Narcos Temporada 2 – Descanse en paz, Pablo Escobar

Me ha encantado la segunda temporada de Narcos, la serie de Netflix que cuenta los últimos meses de vida del sanguinario Pablo Escobar, fundador y líder del Cartel de Medellín en Colombia.

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Pablo Escobar murió el 2 de Diciembre de 1993 tras intentar escapar de la policía por los tejados del barrio de Los Olivos de Medellín. Vivió en la clandestinidad casi 17 meses tras fugarse de la cárcel de La Catedral el 22 de Julio de 1992, fuga narrada al final de la primera temporada. En esta segunda temporada veremos estos 17 meses meses en los que se inició una caza al hombre no solo por parte de las fuerzas del orden colombianas y americanas, sino por parte de otras organizaciones criminales como son el cartel de Cali o los PEPES, una fuerza paramilitar colaboradora de la CIA.

Pero un animal herido y acorralado es más peligroso que nunca, y Pablo no quiso rendirse jamás y tiñó de sangre las calles del pais al enfrentarse a todos.

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Narcos sigue triunfando gracias al carisma y la enorme interpretación de Wagner Moura como Pablo Escobar. Su presencia es como la de Kingpin en un tebeo de Daredevil, más que una persona, parece una fuerza de la naturaleza, imparable e imbatible. Una de sus frases más celebres y aterradoras fue “A veces yo soy Dios, si digo que un hombre muere, muere ese mismo día”. Increíble pero cierto, y sirve para ilustrar lo poco que valía la vida para los narcos en Colombia.  Aunque a medida que su imperio se hunde, saldrán a la luz sus flaquezas y debilidades.

El que la serie esté narrada bajo el punto de vista del agente de la DEA Steve Murphy (interpretado por Boyd Holbrook) ayuda a que los espectadores nos integremos en esta historia basada en hechos reales, consiguiendo que nos sintamos casi parte de la acción y no unos meros “outsiders”. Aunque más que Murphy, es Javier Peña (interpretado por Pedro Pascal) el que roba el show, con una perfecta interpretación.

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La serie está super bien rodada y te engancha desde el principio. Quizá el mostrar esta etapa de Pablo en la que fue más vulnerable le humanice en parte, pero nunca dejan de recordarnos que fue un sangriento asesino. También muy interesante fue ver los tejemanejes de la CIA y la DEA en la zona, que actuaron durante años en el pais de forma alegal, muchas veces en bandos opuestos.

Y aunque se suele decir que existe el concepto de “honor entre ladrones”, nada más lejos de la realidad. En el momento en que Pablo mostró signos de flaqueza, sus enemigos se lanzaron a la yugular, sin importar el número de bajas que causaran entre los narcos, o entre la población civil. Entre estos enemigos, destaca el famoso Cartel de Cali o la organización paramilitar de los PEPES.

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Otro de los puntos más importantes y aterradores de la serie es que estos hechos sucedieron realmente en Colombia. Miles de personas murieron en Medellín durante esos años, y no soy capaz de imaginar el terror que se vivió, y que se sigue viviendo, en la zona.

Además, la serie realiza una increíble reconstrucción de muerte de Pablo Escobar, rodada en su Medellín natal, además de utilizar numerosas imágenes reales de la época que ayudan a contextualizar y dar una sensación de aún más realismo.

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El único pero que pondría no es a esta segunda temporada, sino al hecho que Netflix a dado luz verde a continuar la serie. Los productores Chris Brancato y Carlo Bernard se centrarán ahora en la lucha contra otros carteles como el de Cali, dado que obviamente la muerte de Pablo Escobar no fue el fin del tráfico de drogas.

Pero Narcos es una serie que se ha apoyado fundamentalmente en el carisma de Wagner Moura. Y aunque la historia del narcotráfico en Colombia me interesa, no creo que los actores (y los personajes a los que interpretan) puedan cubrir el vacío que deja el carisma de Pablo Escobar.

Comparto a continuación el trailer de esta segunda temporada.

Narcos ha terminado su segunda temporada de forma excelente. Aunque le daré la oportunidad a la continuación, creo que estamos en el punto álgido de esta serie, que te recomiendo totalmente que veas. ¡Saludos!

