonia.

Para dibujar esta historia, Roy Thomas consiguió convencer a Gil Kane para que la dibujara, de forma que volvía a colaborar con uno de los artistas con más solera de Marvel por el que Thomas mostraba una especial predilección, y a la vez no saturaba a Buscema con más trabajo del que ya tenía. Personalmente, nunca conecté con los lápices de Kane, se me hace difícil disfrutar sus comics, aunque le reconozco su importancia dentro de la historia de Marvel y del comic americano en general.

La publicación de esta adaptación fue también compleja y loquísima. Titulada “Conan El Conquistador”, esta historia empezó a publicarse en Giant-Size Conan, una nueva serie a color que Marvel publicaba de forma trimestral. Tras cuatro números publicados entre septiembre de 1974 y junio de 1975, la editorial decidió cancelar este título, trasladando la finalización de esta historia a La Espada Salvaje de Conan… ¡en blanco y negro! Lo dicho, una locura.

Y para empeorar las cosas, tras dibujar Kane la quinta parte en La Espada Salvaje de Conan 8 publicado en octubre de 1975, por motivos que Thomas no aclara, Kane decidió abandonar la historia, teniendo que ser el propio Buscema el que tuvo que dibujar las últimas 60 páginas, que fueron publicadas en el número 10 de La Espada Salvaje de Conan en febrero de 1976.

En total, la adaptación de La hora del dragón tuvo un total de 180 páginas, publicadas a lo largo de 18 meses, algo inusual para la Marvel de la época.

Como el primer volumen, este Omnibus está repleto de extras que hicieron que su lectura fuera un placer. Desde lápices originales de Buscema, imágenes publicitarias inéditas o ejemplos de guión, además de los interesantísimos textos de Thomas en los que nos cuenta el proceso creativo detrás de la creación de estos comics. Este volumen justifica sin duda su precio de portada.

Aunque en parte este segundo volumen de Conan El Bárbaro muestra elementos que no han envejecido demasiado bien, he disfrutado mucho la lectura de este tomo y tengo claro que compraré seguro el tercer volumen. Sobre todo teniendo en cuenta que marca el inicio de una de las sagas que más ganas tengo de leer, la saga de Belit, la reina pirata de la Costa Negra y uno de los principales amores del Cimmerio.

Pero esa… es otra historia.

PUNTUACIÓN: 7/10

 

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Crítica de El cielo de piedra de N.K. Jemisin (La tierra fragmentada 3)

El cielo de piedra de N.K. Jemisin es el genial final de la trilogía de la Tierra fragmentada que ha ganado los principales premios del medio que merece la pena que la leas si tienes ocasión.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

El cielo de piedra es la conclusión de la aclamada trilogía superventas de The New York Times «La Tierra Fragmentada», que inspirará una serie de televisión producida por la TNT. Por la autora que ha hecho historia al ganar tres Premios Hugo consecutivos a la mejor novela.

La luna volverá pronto. Que su regreso proclame la destrucción de la humanidad dependerá de dos mujeres. Essun ha heredado el poder de alabastro Decanillado. Con él espera encontrar a su hija Nassun y forjar un mundo en que los niños orogenes crezcan a salvo. Para Nassun, el que su madre haya sido capaz de dominar el Portal de los Obeliscos es algo que llega tarde. Ha sido testigo del mal que hay en el mundo y ha aceptado lo que Essun no comprende: que, a veces, lo que está corrompido no se puede purificar y hay que destruirlo. Esta obra ya ha sido galardonada con los premios Hugo y Nebula 2018 a la mejor novela.

N.K. Jemisin es una autora de Brooklyn cuyas novelas y relatos han sido candidatos en varias ocasiones a los premios Hugo y Nebula. Es especialista en creación de mundos y le interesa el «¿qué pasaría si…?». Sus trabajos se pueden encuadrar tanto en la fantasía como en la ciencia ficción, pero escapan a la clasificación de género. En su obra introduce temas como la justicia social y las complejidades del comportamiento humano. Cuando no escribe, a Jemisin le gusta el ciclismo, la aventura, los videojuegos y ejercer como psicóloga.

N.K. Jemisin ha construido un mundo fantástico apasionante en el que la supervivencia de la sociedad se ha construido a partir de la explotación y esclavitud de una raza, los orogenes, que poseen increíbles habilidades de manipular la energía de la corteza planetaria y con ello provocar o prevenir terremotos, erupciones volcánicas y otros fenómenos geológicos. Resulta paradójico que los seres más poderosos de la Tierra tengan a la vez el complejo de ser seres inferiores, construido a partir de siglos de explotación, con una cultura que perpetúa esta situación a partir de la mentira y la ocultación.

Hay además un mensaje muy poderoso sobre la necesidad de una revolución que arrase con las estructuras de poder injustas, ya que ninguna sociedad puede ser realmente libre y virtuosa si se ha construido a partir de la mentira y la explotación. Obviamente, estos argumentos significan una metáfora muy clara a la situación que viven los afroamericanos en los Estados Unidos, hecho amplificado por la condición de mujer de la autora de estas novelas, la neoyorkina N.K. Jemisin.

La duda está en ver el alcance de la revolución, mostrando Jemisin muy acertadamente las dos opciones, personalizadas en Essum, la protagonistas, y su hija perdida Nassum. Tras años de sufrimiento, la segunda sólo quiere ver el mundo arder, pensando que la raza humana no tiene salvación, mientras que su madre aún conserva un hálito de esperanza en su corazón.