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Jupiter´s Circle, la historia secreta de los super-héroes

Jupiter´s Circle ha sido un sorpresa mayúscula. Esta serie es una precuela de Jupiter´s Legacy, la excelente obra de Mark Millar y Frank Quitely que ya recomendé el año pasado y que está pensada para contarnos la historia secreta de los superhéroes originales.

Pero lo que podría parecer a priori un complemento secundario de la historia principal se convierte en una crónica de los cambios sociales en los Estados Unidos en las últimas décadas, así como una crónica de los triunfos y fracasos de unos super-héroes con pies de barro y con unas debilidades muy humanas.

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“Dentro del armario. Solitario. Alcohólico. Mujeriego. Envidioso. Perfecto. Incluso tus padres fueron jóvenes alguna vez”. Este es el molón slogan de la serie, que define perfectamente el objetivo que persigue Mark Millar en Jupiter´s Circle, que es dar una mayor profundidad a superhéroes originales de la serie “Jupiter´s Legacy”.

El argumento de Jupiter´s Circle gira en torno a la vida privada de unos superhéroes en la América de mediados del siglo pasado, que aunque brillaban en sus batallas públicas defendiendo el mundo de todo tipo de amenazas, sufrían y luchaban en su vida privada. La gran agitación social y política de la época acabará haciendo mella en su relación, cuando la sospecha y la traición proyecten una sombra sobre su amistad.

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Resumiendo Jupiter´s Legacy SIN SPOILERS vemos el choque generacional entre los héroes que llevan décadas protegiendo el mundo y sus hijos, que no comparten los valores e intereses de sus progenitores. Hay literalmente décadas de historia desde que adquieren sus poderes en 1932 y la época actual en la que se desarrolla Legacy que no habían sido reflejadas en esta serie.

Además, aunque son 6 los americanos que adquieren poderes, solo 3 aparecen este primer volumen: Sheldon Sampson, The Utopian, el líder del grupo con poderes casi como Superman, su hermano Walter / Brainwave, con poderes telepáticos y Grace Kennedy / Lady Liberty, que sería una especie de Wonder Woman.

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Los otros tres personajes no aparecieron, por lo que no sabemos realmente quienes son, que fue de ellos, o si están vivos o muertos. Jupiter´s Circle sirve para cubrir en parte ese hueco. Digo en parte porque no todas las preguntas tienen respuesta, lo que me sirve para especular que Mark Millar seguirá contándonos más historias del pasado de los superhéres en el futuro.

Los héroes que descubriremos son George Hutchence / Skyfox, el carismático mejor amigo de Sheldon que es además un rico ingeniero que mantuvo económicamente al grupo, además de inventar numerosos aparatos de alta tecnología, como unos auriculares que impiden que Walter pueda controlar mentalmente a su portador o la prisión de máxima seguridad Supermax. Es un mujeriego y alcohólico y siempre está gastando bromas pesadas a Walter, que cada vez está más harto de él.

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Richard Conrad / Blue Bolt posee capacidad de vuelo y una barra de energía capaz de liberar energía,  y aunque en apariencia es la viva imagen del triunfador, hijo de una buena familia y respetado cirujano, también es gay en una época (1959) en la que eran perseguidos y tenían que ocultar su verdadero yo a amigos y familia.

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Fitz/The Flare, tiene poderes de supervelocidad y aunque tiene una vida feliz con esposa e hijos, acabará siendo infiel a su mujer al caer prendado de una joven de 19 años, un escándalo para la moral del grupo.

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Las aventuras del grupo y sobre todo su vida privada servirá de hilo conductor de una historia fragmentada que toca detalles de nuestra historia reciente como fue la caza de brujas de Hoover, la situación de la comunidad gay en los EE.UU en esa época, reflejada en unos actores de Hollywood que tenían que vender una imagen que no se correspondía con su yo real, la luchas sociales y raciales de los años 60 y 70, cuando la contracultura empezó a sacar a la luz las desigualdades sociales y las injusticias de una sociedad controlada por una élite económica que solo buscaba mantener el statu-quo.

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Hay que indicar que esta serie de 12 números sirvió además para dar tiempo para que Frank Quitely (que realiza las como siempre excelentes portadas) pudiera dibujar los 5 números del segundo volumen de Jupiter´s Legacy con tranquilidad y sin tener que estar pendiente de los plazos de entrega. Estoy ansioso de hacerme con el tomo recopilatorio estas navidades en cuanto salga para ver como continúa la historia.

Comparto las primeras páginas de esta historia, que marca el tono de la historia que vamos a leer en los 12 números de esta colección , que ha sido agrupada en 2 tomos. Estas páginas de Wilfredo Torres tienen un estilo limpio y un poco retro que encaja perfectamente con el concepto de contarnos una historia del pasado.

Lamentablemente, debo indicar que estas páginas son algunas de las páginas buenas, ya que el baile de dibujantes y las fechas de entrega perjudicaron mucho el acabado artístico de la serie. Estas páginas obra de Wilfredo Torres y las de Chris Sprouse (Tom Strong) en el 2º volumen son sin duda las mejores de la series.

Pero hay páginas de Davide Gianfelice que son muy,muy flojas y casi no alcanzan el nivel mínimamente exigible, siendo el acabado artístico  el mayor pero que tiene la serie. Este baile de dibujantes hizo que correctos dibujantes como Rick Burckett o Ty Templeton realizaran solo 6 y 9 páginas respectivamente en episodios del 2º volumen.

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Jupiter´s Circle ha sido toda una sorpresa positiva y la demostración que Mark Millar es un buen escritor, que aunque a veces desperdicia su tatento con historias flojas que parecen diseñadas a modo de storyboard que vender a Hollywood, aún es capaz de ofrecernos grandes momentos y un buen entretenimiento. Te la recomiendo.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Fuente Previews: CBR

Blood father, conseguir el perdón no va a ser tan fácil, Mel

Blood father significa el retorno a los cines de Mel Gibson con una buena película de cine negro que nos da a los espectadores justo lo que esperamos de ella, teniendo además la historia una entretenida metalectura de la difícil situación por la que ha pasado el actor y director australiano en la última década.

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La película aunque parezca mentira es una producción francesa dirigida por Jean-François Richet (director del remake de Asalto al distrito 13), a partir de un guión de Peter Craig. Además del omnipresente y carismático Gibson,  está protagonizada por Erin Moriaty, William H. Macy y Diego Luna.

El argumento es muy simple y directo al grano. Mel Gibson es John Link, un ex-convicto, ex-alcohólico que tras años entre rejas está intentando rehacer su vida sobrio. Cuando su hija de 19 años Lydia, a la que no ve desde que tenía 9 años, se ve involucrada en un crimen cometido por un cartel mexicano, tendrá que volver a una vida que creía olvidada para salvarla.

La película dura 90 perfectos minutos que van al grano y son un genial ejemplo de cine negro protagonizado por perdedores. Y aunque estamos claramente ante una serie B, es una película honesta que en todo momento sabe lo que es y lo que nos quiere contar, y ha sido rodada con oficio a pesar del bajo presupuesto.

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Mel Gibson pasó de estrella a pariah de forma muy notoria, y esta “fall-from-grace” es imposible de separarla de la historia de Blood Father, que casi parece un ejercicio de metalenguaje para que Mel Gibson pueda volver a pedir perdón por sus pasados pecados ante la sociedad.

Su alcoholismo y su dolor por haberse perdido casi una década de la vida de su hija nos sugieren sus 10 años de ostracismo y su propio pasado y sus excesos con la bebida. Y su personaje se pasa toda la película diciendo explícitamente que va a intentar compensar a su hija de por no haber estado ahí para ayudarla cuando lo necesitó, y que aunque antes no era una buena persona, ahora ha cambiado.

Además, cuando conocemos que durante su estancia en la cárcel no traicionó a su jefe, un líder de un grupo neonazi, que luego no quiere ayudarle y le hace el vacío, esto también sugiere un cambio en su forma de pensar, suavizando su actitud reaccionaria de hace una década y como la ha moderada en sus últimas declaraciones públicas.

La película realiza también dos superdivertidas críticas a la sociedad americana cuando muestran como la hija de Mel Gibson con 19 años puede comprar munición para pistolas, pero no puede comprar tabaco por ser menor de edad. O cuando antes las quejas de Gibson que los mexicanos roban los trabajos a los americanos, su hija le responde que “ningún americano ha recogido nunca una fruta del árbol”, que rompen con los tópicos de la extrema derecha que hemos vito en tantas y tantas películas de serie B de Charles Bronson, Chuck Norris o Steven Seagal…

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De momento, descubro asombrado que esta película solo ha sido estrenada de forma limitada en los cines de los USA y no va a ser distribuida de forma general, pasando casi directamente a venta en Bluray o mediante otras opciones de VOD (Video bajo demanda) en plataformas digitales. Ni olvido ni perdón por parte de la industria, al menos de momento.