El cielo de piedra me ha parecido un estupendo final de trilogía de la Trilogía de la Tierra frangmentada. Su primera novela, La quinta estación, me pareció sorprendente y super interesante, mientras que su continuación  El Portal de los Obeliscos, me gustó bastante menos. El cielo de piedra ofrece las respuestas a la mayoría de preguntas que las novelas previas planteaban mientras que realiza un certero retrato psicológico de las dos protagonistas, aunque quizá para mi gusto esta novela se centra demasiado en la metáfora y bastante menos en la historia, en si.

Si has leído las dos novelas previas, obviamente no puedes dejar de leer esta última y yo sin duda te la recomiendo. Sin embargo, dentro de que como digo me ha gustado bastante, encuentro bastante desproporcionado que Jemisin haya ganado tres Premios Hugo consecutivos por esta serie de novelas. Lo digo para en parte bajar las imposibles expectativas que este record imposible de galardones pudiera producir en un lector que quiera probar estas novelas.

En todo caso, El Cielo de piedra es una notable novela que además de ofrecer un buen final presenta una poderosa crítica hacia los cimientos en los que se asienta la sociedad norteamericana.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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Crítica de La Maravillosa Sra. Maisel temporada 3 (Prime Video)

Con algo de retraso he visto la tercera temporada de La Maravillosa Sra. Maisel, serie creada por Amy Sherman-Palladino con una increíble Rachel Brosnahan como protagonista que está disponible en Prime Video, y que me ha parecido igual de divertida que las temporadas anteriores.

PUNTUACIÓN: 8/10

Después de terminar su compromiso con Benjamin y tener una aventura de una noche con Joel, Midge inicia una gira por los Estados Unidos con el cantante super estrella Shy Baldwin. Comenzando la gira en Las Vegas, Midge tendrá que adaptarse a vivir lejos de casa y a un nuevo tipo de público.

La serie creada por Amy Sherman Palladino, que escribe y dirige junto a Daniel Palladino los ocho episodios de esta tercera temporada, excepto 3×02 dirigido por Dan Attias, ha conseguido mantener una extraordinaria consistencia, manteniendo sus señas de identidad de humor inteligente, acertados diálogos y un reparto maravilloso que se enfrenta a la vida en los años 60 de formas excéntricamente divertidas. Esta serie sirve de crónica de la época mientras critica situaciones anacrónicas de machismo o racismo que se vivían entonces y que, si bien ya no existen de formas tan groseras en la actualidad, siguen presentes más sutilmente.

Rachel Brosnahan como Miriam “Midge” Maisel es todo carisma y empatía, además de aparecer siempre guapísima con sus perfectos looks años sesenta. Junto a ella, me muero de risa con Alex Borstein como su representante Susie Myerson, una mujer dura y sin ninguna educación que en esta temporada verá como su vida se convierte en un huracán tras acertar representar a Sophie Lenon (Jane Lynch), una humorista veterana que busca dar el salto al teatro “serio” en Broadway y que le va a dar más de un quebradero de cabeza a Susie.

Michael Zegen como el ex-marido de Midge Joel, intenta salir adelante con su vida e intenta abrir un club en Chinatown mientras cuida de sus hijos mientras Midge sale de gira por los Estados Unidos. Y, al igual que en temporadas anteriores, los padres de Midge, Tony Shalhoub como Abraham “Abe” Weissman y Marin Hinkle como Rose Weissman, son los verdaderos All-Stars de la serie. Sus locuras y extravagancias mientras que tienen que asumir su nueva situación económica crean momentos hilarantes alucinantes.

Una cosa que me maravilla de Mrs. Maisel es lo bien que Amy Sherman Palladino y Daniel Palladino entienden el medio televisivo, de forma que plantean constantemente situaciones nuevas que rompen el satus-quo y hacen que la serie se mantenga fresca e interesante. Si en la segunda temporada el viaje a Paris y las vacaciones de verano en los Catskill consiguieron precisamente esto, en esta temporada tenemos a Midge en Las Vegas y Florida mientras va de gira con la super estrella de la canción Shy Baldwin (Leroy McClain), que provoca momentos muy chulos mientras se adapta a su nuevo trabajo.

De hecho, hablando de ritmo, me lo estaba pasando increíblemente bien viendo esta temporada cuando hubo un momento en que pensé que quizá todo estaba siendo demasiado edulcorado, demasiado “happy-flower”, como si todos vivieran en una nube de felicidad. En ese mismo momento llegó el sexto episodio, en el que presentan varios elementos dramáticos buenísimos y tristemente reales que me atraparon el corazón. Esto para mi es un buenísimo ejemplo de buena escritura.

En este momento es cuando tendría que decir algo menos bueno de esta temporada, pero no se me ocurre nada, la verdad. Ver Mrs. Maisel me alegra el corazón y todo lo que narrativamente pretenden transmitir lo consiguen perfectamente. Dado el nivel que han ofrecido en esta temporada, no me extraña que Prime Video renovara automáticamente la serie para una cuarta.

Comparto el trailer de esta tercera temporada:

La Maravillosa Sra. Maisel conserva tras tres temporadas toda su chispa y su humor inteligente. Manteniendo este nivel, ya pueden estrenar cuando quieran la siguiente, aquí estaré.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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