En todo caso, Blood Father es una película que muestra la enorme inteligencia de Gibson y su conocimiento de como funciona el actual show-business, ya que realiza esta declaración pública de “disculpas” justo antes del estreno de su nueva película como director, Hacksaw Ridge, para la que ha conseguido financiación 100% independiente y ha rodado en su Australia natal.

Esta película ha recibido super buenas críticas en el pasado Festival de Cine de Venecia  y cuenta la historia real de un objetor de conciencia que se negó a empuñar un arma en la 2ª Guerra Mundial y que recibió la Medalla de Honor por salvar a otros soldados en situaciones de combate en las que entraba completamente desarmado. Algunas críticas incluso llegan a decir que podría competir de nuevo al premio de Mejor Director 21 años después de Braveheart, y podría marcar un punto y aparte definitivo para el futuro de su carrera que le devuelva a la primera división cinematográfica.

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Comparto el trailer de la película que te muestra perfectamente lo que es la película y qué se puede esperar de ella.

Blood father es una película honesta que sabe cuales son sus puntos fuertes y como explotarlos. Un buen noir de perdedores que tienen que elegir entre tumbarse y morir o levantarse y continuar con su vida, no importa lo mala que sea. Y un buen recordatorio de lo buen actor que es Mel Gibson que nos lo devuelve a la actualidad antes de su próxima película como director, Hacksaw Ridge, ambientada en la 2ª Gerra Mundial y que espero con ganas.

Una película totalmente recomendable para todos los amantes del cine negro.

PUNTUACIÓN: 7/10

¡Saludos a todos!!

The Get Down, la nueva serie de Netflix

The Get Down es la nueva serie de Netflix que nos cuenta el nacimiento del rap en el Bronx de finales de los años 70. La serie ha sido creada por Baz Luhrmann (Romeo & Julieta, Moulin Rouge), y cuenta con el habitual tono operístico y alejado del realismo marca de la casa del director australiano. Esto hará que no guste a todo el mundo pero que para mi aporta una gran frescura y diferenciación. Solo por eso creo que deberías darle una oportunidad.

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The Get Down nos traslada al Nueva York de 1977, una cuidad rota y dividida. Y la peor parte la sufría el Bronx, epicentro de problemas sociales, urbanísticos y de drogas. Y a pesar de todos estos problemas, un grupo de jóvenes buscará triunfar en lo que les gusta. Durante su camino conoceremos aspectos del  negocio de la música en un momento en el que el disco triunfaba, así como la cultura grafitera y la ascención de los D.J.s, que serán el caldo de cultivo en el surgirá el rap.

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The Get Down es vibrante, colorista y a ratos excesiva como su creador y productor Baz Luhrmann, que además dirigió el piloto. Su inicio de serie es abrumador por el despliegue visual, la música y el montaje, unido a un tono mezcla de cuento infantil con epopeya Wagneriana tan del gusto del autor de Moulin Rouge. Este tono tan teatral puede no ser del gusto de todo el mundo, pero dado que solo él crea de esta manera y que desde 2013 no veíamos una obra suya, a mi me gustó y no tengo problemas para disfrutarlo.

Otro de los puntos fuertes de la serie es su increíble reconstrucción de la nueva York de finales de los años 70, una época en la que el Bronx agonizaba y parecía que la esperanza había abandonado la ciudad. Viendo The Get Down te sientes trasladado completamente a esa época y sientes estar viendo de verdad como era el barrio en esa época. The Get Down es la producción más cara de Netflix hasta la fecha, con un presupuesto de 120 millones, 10 para cada uno de los 12 episodios que componen la serie, dividida en dos temporadas de 6 episodios. Y para el rodaje, utilizaron muchísima pantalla verde para grabar a los actores, para luego insertar fondos digitales creados a partir de imágenes de archivo de la época, para crear espacios de otra época. Un trabajo sobresaliente.

La serie cuenta además con una banda sonora brutal repleta de temazos de la época disco y nuevas creaciones de rap. Para conseguir la autenticidad musical que la serie necesitaba, contrataron a Trevor Nelson and Grandmaster Flash, gurús musicales de la época que comparten el punto de vista de alguien que vivió en persona ese momento de estallido artístico y creativo, y que crean una banda sonora con el flow adecuado.

Nelson George and Grandmaster Flash, executive producers for the Netflix original series "The Get Down" and creator Baz Luhrmann appear at a press day in London, England.

La historia busca contarnos no solo el nacimiento de la música rap, sino además una crónica de esa época convulsa de Nueva York. Y todo ello manteniendo un punto de vista de esperanza,ya que incluso en los peores momentos, la creatividad de la juventud sale a relucir, y en medio de una sociedad que sufría el azote de las bandas y los traficantes de droga, los protagonistas salían adelante con su entusiasmo, su creatividad y su lucha por salir adelante. Para ello la serie cuenta con un amplio reparto coral en el que todos realizan un gran trabajo.

De entre ellos, destacan Justice Smith, que interpreta a Ezekiel “Zeke” Smith, un huérfano de gran inteligencia que escribe poesía como canal de expresión de sus sentimientos, pero al que le cuesta expresarlos. Y que encontrará en las rimas del hip-hop en conducto perfecto para sacarlos a la luz. Zeke está enamorado de Mylene Cruz (Herizen Guardiola), una bella cantante que sueña con ser estrella de la música disco, y que tiene que sufrir a su autoritario padre, un pastor protestante. Y que se debate entre su amor a Zeke y su deseo de empezar una carrera artística que la aleje del Bronx y de todos los que allí habitan.  Alrededor de sus historias conoceremos aspectos de la industria discográfica de la época y los entresijos de la cultura de los D.J.s.

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Jimmy Smits es Francisco “Papa Fuerte” Cruz, tío de Mylene y líder político local, que participa tanto de la política de la ciudad como de los trapicheos del barrio. Aunque hay gente que le ve como un corrupto y un criminal, él intenta hacer todo lo que esté en su mano para ayudar al barrio. E intentará ayudar también a Mylene a que su carrera discofráfica despegue. La figura de Papa Cruz nos ayudará a conocer los entresijos de la situación social y política de la época, de manera que podemos contextualizar las historias de los protagonistas en el turbulento periodo histórico.

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Zeke y sus amigos, los hermanos Marcus (Jaden Smith, hijo de Will), Ra-Ra (Skylan Brooks) y Boo-Boo (T.J. Brown Jr.) Kipling conocerán a Shaolin Fantastic (Shameik Moore), un jover huérfano buscador de emociones fuertes que trabaja para una de las bandas que dominan e tráfico de drogas en el barrio, y que quiere abandonar esa vida para convertirse en D.J.s. Desde cierto punto de vista, The Get-Down es una serie de Super-héroes y esta primera parte la historia de origen, en la que los chavales descubren sus superpoderes diferenciados y aprenden a utilizarlos. Solo que en este caso en lugar de volar y escalar paredes los chavales escriben versos, riman, pintan grafittis y pinchan música con dos platos.

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Hay pues tres historias que corren paralelas a lo largo de estos primeros 6 episodios: La historia del barrio, Mylene buscando ser una estrella del disco y las aventuras del grupo de  Zeke y Shaolin. Y es esta última la más conseguida y la que más engancha.

Quizá estoy más predispuesto a que esta historia me guste por el hecho de haber tenido una fase de mi juventud en la que estuve muy enganchado al rap y la cultura afroamericana gracias a Spike Lee, Public Enemy, John Singleton y Los Chicos del Barrio, Ice-T, etc. Quizá por esto todo lo que me cuentan sobre como aprender a pinchar o lo referido a la cultura grafitera me interesa. Y por supuesto la música también.

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Sin embargo, la historia de Mylene no deja de ser un conjunto de tópicos entrelazados sin demasiada inspiración. Aunque su voz es genial, su argumento está muy trillado y no sorprende ni interesa en exceso, estando ante la típica historia de joven que quiere cantar a pesar del rechazo de su autoritario padre. Y para ello conoce a un productor que aunque al principio busca solo el dinero fácil, en el fondo tiene buen corazón, y ha perdido el camino por culpa de las drogas y tiene que volver a la luz.

La historia del barrio también se queda solo en pinceladas, no llegando a profundizar en ningún aspecto, quedándose solo en la superficie de lo que era la vida en ese momento de la ciudad.

Esta endeblez argumental es quizá lo más flojo de esta primera temporada, que casi parece que busca trasmitirnos sensaciones a través de la música y la potencia de sus imágenes más que contar una historia lineal. Y es que la música se sale a niveles máximos todos los episodios, destacando el gran final de temporada con la primera actuación de los “The Get-Down”, una de las escenas con más carisma que veremos este año en televisión.

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Comparto con vosotros el trailer de esta primera temporada par que sepais que esperar de la serie:

The Get Down ha sido una entretenida serie inspirada en hechos reales cuyo gran final de temporada me dejó con ganas de más. Aunque no es perfecta, sí trasmite carisma y optimismo que en estos momentos cínicos y descreídos creo que me han venido muy bien. Si te gustan los músicales y la música negra, creo que no te puedes perder esta serie.

PUNTUACIÓN 7/10

Twisted Podcast Episodio 10 – Star Trek Más Allá

Grabamos esta nueva edición del Twisted Podcast justo tras salir del cine de ver Star Trek: Más Allá, la tercera película de la franquicia galáctica tras su relanzamiento en 2009, que ha sido dirigida por Justin Lin a partir de un guión de Simon Pegg y Doug Jung.

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Star Trek Más Allá marca el 50 aniversario de la popular saga galáctica, cuya primera serie de televisión creada por Gene Roddenberry empezó a emitirse en 1966.

J.J. Abrams tomó los mandos del Enterprise en 2009 para relanzar la franquicia, presentando las aventuras de una joven tripulación cuya historia cambió debido a un agujero de gusano. Este argumento consiguió honrar el legado de la primera tripulación y al mismo tiempo abrió un universo de nuevas posibilidades. En 2013, Abrams decepcionó al gran público con Star Trek Into Darkness, una película construida alrededor de un misterio que al final simplemente ocultaba un remake de “La ira de Khan”, para muchos la mejor película de la saga original.

Justin Lin (Fast & Furious) recoge el testigo tras la marcha de Abrams a Star Wars (aunque mantiene labores de productor ejecutivo), con la necesidad de ser fiel al espíritu de la franquicia y la vez ofrecer un buen y entretenido espectáculo para el espectador no Trekkie vaya también a verla. ¿Lo habrá conseguido?

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Os paso como siempre el link para que podais escuchar el podcast en Ivoox:

http://www.ivoox.com/12791507

Link al podcast en Youtube:

¿Qué os ha parecido este podcast?

Espero que os haya gustado, y si es así os invito a que os suscribais a los canales de Ivoox y Youtube.

Saludos a todos.

Descender Vol. 2 – Machine Moon

Descender, serie de ciencia ficción escrita por Jeff Lemire e ilustrada por Dustin Nguyen, editada por Image Comics en los USA y por Astiberri en España, continúa en su segundo tomo el excelente nivel mostrado en su estreno.

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Descender es una serie de ciencia ficción en la que TIM-21, un robot de compañía de aspecto juvenil tiene la llave que puede resolver el enigma del origen y motivaciones de los gigantes robóticos que casi destruyen la galaxia años atrás.

En este segundo tomo asistiremos a la presentación de una figura del pasado de TIM-21 y conoceremos más detalles del amplio universo creado por Jeff Lemire, como son el asteroide robótico “Luna Máquina” que da título a este tomo, el mundo gaseoso de Phages y sus fantasmas o la sociedad Cyborg que habita el planeta Sampson.

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Y sin olvidarnos de TIM-22, “hermano” de TIM-21 y que forma parte del grupo de robots que habitan la Luna Máquina. TIM-22 sirvió de sirviente de un anciano al que le recordaba a su hijo ausente, y no llegó a conocer lo que es amor de una niño, por lo que sus motivaciones y sentimientos serán totalmente diferentes.

Lemire teje la historia saltando adelante y atrás en el tiempo para ir conociendo así detalles del pasado que sirven para explicar las acciones y motivaciones de los personajes en el presente y darles de una mayor profundidad. Este es un recurso que el autor canadiense utiliza con frecuencia pero que en Descender encaja perfectamente con el tipo de historia que comparte con los lectores. De momento la lectura mantiene el interés y te engancha, aunque aún nos encontramos en la fase de plantear preguntas más que en responderlas.

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Y unido a ello, el apartado artístico a cargo de Dustin Nguyen vuelve a brillar a un gran nivel, aportando un toque poético en todas la páginas y cambiando de estilo para marcar los diferentes momentos temporales. Nguyen consigue que la buena historia de Lemire luzca sobresaliente, y hace que cada página se convierta en una pequeña obra de arte.

Tras estos 2 tomos, está claro que Descender tiene aún muchos mundos que visitar y misterios que descubrir, por lo que no tengo duda que a esta historia le queda cuerda para rato. Y mientras mantenga este el nivel de calidad, yo encantado.

Comparto a continuación las páginas iniciales de este segundo volumen y que sirven de prólogo a la historia.

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Descender continúa a un excelente nivel de calidad y se ha convertido en una serie imprescindible para los amantes de la ciencia-ficción. Además, este segundo volumen vuelve a dejarnos con un cliffhanger que nos va a hacer que nos muramos de nervios hasta que podamos leer el siguiente volumen dentro de unos meses. ¡Una serie totalmente recomendable!

Puntuación: 8/10

Fuente previews: CBR

 

Kubo y las dos cuerdas mágicas, la fuerza de las historias

Kubo y las dos cuerdas mágicas es una celebración de la belleza del cine y el poder de las historias como forma de alcanzar la inmortalidad. Un increíble triunfo del estudio Laika que se ha convertido en mi favorita para ganar el Oscar a Mejor Película de animación de 2016.

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Travis Knight,  actual presidente del estudio de animación Laika, se bautiza como director con esta fenomenal historia obra de Marc Haimes y  Chris Butler, a partir de una historia de Shannon Tindle y Marc Haimes.

Knight ya contaba con una extensa experiencia en este campo, al haber participado como Jefe de Animación en las películas anteriores del estudio, Coraline (2009), ParaNorman (2012) y Los Boxtrolls (2014), realizando en estas 2 últimas también labores de productor. Esta experiencia es fundamental para conseguir no solo el impacto visual de la película, sino para que estas imágenes sirvan para contar una historia que consiga tocarnos el corazón.

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Lo primero destacable de la película es que los personajes cobran vida mediante la técnica del stop-motion, creando muñecos reales que son movidos fotograma a fotograma para conseguir que cobren vida dentro de decorados reales . ¡Y vaya si lo consiguen!! Esto hace que el feeling de ver la película sea diferente a las películas de animación generadas por ordenador, consiguiendo una sensación de poesía y magia que la perfecta animación no puede llegar a trasmitir.

Pero al final estos son solo aspectos técnicos, si la historia no engancha estariamos ante otro espectáculo vacío de efectos digitales sin alma, y no es el caso de Kubo en absoluto.

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Estamos disfrutando de una verdadera edad de oro para los aficionados al cine de animación, gracias a estudios como Disney/Pixar, Illumination o Laika. Hay muchas películas que simplemente son películas entretenidas para los niños, se me ocurre el caso de Mascotas estrenada también este verano. Y no hay nada malo en este tipo de cine familiar destinado a toda la familia pero en especial a los más pequeños.

Pero hay también otras películas que encantan a los niños por la animación, los personajes, los colores, etc., pero gustan aún más a los padres por los mensajes que trasmiten con la historia. Y en ellas la clasificación de “para todas las edades” adquiere una dimensión más ámplia. Son películas que son realmente grandes y alcanzan otro nivel: Del Revés, Zootrópolis y Kubo lo consiguen.

A partir de ahora entro en el apartado de Spoilers.

Si no has visto la película y quieres hacerlo, te recomiendo que dejes de leer y vayas a verla conociendo lo menos posible.

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Kubo y las dos cuerdas mágicas es un cuento ambientado en el Japón ancestral en el que conoceremos la historia de Kubo, un niño con un solo ojo que posee poderes mágicos y que se gana la vida animando hojas de papel que utiliza para contar historias a los aldeanos. Kubo tiene un problema, sus historias son estupendas pero no sabe como terminarlas. Y tiene que cuidar a su madre, que tiene problemas de memoria, provocados en su huida de su familia, mientras intentaba protegerle. Pero esto él no lo sabe, solo que a su madre la asola una enorme tristeza, con algunos momentos puntuales de lucidez.

Tras años de esconderse de su familia, Kubo comete un error y esto hace que sus tías le encuentren. Su madre se sacrificará para conseguir que Kubo escape, no sin antes darle un objetivo: Encontrar las tres partes perdidas de la armadura de su padre, la espada irrompible, la armadura y el casco, que son lo único que puede conseguir derrotar a sus malvadas tías y abuelo. Para encontrarlo, contará con la ayuda de Mona, una figura animada por su madre para que le proteja, y bicho, un samurai con forma de escarabajo y que cree ser alguien importante, si pudiera recordar algo de su pasado.

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“Si han de parpadear, háganlo ahora. Prestad especial atención a lo que vais a ver…”, dice Kubo al comienzo de la película. Y esta advertencia es muy correcta, ya que aunque por lo leído en el argumento la película parece (y desde un punto de vista de estructura lo es) el típico viaje del héroe con sus pruebas que harán que el niño se convierta en hombre, y el hombre en guerrero para así poder derrotar al villano de turno, la historia tiene mucha más complejidad y profundidad, tratando de manera sobresaliente temas universales como la familia, la importancia de las historias, la memoria, la pérdida y el perdón.

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Siempre me gustó mucho la cultura japonesa y sus mitos. Kubo bebe de estos elementos pero evita ser demasiado autoreferencial, utilizándolos simplemente como un escenario donde la magia, los sueños y las historias pueden entrelazarse, creando una historial atemporal que gusta a todo tipo de público y que se aleja de modas y estilos narrativos con fecha de caducidad. Como los grandes clásicos, estoy seguro que dentro de 20 años seguiré viendo esta película y me seguirá pareciendo excelente.

Unido a esto, visualmente la película es un portento. Cada plano y cada secuencia por si solos poseen una enorme belleza y son casi obras de arte que te dejan embelesado. La unión de stop-mation con animación realizada por ordenador y otros efectos consiguen crean una estética diferente a todo, que trasmite toda la fuerza de la historia,

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Porque al final es la historia la que marca la diferencia. Y Kubo en este aspecto es un gran triunfo. Los personajes de Kubo, Mona y Bicho en seguida enganchan por su carisma y los misterios de sus historias, y consiguen que sintamos con ellos un ámplio abanico de sentimientos.

Además, el final es uno de los puntos fuertes y una de las cosas que más me gustó. En la superficie los niños pueden pensar que es un final fácil, típico y tradicional debido a que el niño lucha y vence a su abuelo el villano.

Pero en el fondo hay una enorme sensación de tristeza porque Kubo entiende que aunque gana la batalla, pierde su niñez y a su familia, como paso obligado para avanzar hacia la madurez de la vida adulta. Además, hay un mensaje pacifista implícito en la historia con el que también conecté, ya que aunque el niño busca herramientas de guerra para vencer a su enemigo, al final es el poder del amor el que marca la diferencia.  El amor de tus seres queridos perdura mientras los recuerdes, y ese es un mensaje positivo, pero al final no puedes evitar perderlos, y esa es otra de las duras lecciones que Kubo aprende, y nosotros con él. Y si amas a tus seres queridos, debes también estar dispuesto a perdonar, incluso al mayor de los villanos.

A continuación voy a compartir varios fotogramas a modo de storyboard de la película, para que podais disfrutar de toda la fuerza de estas imágenes.

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2400.1080.still.laika.0001 Monkey (voiced by Academy Award winner Charlize Theron) finds herself in a fierce battle to protect Kubo in animation studio LAIKA’s epic action-adventure KUBO AND THE TWO STRINGS, a Focus Features release. Credit: Laika Studios/Focus Features

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Comparto a continuación el trailer de la película por si no lo hubierais visto:

Me han encantado también estos 2 videos que muestran el proceso creativo de la película. En este primer video, Daniel Alderson (Fantastic Mr. Fox, ParaNorman, Los Boxtrolls), nos enseña qué es lo que hace exactamente un animador de stop motion.

Y aquí teneis el making-ok de la película, que también es francamente recomendable:

Kubo y las dos cuerdas mágicas es un cuento lleno de vida que nos recuerda la importancia de la familia, el amor y la magia de las historias. Una película para todos los públicos en el más ámplio sentido del término que gustará a toda la familia, quizá incluso más a los padres que a los hijos, y que os quiero recomendar esta semana.

¡Saludos a todos!

Puntuación: 9/10